Prevalentemente Anime e Manga

I mezzi espressivi del fan (parte seconda): Le Fan Art e i Fan Video

2012-05-28T08:00:00.000+02:00

Continua in questo post il discorso sui mezzi espressivi dei fan, iniziato venerdì scorso con le Fanfiction, ovvero le storie inventate dai fan partendo da personaggi di opere già esistenti, passando ad analizzare le Fan Art (i disegni dei fan) e i Fan Video (i video prodotti dai sempre dai fan). Come vedremo ci sono diverse similitudini in queste categorie e soprattutto c'è una cosa che accomuna quasi tutto quello che viene prodotto dalle testoline degli appassionati. Avremo anche modo di estendere leggermente il vocabolario specialistico introdotto nel precedente post. Ma ora, senza indugi, torniamo ad immergerci nel fantastico mondo della produzione amatoriale!

FAN ART - Esprimere il proprio amore per la serie disegnando

Questa è una fan art su Mulan

La fanart è un’opera grafica basata su uno o più personaggi di una serie qualunque. A volte per sollucherare la fantasia di un disegnatore basta un piccolo particolare, un personaggio secondario o addirittura solo un vestito che si leghi in qualche modo all’opera in questione. In soldoni sono fan art tutte quelle immagini a base di “qualunque cosa purchè sia in qualche modo famosa”, dalla tavola splendida al meme, da demotivational alla vignetta satirica. Tralasciando un attimo tutte quelle cose che richiedono solo l’uso (anche scarso) di un qualunque programma di fotoritocco (come i meme e demotivational, che volendo si possono fare anche con il caro vecchio Paint), anche qui si possono osservare diversi livelli di abilità del disegnatore, che vanno dall’incapace che meritava di essere fermato all’asilo per manifesta inabilità a reggere la matita in mano (e che ammorba la rete con i suoi presunti capolavori, chiedendo a destra e a manca pareri e like) a qualcuno capace di produrre delle vere e proprie opere d’arte che occasionalmente riescono a superare persino l’originale.

Fan art con testo, basata sulla battuta

Alcune fan art sono solo disegnate mentre altre associano anche del testo all’immagine, assumendo quasi sempre un tono divertente e buttandosi sul lato della parodia (che, tra le altre cose, non da problema per il discorso del copyright). Come nel caso delle fanfiction sono praticamente sempre realizzate da fan (specie quelle che sembrano disegnate da un asino cieco), anche se occasionalmente si può osservare una mano tutt’altro che amatoriale. Per chi fosse interessato (anche se credo che ormai tutti lo conoscano) il posto migliore dove pescare delle fan art è DeviantArt, dove si può trovare veramente di tutto! In generale si può osservare che la rete tende a salvare solo le fan art onestamente diventi e/o molto ben realizzate e a far sparire progressivamente il resto. O sarà che i disegnatori di fan art hanno più pudore degli scrittori di fanfiction e i disegni di quando andavano alle materne li lasciano nel cassetto? Ai posteri l’ardua sentenza!

Anche questa è una fan art (e un meme)

Diciamo anche che con il trend dei domotivational (quelle immagini a sfondo nero con un’immagine esplicativa e una scritta bianca) e quello recente dei meme (quelle immagini montate con le faccine preconfezionate che spopolano sui social network come Facebook), per creare una fanart non è più necessario sfoggiare le proprie doti grafiche, rendendo possibile l’impresa praticamente per chiunque abbia un’idea più o meno divertente. Per chi fosse interessato e ancora non lo conoscesse, il più grande sito di diffusione di meme e cavolate assortite (non necessariamente fan art) è 9gag.com. Per tutti gli altri passate sulla pagina di FaceBook di questo blog, dove ho messo alcune gallerie a tema (~~io continuo a fare pubblicità alla pagina, sia mai che qualche like in più ci scappi~~).

NOTA: non tutti i meme e i demotivational sono necessariamente fanart, solo quelli che si riferiscono a serie, libri, film, telefilme, ecc.

NOTA 2: praticamente tutte le immagini che decorano questo post (e la sua parte prima) sono fan art.

Fan art in bianco e nero sui Biker Mice

Per questa categoria vale praticamente tutto il glossario visto nella precedente puntata a cui aggiungerei solo i seguenti termini:

Uomini im cross-dressing da Madoka
Magica o Rule 63 inversa?
Difficile a dirsi in questo caso!

16) Cross-dressing: Semplicemente un personaggio fino a quel momento normalissimo viene fatto vestire come una persona appartenente all'altro sesso, con risultati quasi sempre disastrosi. Certo, può essere divertente in una festa tra amici vestire da donna un paio di sfortunati soggetti estratti a sorte (chi non l'ha mai fatto? Io sì, con mia sorella acconciammo e truccammo due amici, ho delle foto come prova!), ma certe cose che girano liberamente in rete non si possono proprio vedere. Prendere personaggi amati, magari anche particolarmente virili e cacciargli addosso una minigonna è proprio una cattiveria! Sia per il personaggio che per chi lo guarda. La cosa peggiore è che molti personaggi maschili nati da opere giapponesi alla fine si prestano tantissimo, tanto che spesso e volentieri praticano cross-dressing già nella loro serie originale (basta vedere Ciel di Kuroshitsuji o tutti i protagonisti di Princess Princess).

17) Rule 63: Recita: For any given male character, there is a female version of that character! In realtà è praticamente la stessa cosa del gender bender visto nel post precedente, ma, in questo caso, assume dei contorni più catastrofici, visto che lo sfortunato visitatore si trova davanti una perfetta rappresentazione di quello che nelle fanfiction era rimasta solo fantasia. In quel caso, impegnandosi tanto e leggendo sistematicamente tutti i she come he, si può anche far finta che sia tutto normale (o quasi, basta che non ci siano scene di sesso o peggio ancora di parto). Qui no! Qui il tuo eroe preferito, quello che ami da quando eri bambino è diventato una tenera e indifesa donzella! Si vede benissimo nell'immagine! E, qualunque cosa farai, non te lo riuscirai a togliere di testa!

Top Gun nel furryverse

18) Furry: Il furry è un fandom che immagina i suoi personaggi come animali antropomorfi. Fin qui quasi nessun problema, per esempio sia le Tartarughe ninja sia i Biker Mice sono dei furry già nel loro comunissimo canon. Il problema sorge quando un giovane talento in erba delle matite decide di furryzzare (esiste questa parola? Se non esiste pazienza, la uso allo stesso) un personaggio di un fandom normalmente umano (no, non ho una galleria per questo, cercatevelo se volete soffrire!). Quindi, cercando, si possono trovare (ma ve lo sconsiglio) versioni pelose e animali di tutti i personaggi più famosi. Nessuno escluso. Nemmeno le persone reali. La cosa peggiore è che poi il Picasso della rete decide anche di farli accoppiare, con risultati a metà tra la barzelletta di Pierino e il conato di vomito.

LE DOUJINSHI! - Quando le fanfiction incontrano le fan art

Una cover random di una su
One Piece, Nami e Robin protagoniste

Le dōjinshi (同人誌, traslitterato anche come doujinshi) sono riviste giapponesi pubblicate con mezzi propri da aspiranti mangaka. Quindi sono praticamente sempre realizzate da amatori, anche se in alcuni casi vi partecipa anche qualche professionista, per farsi pubblicità al di fuori dei canali classici dell’industria fumettistica. Tutti gli anni si tengono in Giappone delle apposite convention in cui i disegnatori possono proporre i loro lavori e gli appassionati possono comprarli. Molte di queste opere riprendono i personaggi originali di altre serie, andando ad analizzare rapporti e particolari che nella serie madre erano stati tralasciati. In pratica si tratta quasi sempre di storie a sfondo sessuale (giusto per intendersi, praticamente tutti gli hentai cartacei su storie famose sono dōjinshi), tanto che la mancanza della componete erotica viene spesso segnalata con l’etichetta dōjinshi ippan. In pratica sono delle fanfiction a fumetti, che uniscono la parte di storia inventata dall’autore alla parte di disegno vera e propria.

Andando a cercare se ne trovano proprio
su tutto

Molti autori di dōjinshi pubblicano in rete delle fan art per mostrare al proprio pubblico il loro stile. Per chi fosse interessato, il modo migliore per acquistare delle dōjinshi (ponendo che sono praticamente sempre in giapponese) è eBay, dove si trovano a prezzi variabili, da pochi euro fino ad una cinquantina di euro, per i prodotti più ricercati. In ogni caso è piena la rete di siti che contengono scansioni di questi lavori, magari anche con traduzioni in idiomi più comprensibili. Alcuni celebri mangaka, come le CLAMP, hanno iniziato la loro carriera disegnando proprio dōjinshi di serie all’epoca famose (e infatti nel loro lavoro ricorre una sorta di impronta porno sopita). Il copyright è uno dei problemi più grossi per chi si occupa di lavori basati su un’opera di un altra persona. Alcuni scrittori famosi (come Anne Rice e George R. R. Martin) non desiderano che dalle opere sia tratto alcunché, neanche fanfiction e fan art, di quelle crete senza scopo di lucro per timore che il fandom gli sfugga di mano .

Un'altra. Questa volta a tema Inu Yasha

Ponendo che il diritto di satira è assicurato per legge e quindi neanche questi autori possono impedirla sulle loro opere, il problema sorge solo nel caso di racconti seri, specialmente quando, come nel caso delle dōjinshi, si tratta di guadagnare dei soldi dal proprio prodotto. Bisogna osservare a questo punto punto che non tutte le dōjinshi sono realizzate su materiale strettamente nipponico e che se ne possono trovare un po' con ogni soggetto. In realtà in Giappone sono largamente tollerate come oggetti venduti solo per eventi che durano un giorno (le convention), anche se ci sono stati un paio di casi di contenziosi. Uno è quello che la Nintendo ebbe nel 1999 con l’autore di un dōjinshi che scrisse un racconto erotico basato sui Pokemon (finito a tarallucci e vino), mentre l’altro coinvolse Fujiko Fujio, autore di Doraemon, quando nel 2006 fu pubblicato un immaginario ultimo capitolo della sua opera (incompleta) e l'autore finì a bloccare immediatamente le vendite e a sistemare la cosa con la ditta detentrice dei diritti.

FAN VIDEO - Quando i fan si sentono registi nati

Un fan video viene creato ogni qual volta un fan prende in mano degli spezzoni del suo anime, film o telefilm preferito e li rimonta insieme o quando gira lui stesso un filmato a tema. Normalmente i Fan Video hanno un contenuto di porno infinitamente più basso dei loro colleghi fanfiction e fanart per ovvi limiti fisici (se vengono usti gli spezzoni originali è difficile che compiano dal nulla scene di sesso che non c’erano). Possono essere dei trailer fatti dai fan, degli spezzoni parodistici, dei ridoppiaggi o dei filmati montati su una apposita base musicale.

Esempio filmato fatto interamente dai fan: Link to the Future!
Interamente realizzato da fan del videogioco.

1) AMV - Anime Musical Video

Scegli una serie di successo ...

In questo caso il fan della serie sa di non avere doti letterari o artistiche necessarie a scrivere una fanfiction di successo o a produrre una fanart di grido (magari perchè ci ha già provato e fallito ripetutamente) e decide di mostrare al mondo il suo amore per la serie del cuore con un bel video. AMV è la sigla di Anime Musical Video (video montato su una traccia audio) e, come sempre tutto quello che viene prodotto amatorialmente, può essere una schifezza senza pari o un prodotto decisamente pregevole (diciamo anche che alcuni sono prodotti anche da degli studi di video elaborazione come pubblicità).

... crossoverala senza pietà ...

Ma come nasce un AMV? Un giorno un fan si sveglia e sente di avere la stoffa del grande regista. Sceglie degli spezzoni del suo anime o video gioco (nel qual caso dovrebbe chiamarsi GMV ma tutti li chiamano comunque AMV) preferito, una canzone da usare come sfondo e ne fa un videoclip musicale da proporre al giudizio del mondo. Per uplodarlo andrà in quel gran calderone di roba indescrivibile di youtube (andateci e cercate AMV per vedere quanta roba è stata prodotta) unendolo alle migliaia di altre presunte opere. Il segreto per fare un AMV almeno guardabile è la pazienza (e posso parlarne in prima persona, visto che uno nella mia vita l’ho prodotto pure io, anche se non l’ho mai pubblicato e mai lo pubblicherò da nessuna parte)!

.... e aggiungi una base musicale qualunque.

Pazienza di scegliere una base musicale adatta all’idea del prodotto finale che si vuole realizzare, senza prendere la propria canzone preferita del momento e senza fare marchette a pezzi in gran voga, e soprattutto pazienza di spulciarsi tutto quanto l’anime o il videogioco per trovare le scene che più si adattino alle parole. In pratica è un lavoraccio da fare quasi fotogramma per fotogramma, in modo da rendere tutto scorrevole e perfettamente sincronizzato (torna il problema del sincro di cui avevamo già parlato nel post dedicato al doppiaggio). Ovviamente il 90% degli AMV sono fatti dai soliti rimbambiti che scelgono una canzone a caso (possibilmente J-pop, Rock o metal), ci schiaffano sopra la loro scena di combattimento preferita presa praticamente intera (noia mortale garantita al 200%) e si aspettano un tripudio di lodi e apprezzamenti che se tutto va bene non arriverà mai.

Alcuni esempi di AMV:

AMV sui personaggi secondari di One Piece, è un po' vecchiotto ma mi piace sempre tantissimo

Un AMV di tono epico sui protagonisti di Bleach

AMV Crossover tra Trigun e Cowbot Beebop, basato su un improbabile (ma non troppo) combattimento tra i due protagonisti, attenzione spoiler

Beer Song versione anime, AMV comico

Mai dire AMV, mega crossover parodistico (da vedere a tutto schermo)

La caramelldansen! Fuggite finché potete

Sempre nel filone degli AMV ci sono anche quei trend o meme che spopolano a periodi alterni in rete, come la caramelldansen. Chi sa di cosa parlo è libero di rabbrividire, per tutti gli altri vediamo un attimo di cosa si tratta. La caramelldansen è il primo pezzo dell’album Supergott del gruppo svedese Caramell, pubblicato nel 2001 e uscito anche come singolo. A metà del 2006, quando il gruppo originale era pure stato sciolto, ha cominciato a diffondersi viralmente su internet come meme legato ad un video in cui due protagoniste della visual novel Popotan ballano sulle note della canzone. All’inizio era una semplice animazione flash in loop ma, con il passare del tempo la cosa si è evoluta, arrivando a versioni sempre più complicate, e diventando un vero e proprio fenomeno di massa in Giappone (poi passato anche al resto del mondo). Tanto che sono state fatte delle versioni successive del brano originale in cui la band è stata rimpiazzata da delle versioni anime. In ogni caso Caramelldansen è diventata la colonna sonora di infiniti AMV in cui i fan hanno fatto ballare ogni sorta di personaggio. La danza da fare è semplice e ripetitiva, per cui non richiede particolari abilità per realizzarla, anche se esistono anche delle versioni con coreografie personalizzate.

La Caramelldansen classica

Una versione che raccoglie un mix di personaggi vari: nessuno è al sicuro dalla Caramelldansen!

Una versione con, invece, una coreografia più complicata, eseguita dalla brigata SOS

Un altro meme che gira su internet da anni: Orihime con il porro! La prima volta che l'ho vista non conoscevo ancora Orihime e non avevo idea che venisse da Bleach, quindi per me è il video della tizia suonata che gira il porro!

2) VIDDING - Idem come sopra ma non a tema anime

Analogo a quello dell’AMV esiste ovviamente anche il fenomeno del Vidding, basato su spezzoni di film e telefilm made in USA montati su basi musicali. Nato in America nel 1975 ad una convention di Star Trek (ma che novità, non l’avrei mai detto! Quasi tutto quello di cui tratta questo post ha origine nel fandom di Star Trek), quando Kandy Fong proiettò una serie di diapositive con uno sfondo musicale. Il fenomeno si espanse qualche anno dopo quando, con l’avvento delle videocassette, si passò dalle diapositive (che richiedevano abilità manuale di proiezione live non indifferente) al più classico formato video. Anche questa forma di tributo dei fan si è sparsa a macchia d’olio sulla rete e serve, quasi sempre, a mostrare l’amore incondizionato dell’autore per uno o più personaggi o a rendere noto al mondo quali siano le sue coppie preferite della serie. Magari questi due non si sono mai calcolati, ma con un attento ritaglio delle scene può quasi sembrare che siano amanti da sempre!

Esempio di Vidding su X-files, una delle mie serie preferite di sempre!

3) PARODIE e FANDUB - Quando i fan si divertono sui loro beniamini

Esempio di parodia

Una parodia è l’imitazione dello stile e dei personaggi di un’opera celebre o di una persona realmente esistente (ma qui non stiamo parlando di reltà ma di fantasia, quindi le parodie politico-sociali le tralascio). Questa pratica si presta tantissimo al fandom, contando che la quasi totalità delle fan art e molte fanfiction, specialmente quelle con la pericolosissima etichetta Comico o Demenziale, altro non sono che parodie delle versioni originali dell’opera. Personalmente temo sempre un po’ le parodie perchè dietro a quest’etichetta spesso ci si nasconde tutto un mondo composto unicamente da parolacce e da squallide battute da cinepanettone. Per fare un paio di esempi di parodie fumettistiche (fan art) abbiamo Raruto (una bella parodia di Natuto, che potete trovare a queste coordinate, dove tra l’altro ci sono anche altre parodie interessanti), la parodia di Harry Potter e la celebre Myth Clots, disegnata da The Sparker.

Il mezzo espressivo che però si presta di più a questo scopo è però sicuramente il video. A cominciare dai cosiddetti fandub, doppiaggi alternativi creati dai fan per far ridere, per arrivare a dei veri e propri filmati parodistici ricreati intorno ad un argomento scelto. Per fare un esempio classico di fandub di cui ho già parlato su questo blog non si può non nominare La mamma di Crystal, noto fandub parodistico sulla serie Saint Seiya.

Esempio di fandub comico su Rocky 3 ad opera de "Il nido del cuculo"

Normalmente devo confessare che diffido abbastanza delle parodie (tranne che nelle fan art) perchè, a quanto pare, è difficile discernere tra il concetto di simpatico e divertente e quello di grottesco e volgare, ma, occasionalmente, riescono a stupirmi con dei lavori veramente ben fatti. Esistono degli autori celebri (come Eichiro Oda, autore di One Piece) che realizzano dei brevi sketch parodistici sui loro stessi personaggi principali, come può essere, ad esempio, il teatrino del cappello di paglia.

CONCLUSIONI (oddio, ho veramente finito, non ci credo, sono commossa)

In pratica i mezzi espressivi usati dagli appassionati sono principalmente tre: la scrittura (vedi primo post), l’arte figurativa e i filmati. In un enorme calderone di orrori a grottesco sfondo sessuale e schifezze inimmaginabili senza capo ne coda si possono occasionalmente trovare delle storie o delle opere interessanti ma, attenzione, bisogna avvicinatevi con cautela. Si potrebbe rimanere molto male sul loro contenuto! Infatti, a quanto pare, quello che i fan desiderano più di ogni altra cosa, oltre a produrre delle simpatiche parodie, è che i propri personaggi del cuore facciano sesso! Tanto sesso! Montagne di sesso! Più sesso di quanto si possa mai immaginare! Possibilmente accoppiati con uno (o più) pairing del tutto improponibili! Le storie ufficiali sono troppo caste per il fandom? Nessun problema, perchè non scrivere e disegnare tutti i sogni erotici delle fangirl e dei fanboy in circolazione (oddio spero che a nessuno sia mai venuto in mente di girare dei porno amatoriali in costume. Se esistessero per favore non fatemelo sapere, vivo benissimo nella mia ignoranza)? Vorrei dire, è risaputo che Internet è la patria del porno e che la regola 34 (If it exists there is porn of it, no exception!) non risparmia nessuno, ma così si mostra appieno la vera natura degli scrittori e dei lettori di tutto il mondo! Nascosti dietro il proprio nick a a creare o cercare porno-ficcyne, fan art fraintendibili e filmati romanticosi sulla propria coppia immaginaria preferita! L'importante è essere coscienti del pericolo che si corre aprendo gli archivi condivisi (ovvero quello di essere sommersi dalle brutture) e soprattutto essere sempre rispettosi delle idee del prossimo (cosa che spesso purtroppo manca), in modo da permettere a tutti di divertirsi (ovviamente non sto parlando delle schifezze illeggibili senza capo né coda, quelle vanno ~~bruciate~~ migliorate). Adesso stacco, la Pina mi suggerisce di leggere un paio di ShunUki prima di dormire. (pubblico il mattino ma scrivo la sera).

The Internet is for porn, dal musical Avenue Q andato per la prima volta in scena a Broadway nel 2003

I mezzi espressivi del fan (parte prima): Le Fanfiction

2012-05-25T08:00:00.000+02:00

L’argomento di questo post non è l’analisi di un qualche aspetto di un determinato filone narrativo (come potevano essere quello sui protagonisti delle serie d’azione e avventura, sui classici elementi degli shōjo manga romantici o sugli elementi tipici dei film horror) ma una sorta di introduzione al fantastico mondo del fandom (per la definizione di fantastico giusta vedere qui, ovvero “ciò che è concepito dalla fantasia”). Fandom è tutto ciò che esce dalle manine o dalla testolina di un fan (infatti la parola è originata dalla fusione di fan + Kingdon, letteralmente regno dei fan) ed è una specie di calderone informe che contiene tutti i sogni, i desideri e le più perverse fantasie degli ammiratori di qualche opera.

Nasce un fandom, inteso come sottocultura o comunità di appassionati, su praticamente tutto ciò che viene letto o visto da più di tre persone (l’autore, sua mamma e l’editor, il quarto a leggere o vedere il prodotto è già un fan), con il risultato che internet, da sempre cloaca di scarico dell’umanità, pullula di questi soggetti. I fan più numerosi (ma non meno sfegatati e agguerriti degli altri) sono quelli di serie super famose come Harry Potter, Star Trek, Sailor Moon e via discorrendo. Insultare il loro personaggio preferito in loro presenza, o affermare che una delle loro idee in merito all’opera è sbagliata (tipo la loro coppia preferita), può essere causa di scomuniche e fatwa senza precedenti. Certe lobby di fan sono così schifosamente potenti da potersi permettere di non far interrompere all’industria filmica o fumettistica la loro serie preferita (esempi classici sono Star Trek o Shaman King, o meglio ancora Xena principessa guerriera, la cui serie nacque come spin-off di Hercules per desiderio dei fan)

Ma attraverso quali scellerati mezzi si esprime il fan della serie?

FANFICTION - Ovvero quando i fan cominciano a scrivere le loro fantasie

Le fanfiction (abbreviato amichevolmente in fancic, FF o fic, a seconda del gusto personale) sono delle storie scritte dai fan che partono da uno spunto legato ad un’opera più o meno famosa. I precursori di questo fenomeno furono alcuni amanti di Star Trek che negli anni settanta cominciarono a far circolare dei racconti sul tema su delle apposite fanzine (delle riviste scritte da fan, destinate ai fan, stampate e distribuite in modo del tutto amatoriale) ma il vero e proprio boom del fenomeno si ha a partire dalla fine degli anni novanta con l’espansione di Internet. La parola chiave che bisogna legare al concetto di fanfiction è amatoriale. Chi le scrive (da sempre) non è un professionista ma una persona che decide di propagandare al mondo il suo amore per una determinata opera attraverso una storia di sua invenzione.

Inizialmente era un fenomeno limitato e circoscritto ma, grazie alla potenza degli archivi condivisi gratuiti, come EFP e Fanfiction.net, è presto diventato un fenomeno di massa. Come si sa massa non è quasi mai sinonimo di qualità e infatti anche in questo caso ci sono pochissime fanfiction degne di nota affogate in un mare eterno di melma illeggibile (per gli amici ficcyne, il dispregiativo di fanfiction). A fronte di alcune storie veramente belle, con una buona trama e dei personaggi ben caratterizzati, si assiste inermi all’invasione del monoblocco selvaggio, allo sconsiderato omicidio reiterato della grammatica e soprattutto alla bruttura narrativa più becera. Personaggi inutili, trame insensate, umorismo da far ghiacciare le vene e stereotipi ripetuti a sfinimento sono solo una parte delle schifezze che si possono trovare entrando nel ficcyverse.

La parte più ridicola normalmente sono le scene di sesso. No seriamente, chi le scrive sembra si sia documentato unicamente su film porno di bassa lega, spesso denotando scarsissime conoscenze in materia e arrivando a descrivere in modo agghiacciante e meccanico qualcosa che vorrebbe essere sensuale ed eccitante. In un tripudio di corpi perfettamente modellati (dal Quiddich, scherziamo, che cavalcare una stupida scopa ti fa venire certi muscoli che nemmeno uno si immagina), capelli corvini o dorati, occhi paragonati a gemme preziose (se leggo “gli occhi come due smeraldi/topazi/nome di pietra preziosa” droppo automaticamente la fanfiction) e labbra rosse e carnose c’è veramente da mettersi le mani nei capelli. In più i soggettini che scrivono queste robe (che chiamarle merdine mi pare offensivo nei confronti delle merdine) si sentono dei novelli Manzoni e delle novelle Deledda, per cui, se qualcuno osa fargli per caso notare che scrivono come delle scimmie lobotomizzate, arrivano ad offendersi a morte, chiamano a raccolta i loro compagni di vilipendio alla lingua italiana e attaccano lo sventurato commentatore a selvaggi colpi di sms-essese e CAPS-LOCK.

Ho cominciato a leggere le fanfiction svariati anni fa. Mentre cercavo informazioni su One Piece (che poi ancora mi domando cosa stessi cercando visto che avevo il manga lì sulla mensola) sono accidentalmente capitata sul blog Dialetticamente, che si occupava di fare critica costruttiva alle fanficion (morto anni fa per una bruttissima trollata che un utente bastardo dentro fece all’amministratrice), e in quel momento mi si è aperto un mondo. Un mondo anche brutto ma mi si è aperto. Per chi fosse interessato al discorso della critica delle fanfiction c’è Fastidious Notes on Morbid Fanfictions che si occupa però di critica decostruttiva e perculatoria (personalmente lo trovo molto divertente).

Un classico autore di fanfiction in azione

Vediamo ora, per chi non fosse avvezzo a queste cose (o per chi le conosce e sa di che morte morire) un glossario dei termini basilari per affrontare preparati il mondo amatoriale e caotico della fanfiction. Dato che si tratta di qualcosa che vive florido su internet è ricco di sigle, avvisi e paroline magiche da ben conoscere per non rischiare di finire a leggere qualcosa di profondamente sbagliato. Tutti i grandi archivi di fanfiction hanno la possibilità di far inserire all’autore alcune etichette o avvisi alle singole storie, in modo da renderne la fruizione più semplice ai lettori, aiutandoli a scegliere in base ai propri gusti personali.

Breve (~~breve neanche per sogno, è lunghissimo~~) glossario:

1) Canon\fanon: Canon è tutto ciò che è contenuto nell’opera originale, fanon è invece tutto quello che viene inventato nel fandom, alimentato e propagandato a suon di fanfiction e fanart a tema. Ci sono sfortunati personaggi che nel passaggio tra canon e fanon assumono caratteri, aspetti fisici e addirittura poteri completamente diversi. Dopo aver letto un certo numero di fanfiction su un determinato personaggio asservito alle severe leggi del fandom le differenze tra canon e fanon si fanno sempre più labili e si arriva addirittura a prendersela a male quando l’autore scrive qualcosa che malauguratamente contraddice il fanon. L’unica cura è chiude il browser e rimettere mano all’opera originale. In quel modo occhi azzurri, capelli fluenti e corpi fascinosi torneranno al loro aspetto originale.

7) One Shot: Alleluya, alleluya! La storia sarà lunga un solo capitolo. In assenza di questa etichetta (o delle due successive in quest’elenco) si può intendere che la fanfiction sarà un mastodonte a capitoli, magari non tutte lunghe come certe opere che superano anche i cento capitoli, ma comunque dotata di svariate puntate. Iniziare a leggere una storia multicapitolo in prosecuzione spesso vuol dire non leggerne mai la fine. Spesso i geni della tastiera lasciano le loro opere miseramente incompiute. Il marchio One Shot assicura che tutto quello che deve succedere succede in quell’unico capitolo pubblicato e che il lettore non sarà lasciato sull’erba per anni ad attendere inutilmente un finale che non sarà mai scritto! Ovviamente One Shot può anche significare “azione zero, caratterizzazione zero, una roba buttata così a caso”.

8) FlashFic: storia One Shot composta da un numero di parole comprese tra le centouno e le cinquecento.

9) Drabble: storia One Shot composta esattamente da cento parole. Spesso scrivere una vera Drabble è una vera sfida. Spesso sono schifezze illeggibili senza capo ne coda (lima di qua e togli di là e improvvisamente la storia non ha più senso).

5) Song-fic: Sono fanfiction normalmente One Shot basate sul testo di una canzone. Si avranno quindi i paragrafi della storia alternati a dei pezzi di canzone. Canzone che al 99% non c’entra una benemerita cippa con l’opera originale ma che piace tantissimo al talento della letteratura in erba che la sfrutta per due semplici motivi: citarla perchè fa figo e allungare la sua storia che se no sarebbe ridicolmente corta. Al 99% il lettore salterà a piè pari tutte le strofe musicali per leggere solo la parte narrativa, rendendosi comodamente conto da solo che la storia è breve e insipida. Questo è un barbaro trucco per allungare una minestra troppo breve! Normalmente per me l’etichetta Song-fic si può tradurre con “Non mi leggere, sono una schifezza!”

12)Round Robin: Storia scritta a più mani. Solitamente ogni capitolo è affidato ad un autore differente che, a rotazione, passa il testimone al successivo. Spesso le persone coinvolte nella stesura dell’opera ritengono inutile parlarsi ed accordarsi su di un plot condiviso (e magari anche su uno stile unitario), per cui, dopo un paio di capitoli neanche, loro non capiscono più bene cosa sta succedendo o che personaggi sono coinvolti. Immaginate il lettore! Per me la scritta Round Robin si può tradurre comodamente con un “Scommetto che non riesci a leggermi fino al terzo capitoli prima di sbroccare contro i miei autori!”

Un esempio classico di Alterative Universe

2) Alternative Universe (AU): Prendi i tuoi personaggi preferiti (anche non tutti, potrebbe bastarne uno solo), asportali dal loro pacifico mondo di origine e impiantali in un altro universo in cui c’entrino come i cavoli a merenda. Più è assurda la combo personaggio/luogo e meglio è. Et voilà, la vostra AU è pronta per iniziare. Il setting in assoluto più amato dalle scrittrice di fanfiction di tutto il mondo è la scuola. Acchiappano gente come Naruto, Rufy, Harry Potter, Thor, o anche cantanti famosi random (dipende dalla moda del momento), li prelevano dalle loro vite abbastanza impegnate e li schiaffano nella loro, fino a quel momento, noiosissima scuola. Stai cercando Horcrux, combattendo pirati malvagi o cercando di sconfiggere il tuo fratellino adottato'? Non importa, da domani il tuo unico interesse sarà quella prof così bastarda di matematica che interroga! Una sottocategoria dell’AU è il MovieVerse o OtherVerse che si applica quando esistono più versioni di una stessa storia (libro/film/videogioco) che hanno delle rimarcabili differenze tra di loro. In questo modo si segnala in quale versione è ambientata la storia. ~~Maledetti scrittori di ficcyne leggete le opere originali invece di guardarvi solo i film~~!

Qualcuno si è un attimo fatto prendere la mano con l'ambientazione alternativa

3) Out of Character (OOC): Scegli una vittima sacrificale tra i personaggi che vuoi far comparire nella storia, aprile il cranio, asportane il contenuto e riempi con segatura. Da quel momento il creatore della fanfiction avrà per le mani un burattino che appare fisicamente come un personaggio canon ma che in realtà si comporta in modo totalmente fantasioso. Normalmente l’avviso di OOC può essere tradotto come un “No, ti prego, non mi leggere, se no te ne pentirai per tutta la vita! Tu non vuoi vedere Piton che fa i bigodini alla MacGranitt, vero?”. OOC è un personaggio che perde la caratterizzazione psicologica, le sue motivazioni e troppo spesso anche la dignità.

Crossover e OOC, oppure un scherzo di Mr.2?

4) Crossover: Per quelli a cui non bastano AU e OOC ecco a voi il crossover. Facile e indolore (per lo scrittore, non per i personaggi che soffrono tantissimo): basta prendere i personaggi di due o più serie, mischiarli insieme e attendere che si ambientino nella loro nuova vita. Avremo così capolavori indiscussi della letteratura moderna come Naruto che si iscrive ad Hogwarts per via di uno scambio culturale tra Konhoa e la più famosa scuola di magia e stregoneria dell’Inghilterra, innamorandosi di Hermione e aiutando Harry a sconfiggere Voldemort, oppure Ichigo Kurosaki che si trova a combattere spalla a spalla con Inu Yasha o ancora, per i più coraggiosi, un campeggio rieducativo per cattivi impenitenti, con personaggi da una dozzina di serie diverse. Spesso il crossover è così incasinato che nessuno a parte l’autore è in grado di riconoscere tutti i personaggi!

Crossover e Crack pairing! Aspettatevi sempre il peggio!

6) Crack-pairing: L’autore dell’opera da cui è tratta la fanfiction ha deciso delle coppie che al giovane talento della letteratura internettiana non piacciono? Benissimo, qual è il problema! Basta mettere una bella etichetta di Crack-pairing e poi si può accoppiare chiunque con chiunque. Cos’è quella pallosa Harry/Ginny? Facciamo una bella Harry/Bellatrix, così per movimentare un po’ le cose! E quella insopportabile Edward/Bella? Nemmeno per sogno! Per non parlare poi di tutte quelle coppie di personaggi che vengono fuori da serie shōnen dove il lato romantico non è ben definito. A Naruto piace Sakura? Nemmeno per sogno, Naruto è destinato a Sasuke! A Rufy non frega assolutamente nulla delle donne? Allora deve mettersi con Brook! In generale si può osservare come la quasi totalità delle fanfiction siano delle crack-pairing, con personaggi accoppiati a casaccio, sostenute da orde di fangirl e fanboy pronti ad uccidere per loro. Dire ad una fan dell’Ichigo/Rukia “Guarda tesoro, secondo me la coppia migliore è Ichigo con quella lagna di Orihime, che tra due scemi ben si trovano” è l’equivalente di dichiarare guerra all’Iran!

I deleteri effetti del crack paring

10) What if: Se all’autore (o autrice) della fanfiction non piace un determinato avvenimento della trama canon basta che metta l’avviso What if'? (e se?) e potrà far succedere quello che vuole ai suoi eroi. E se Atena fosse morta per la freccia mentre Seiya e la sua banda di primedonne correvano sulle scalinate del grande tempio (che farlo in piano pareva brutto)? E se Kenshin fosse rimasto a fare l’assassino prezzolato? E se Harry fosse entrato a Serpeverde (un intramontabile classico)? E se i Deimon Devil Bats avessero vinto la prima partita con l’Oujo? E se Haurui si fosse innamorata di Kyouya? In pratica si tratta di allegrissime ucronie (o storie alternative), in cui le cose, pur seguendo un filone analogo a quello originale, vanno in modo completamente diverso. E al 90% vanno del tutto a donnine allegre dopo un paio di caccosi capitoli!

11) Missing Moment: L’autore della storia decide di illustrate un momento della trama principale (possibilmente facendo combaciare i pezzi con il canon) che il vero autore aveva deciso di non raccontare ai lettori. Ad esempio una Missing Moment su La bella e la bestia potrebbe mostrare cosa fa la bestia mentre la sua argenteria offre un banchetto con tanto di musical a Belle o una su Bleach potrebbe descrivere il combattimento tra Yamamoto e i due capitani Ukitake e Kyoraku. Le migliori, però, rimangono sempre le Missing Moment di altre fanfiction. Tipo, una giovane autrice scrive una storia su Roy Mustang e Alphonse Elric che si sposano ma non racconta nei dettagli il loro secondo appuntamento? Benissimo, poi pubblicherà una bella Missing Moment con quella parte! Per non far mancare nulla al suo appassionato pubblico!

... e se Silente fosse stato Gandalf?

11) Lime/Lemon/Slash/FemSlash/Het/Shōnen-ai/Shōjo-ai/Yaoi/Yuri: Queste sono le varie gradazioni e tipologie di coinvolgimento sessuale che si può trovare in una storia di questo genere. Premettendo che la quasi totalità delle fanfiction è a sfondo sessuale o il coinvolgimento romantico ne è il fine ultimo, si può facilmente dedurre che praticamente tutte ricadranno in una di queste categorie. Andando per ordine troviamo per primo Het, che è l’abbreviazione di Heterosexual (eterosessuale), e non è necessario inserirlo tra gli avvertimenti della fanfiction. In caso di assenza di diversi avvisi è dato per scontato. Lime e Lemon sono storie dove vi è un approccio sessuale esplicito (lime è più blando che lemon e non sfocia nell’atto sessuale vero e proprio), slash dove vi è un coinvolgimento emotivo di coppie omosessuali mentre femslash se si tratta di relazioni tra personaggi femminili (attenzione che possono essere usate in combo, per esempio può esserci una lemon slash, quindi una storia con una relazione omosessuale con scene esplicite). Se la fanfiction è tratta da una serie che ha origine in Giappone è norma usare le etichette nipponiche e quindi shōnen-ai per le storie con relazioni tra uomini senza scene di sesso esplicitamente descritte (in caso ci siano si tratta di Yaoi) mentre shōjo-ai per le relazioni lesbo, sempre senza sesso esplicito, e Yuri invece per quelle con tutti i dettagli del caso.

Questo è il concetto di slash

12) Porn Without Plot (PWP): Bhe, credo che la definizione si spieghi anche abbastanza da sola. Sono storie (se così si possono definire senza offendere nessuno) in cui vi è solo sesso. Senza motivazione, senza caratterizzazione e senza praticamente ambientazione. Personaggio A incontra personaggio B e ci danno dentro come ricci, con l’autrice o l’autore che si sofferma a descrivere capezzoli turgidi, curve perfette, corpi tonici e peni fuori standard. Personaggio A e personaggio B possono essersi presi a schiaffi fino al momento prima o proprio non conoscersi (perchè mai negarsi una bella PWP crossover?) ma come entrano in quella storia si saltano addosso e il loro unico pensiero è quello di cavarsi le mutande il prima possibile!

13) Fluff/Angst/Dark/Death: Qui si parla dell’atmosfera della storia. Nel caso in cui ci sia l’avviso di Angst vuol dire che l’autore ha deciso di far soffrire i personaggi presi in prestito dall’opera originale (come se i loro veri autori non fossero già abbastanza sadici di loro, praticamente tutte le storie hanno substrato naturale angst). Le sofferenze possono essere fisiche o psicologiche, nelle pratiche opzioni di malattia tremenda, ferite o tortura, somma depressione o incazzatura suprema. L’avviso Dark indica un’atmosfera particolarmente oscura (spesso è in coppia con Angst) e Death che è prevista la morte di uno dei personaggi principali (allegria!). Magari di quelli presi dall’opera originale. Magari uno di quelli che sta facendo gli scongiuri da quando è stato scelto per partecipare alla fanfiction. Fluff, invece, è l’antitesi di Angst. Se c’è l’avviso Fluff vuol dire che sarà una storiella allegra e leggera, senza particolari patemi d’animo dei suoi protagonisti. Normalmente sono delle boiatine senza capo ne coda ma almeno non appiccicano addosso al lettore un senso di suprema depressione.

Gli scrittori di fanfiction di tutto il mondo adorano l'angst

14) Original Character (OC): Da non confondere con l’OOC che è una cosa completamente differente, l’OC è quando l’autore della fanfiction decide di affiancare ai personaggi canon anche uno o più soggetti di sua invenzione. Normalmente per me l’avviso (o il fatto che io ne subodori la presenza) dell’OC è un sinonimo di “Non leggermi per nessun motivo, se proprio vuoi farti del male vai a giocare in autostrada bendata che è più sicuro” o più semplicemente un bel “Fuggite sciocchi!”. L’OC spesso è l’anticamera dell’orrore più puro, della ripugnanza più tremenda, del sacro terrore delle fanfiction: le Mary Sue e i Gary Stu. Dato che questo è un argomento molto sensibile approfondiremo nel paragrafo dopo.

13) Gender bender: Oddio, l’ho lasciato tra gli ultimi perchè è una delle pratiche più aborrisco dell’intero fandom mondiale (peggio anche dell’OC). Prevede di selezionare una coppia (che poi sia canon o meno non importa) e cambiare il sesso a uno dei due. Così, dal cielo! Ora, questo non ha senso, magari nell’opera originale c’erano settecento altri personaggi femminili/maschili pronti all’uso ma no, al sadico che ha scritto questa roba piaceva tizio in cambio sesso! Nel fandom italiano per fortuna è abbastanza limitato (perlomeno in quello che seguo io, che poi magari cresce florido e purulento in altre categorie) ma purtroppo vanta una diffusione sufficientemente virale in quello in lingua inglese. Pronti a conoscere Ronnina Weasley?

Where is your God now?

14) Rating: dato che non tutte le fanfiction sono adatte a tutte le sensibilità sono stati studiati diversi sistemi per identificare chi possa leggere cosa. Su EFP ultimamente va di gran moda un sistema colori samaforico (Rosso, Arancione, Giallo, Verde), mentre negli archivi internazionali vanno alla grande i rating dei film. Quelli che vanno da G (general audience, anche per bambini) fino a NC-17 (vietato ai minori), passando per PG (Sorveglianza dei genitori suggerita), PG-13 (Stupidi genitori se il bambino ha meno di tredici anni non fateglielo vedere) e R (minori di diciassette anni accompagnati da genitori). In realtà tutti i tredicenni del mondo si fanno il loro bravo account dove spergiurano di essere maggiorenni e vanno a leggersi tutte le peggiori porno-ficcyne in circolazione, con buona pace degli avvisi di rating che giacciono costantemente inascoltati.

15) Traduzioni: Bhe, questa è semplice, in pratica chi pubblica la fanfiction non l’ha scritta ma traduce solo un racconto elaborato da qualcuno che l’ha pubblicata in un’altra lingua (normalmente inglese), in modo che possa essere letta anche da chi non ne conosca la lingua madre. Questa pratica viene solitamente fatta da un fan sia della serie originale, sia dell’altro autore (o autrice). Spesso si tratta di storie collaudate, quindi non si trovano particolari schifezze, se non il piccolo particolare che occasionalmente il baldo traduttore ci va giù pesante di Google Translator, ottenendo dei risultati non sempre leggibili.

A qualcuno possono anche piacere

Ora, finite di analizzare con calma, bisogna sapere la cosa più importante su queste etichette, categorie e denominazioni: chi scrive la fanfiction spesso e volentieri le inserirà in modo del tutto casuale, in modo che chi stava cercando una bella slash lemon angst crack-pairing AU, si possa trovare allegramente con una fluff OC OOC lime. In generale le etichette AU e OOC sono difficilissime da trovare corrette. Al 99% tutte le fanfiction sono AU (premettendo che anche i prequel e i sequel sono considerati AU) e OOC ma i loro autori non se ne riescono a capacitare.

MARY SUE e GARY STU: l’incubo ricorrente

A volte la violenza è l'unica soluzione

Tutto nacque nel lontano 1973 quando la scrittrice in erba Paula Smith pubblicò un racconto chiamato “A Trekkie’s tale”, ambientato nel mondo di Star Trek, in cui il giovanissimo Tenente Mary Sue viveva le sue avventure. Questa ragazza era irrealisticamente bella, brava, giovane e stupendamente perfetta in ogni suo aspetto e serviva come spunto di satira parodistica per tutti quei personaggi di adolescenti troppo strepitosi che purtroppo, già all’epoca, ammorbavano il fandom. Mary Sue è diventata così il simbolo di tutte le sue perfettissime colleghe, portando a testa alta la bandiera dell’assoluta bellezza e dando il suo nome come etichetta identificativa del fenomeno. Normalmente la Mary Sue è un personaggio OC (nuovo personaggio), Self Insertion della scrittrice, che si descrive nel modo in cui vorrebbe essere, ovvero il più figo possibile. Il risultato, purtroppo, al 99,9% è estremamente discutibile, con personaggi assolutamente non caratterizzati a dovere e pieni di elementi al limite dell’idiozia. La Mary Sue è sempre più bella, più brava e più potente della media ma soprattutto non ha difetti, se non costruiti ad arte per farla sembrare ancora più power-figa (tipo che non sappia farsi il nodo della cravatta, tanto per permettere al bello di turno di farglielo lui) e può vantare quasi sempre discendenze improponibili o poteri mai visti prima in quella serie.

Nessun fandom è al sicuro

La Mary Sue può apparire ovunque, in qualunque momento, con i suoi cappelli spendenti e i suoi occhi cangianti ad attentare alla virtù di un qualunque personaggio amato da chi ha scritto la storia (a volte anche più di uno, spesso tutti i membri del cast). Se c’è una Sue nella trama nessun uomo o donna potrà resistere al potentissimo richiamo dei suoi sueschi ormoni e dopo pochissimo capitolerà ai suoi regali piedi! Purtroppo questo genere di abominio letterario non vive solo nel pericoloso e turpe regno del fanon ma si aggira anche nelle vere storie (in questo caso si tratta di Canon Sue ed è una bestia ancora più grama, dato che non si può estinguere uccidendo l’autore della fic, una volta che una Canon Sue compare è per sempre). Facciamo due esempi facili facili di Canon Sue. Avete presente la saga di Pirati dei Caraibi? Nell’ultimo capitolo, quello in cui non ci sono più Will e Elizabeth, compare una certa Angelica, fighissima, figlia di Barbanera e unica donna capace ci accendere la scintilla dell’interesse in un lupo solitario come Jack Sparrow. Ecco, quella è una infidissima Canon Sue. Un’altra è quella piattissima e noiosissima gattina de Il gatto con gli stivali. Bella, brava, unica in grado di amare veramente il protagonista e con tanto di difettuccio (le unghie mancanti) che la rendono ancora più perfetta.

Adesso che abbiamo visto qual è il nemico da affrontare passiamo a vedere le caratteristiche dei vari tipi di Mary Sue. Infatti, la infida tentatrice non compare sempre nella stessa forma ma è in grado di assumere diverse sembianze:

La ice queen intenta a ignorare
chiunque la circondi

La gelida imperatrice: Attenzione, gente, sta passando sua maestà Mary Sue, con il suo grande potere e la sua magnanimità può battere in un secondo sia Sauron che Voldemort e contemporaneamente diventare la regina dei Pirati. Algida, stronza, potente e uber-figa, la gelida Sue cammina per la strada ignorando il prossimo e degnando di attenzione solo gli sfigati personaggi che ha deciso di usare come amici/schiavi e la sua preda sessuale (una tipo Barbie, per intenderci). Vorrebbe essere una tizia di poche parole, forte, determinata e implacabile, elegante nel suo completo da fashion dominatrice, tranne quando mostrerà finalmente il suo vero cuore di panna piangendo tutte le sue lacrime sulla spalla del suo amore (che passerà di lì proprio nel momento in cui serve a lei). In realtà è solo una sociopatica con manie di grandezza e simpatica come la tosse di notte, nel mondo reale nessuno la sopporterebbe per più di un secondo (a differenza della fanfiction dove cani e porci fanno carte false per farsi guardare da lei). Il suo famiglio è un lupo bianco, un’aquila reale, un drago o qualcosa di egualmente nobile. Per eliminarla: un proiettile d’argento dritto nel cuore. È una morte abbastanza elegante per lei.

La pucciosa in azione, notare glitter
e cuoricini

L’adorabile pucciosa: Piccola, iperattiva e con i capelli dai colori a dir poco improponibili, Mary Sue pucciosa entrerà come un uragano nella vita dei protagonisti, scombinandola fino al midollo e lasciando al suo passaggio nastrini e brillantini. Se la scrittrice della storia è una nippomane in erba, il piccolo mostro glitterato parlerà con un misto della lingua della fic e di un giapponese maccheronico, riempiendo le sue frasi di Desu, Kawaii, Sugoi, Kakoii e vari, anche se nell’ambientazione non c’azzeccano una beneamata cippa. Nel giro di un capitolo diventerà amica di tutti, tranne dei soliti rancorosi bastardi che non la capiscono (e che lei tormenterà per tutta la storia finchè con capitoleranno anche loro). Mary Sue Pucciosa veste praticamente solo di rosa e bianco, è sempre pronta ad organizzare feste e party e soprattutto è inarrestabile. Quando si caccia in testa qualcosa nessuno può fermarla, neanche il Signore del Male in persona. Due minuti con lei e si troverà a prendere il the in un giardino in cui scorrazzano mini-pony e unicorni (i suoi animali sacri). Per eliminarla: colpirla ripetutamente con palle di fango. L’improvvisa sciatteria del suo abbigliamento la costringerà ad un auto-implosione.

La dark lady della compagnia

L’incazzosa con il passato angst: Come la sua collega Algida regina, anche l’incazzosa è una sociopatica stronza che, tra le altre cose, non si premunisce neanche di nasconderlo al mondo. Odia tutto e tutti, chiunque passi davanti a lei le provoca nausea e vorrebbe solo finire la sua giornata con una bella strage. Non vi dico poi in quei giorni del mese come diventa! Potente, splendida nel suo completino in pelle nera da dominatrix (i suoi colori sono il nero e il rosso, ogni variante è bandita per legge) si aggira nella fanfiction con uno sguardo truce da Jack lo squartatore e un’arma sempre in vista, ma vorrebbe solo che l’uomo del suo destino (uno dei soliti personaggi principali prescelti, manco a dirlo) la capisse. In realtà lei è una creaturina tenera e dolce, desiderosa di coccole, ma il suo drammatico passato l’ha resa dura, cinica e senza speranza. Quasi sempre può vantare una parentela con uno dei cattivi principali e un’infanzia a dir poco infelice (dalla morte dei genitori alla bambola favorita persa, vale tutto). In pratica è una psicopatica da riformatorio, spesso con manie lesioniste o autolesioniste, che, invece di essere rinchiusa e curata (o perlomeno evitata come la peste bubbonica), viene amata da tutti i personaggi che lei ritiene importanti. Il suo animaletto da compagnia è qualcosa di pericoloso e schifido, tipo un crotalo, una tarantola o un corvo. Per eliminarla: metterla nella stessa storia di una Mary Sue adorabile pucciosa, la presenza dell’altra la indurrà al suicidio in pochi giorni.

La salvatrice in piena azione

La salvatrice: Se ti serve una mano in qualunque cosa, dall’aiuto nei compiti di matematica ad un intervento a cuore aperto, Mary Sue sarà lì pronta per aiutarti! Nonostante i suoi sedici anni scarsi (le Mary Sue sono tutte adolescenti) è il miglior medico sulla piazza del mercato e l’ingegnere più geniale a disposizione. Non temere, il suo spirito materno la spingerà a prendersi cura di chiunque le capiti vicino fino alla fine. Lodata e amata da tutti, diventa subitissimo la beniamina di grandi e piccini e non si fa alcun problema a soccorrere sia buoni che cattivi. Gioca con i bambini, canta nel coro della locale Chiesa, addestra draghi di nascosto e nel tempo libero si dedica al suo progetto di cura per il cancro. Potenzialmente sa fare tutto ciò che è utile per aiutare chiunque, è anche un’ottima e adorabile spalla su cui piangere e il suo bell’aspetto e il suo carattere amabili sono solo delle doti in più che ha per sfizio. Peccato poi che riveli la sua anima nera rubando fidanzati destra e a manca e spezzando cuori per hobby (“No Tizio, non importa se hai mollato la sua amatissima Caia come ti avevo chiesto due righe fa, non posso amarti comunque, il mio progetto sulla ricerca della vita su Mecurio ha bisogno di me!”). Per eliminarla: imbarcarla sulla navicella in partenza alla ricerca della vita su Plutone dicendole che c’è assoluto bisogno del suo genio. Se mai ci dovesse arrivare viva saranno poi tutti cavoli dei Plutoniani!

La moribonda ad ogni stramaledetto
capitolo

La donzella in difficoltà: Questa è l’antitesi di una Salvatrice Sue, e si tratta di una vera e propria piaga sociale, perennemente in pericolo, malata o addirittura moribonda. Spesso le manca qualche arto o un occhio ed è coperta di terribili cicatrici, risultati di altrettanti incidenti o interventi. Così, tanto per far vedere quanto è povera e sfigata! Vorrebbe incutere tenerezza in chi la circonda, continuando a tossire sangue mentre contorce il suo piccolo e delicato corpicino, ma tutto quello che riesce ad ottenere è il crescere nel lettore di un impellente desiderio di concederle l’eutanasia. Anche subito! Anche a mani nude! Tutti, ma proprio tutti, i personaggi della serie arriveranno, invece, a fare carte false per aiutarla, anche a costo di morire per concederle ancora un giorno della sua patetica e tremolante vita. Per eliminarla: donatela ad una Salvatrice Sue, la terrà segregata nel suo laboratorio segreto per vincere il Nobel curandola definitivamente e se tutto va bene se la porterà con lei su Plutone!

La fan-Sue: questa è una delle Sue più temuta da sempre da tutti i tipi di personaggi. La fan-Sue è la trasposizione completa dell’autrice che si inserisce di prepotenza nella serie tanto amata per andare a dare il tormento di persona al suo amore segreto. Un po’ come se io scrivessi una fanfiction ambientata nel Bleach-verse dove Pina incontra Ukitake (sì, ti prego scrivila, prometto che sarò buona e mi limiterò a sbavargli sui sandali senza dargli troppo fastidio) (scordatelo Pina, anzi, tornatene a dormire) (sei cattiva!)*. In generale tutto si conclude con la fan-Sue che entra in scena, ammalia tutti con le sue doti fisiche (curve perfette, capelli meravigliosamente splendidi, occhi spettacolari) e le sue capacità sovrumane (la più brava in tutto quello che fa) e si appiccica come una cozza al tizio prescelto, facendo vertere l’intera storia solo sul loro rapporto. Dopo due capitoli di strazio a base di smancerie e incontri amorosi tormentati il poveraccio è pronto a spararsi, ma fan-Sue non molla l’osso neanche a morire. Per eliminarla: la sua vittima la deve portare ad una seratina romantica, avvelenarle con dell’anestetico il dolce e buttarla senza remore nel più vicino fiume con una pietra al collo. Il giudice capirà e sarà molto comprensivo!

* per informazioni e dettagli sulla Pina (che poi sarebbe la mia Inner Fangirl ed è quella che parla in viola) clicca qui: il post è molto spoileroso sulla saga del sostituto Shinigami scomparso!

La Mix-Sue sfoggia il suo completo
da battaglia

Mix-Sue: questa è il soggetto più pericoloso in assoluto perchè è quello che mischia le caratteristiche delle varie Mary Sue descritte sopra. La Mix-Sue è umorale come poche possono essere, dato che da una pagina all’altra (a volte anche da una riga all’altra) della fic cambia atteggiamento e modi di fare. Nella prima parte della storia magari è un’amicona salvatrice ma improvvisamente diventa violenta senza motivo, per poi passare allo status di pucciosissima tenerona davanti ad un cucciolo mentre due righe dopo si è tramutata in un’algida stronza. Visto che è imprevedibile può normalmente vantare una discendenza assurda (angeli, demoni, personaggi di altre serie o soggetti che non sanno ancora che avranno figli. Per la serie: “Ciao Harry, sono la tua futura figlia! Mi avrai tra dieci anni con il demone Belial!” Segue Potter che fa tutti gli scongiuri del mondo). Ricordo infine che ogni tipo di Mary Su è anche una guerriera imbattibile (sì, anche quella moribonda), per cui non va mai sottovalutata come nemico! Per eliminarla: Dato che è praticamente impossibile sapere quale sia la sua fase umorale in quel momento senza rischiare che cambi improvvisamente, l’unico modo per farla fuori è andarci veramente pesante. La soluzione è un paletto di frassino nel cuore, abbinato ad una bella decapitazione e, in caso ancora si muova, un tuffo nell’acido. Questa bastarde, oltre ad essere le più diffuse, sono anche le più coriacee.

In definitiva le Mary Sue sono il motivo per cui la categoria degli OC (altri personaggi) è diventata oggetto di scherno e vilipendio mondiale. Per me l’unica cosa da fare è evitarle come la peste.

Esistono anche le controparti maschili delle Mary Sue e si chiamano Gary Stu. La trattazione del fenomeno è esattamente identica a quella appena fatta ma con tutti i sostantivi e gli aggettivi al maschile. Ovviamente esistono anche dei Canon Gary Stu. Un esempio per tutti? Metà dei principi Disney sono Gary Stu: belli, bravi, affascianti, di alto lignaggio, e sempre nel posto giusto al momento giusto. Peccato solo che poi siano così inutili e piatti da non aver spesso diritto neanche ad un nome.

Per chi fosse interessato qui si può trovare tutta la serie parodistica intitolata Ensign Sue Must Die completamente dedicata ad una Mary Sue.

Continua prossimamente nella seconda puntata

Baccano! - Mai titolo fu più calzante!

2012-05-21T08:00:00.000+02:00

La locandina della serie

Baccano! (バッカーノ! Bakkāno!) è un anime seinen in sedici puntate che adatta una serie di light novel (romanzi illustrati) scritte da Ryohgo Narita e disegnate da Katsumi Enami. La serie, prodotta e realizzata dallo studio Animeplex nel 2007, si compone di sedici episodi, di cui i primi tredici sono stati mandati in onda dall’emittente nipponica WOWOW, mentre i successivi tre sono usciti direttamente in DVD. Dalle light novel originali sono stati tratti anche un Drama-CD e un manga in due volumi, che ripercorre le vicende che avvengono sul Flying Pussyfoot. Le light novel originali, ormai giunte al diciassettesimo romanzo, in madrepatria hanno avuto un ottimo successo di pubblico e la prima della serie ha anche vinto, classificandosi terza, il Gold Prize al Dengeki Novel Prize.

Due insospettabili passeggeri dei treno

1931, il treno Flying Pussyfoot viaggia carico di passeggeri verso New York. E fin qui niente di strano, peccato solo che i poliziotti comincino a trovare dei cadaveri sparsi lungo i binari. Su quel treno si è infatti imbracata una spaventosa quantità di personaggi, tutti intenti a cercare di uccidere qualcuno per i più disparati motivi e a sopravvivere alla furia degli altri, contando anche che per alcuni di loro la morte è una cosa così immediata. A questo bisogna sommare la leggenda del feroce Rail Tracer, un mostro mitico che miete le sue vittime sui treni e che pare abbia preso di mira proprio il Fyung Pussyfoot.

L'immagine dell'innocenza

È inutile che imposti qui la trama perché questa storia, in soli sedici episodi, riesce a tenere le redini di molteplici vicende che si intrecciano e si attorcigliano tra di loro, alternando diversi piani spaziali e temporali, e mischiando gang mafiose, ladruncoli da quattro soldi, giovani vecchi e gente presa in mezzo per caso. I primi due episodi risultano difficili da comprendere perché puramente introduttivi, ma dal terzo si comincia a intravvedere il bandolo di una matassa che, una volta completamente svolta, mostrerà una storia che si incastra perfettamente come un’enorme e perfetto puzzle.

Bel vestito per un duello all'ultimo sangue

Il grandissimo punto di forza di questa serie sono sicuramente i personaggi, tantissimi, tutti ben caratterizzati e tutti motivatissimi. Tra soggetti super cool, ragazzini coraggiosi e spietati bastardi ce ne sarà sicuramente per ogni tipo di gusto. Ognuno di loro ha un buon motivo per combattere e cercare di sopravvivere e soprattutto ha un buon motivo per aprire il fuoco sugli altri.

Isacc e Miria, la coppia comica della serie

La cosa più interessante è che non c’è un vero e proprio protagonista ma un intreccio di protagonisti che seguono le diverse storie. Ognuno di loro riesce ad essere abbastanza carismatico e interessante da diventare il protagonista della propria sequenza narrativa, senza però riuscire mai a oscurare gli altri. Tra tutti gli altri serissimi comprimari spicca la coppia comico demenziale composta da Isaac e Miria, due che manco si accorgono cosa gli sta succedendo intorno e che per tutta la serie continueranno a trovarsi nel posto sbagliato al momento sbagliato (a volte anche nella serie sbagliata, visto che si intravvedono in Durarara!).

Qualcuno ha esagerato con la violenza

Dal punto di vista tecnico si può osservare che si tratta di un’opera di discreto livello, con animazioni fluide e un character design che, pur non essendo originalissimo, riesce a far distinguere la miriade di personaggi al primo sguardo. Un’altra componente molto importante di questa serie sono le atmosfere del proibizionismo, perfettamente riprodotte sia nei personaggi che negli ambienti che fanno da sfondo alle vicende. A concludere il quadro narrativo vi è un comparto audio ben più che azzeccato che affianca ad un doppiaggio impeccabile una colonna sonora perfettamente calzante, tutta a base di jazz. Va segnalata, inoltre, una precisa scelta di regia di calcare la mano con certe scene di violenza e crudeltà che, pur essendo coerenti e funzionali nella trama, potrebbero non essere gradite ad ogni tipo di pubblico.

Diffidare del tizio con il fucile in mano

In definitiva Baccano! è una storia dinamica e intricata, ricca di colpi di scena costruiti ad arte, che riesce a mischiare con abilità un’atmosfera da gang mafiose con un pizzico di esoterismo e tanto sangue sparso dai suoi personaggi. Molti di loro nascondo ben più di un segreto, che potrà essere scoperto solo guardando tutte le puntate. Nonostante la presentazione frammentaria delle varie vicende, ogni singola storia messa in scena avrà una sua perfetta quadratura e una conclusione coerente. Posso consigliare questa serie a chiunque abbia voglia di vedere un bell’anime che riuscirà a coinvolgere e a conquistare, facendosi guardare tutto di un fiato! Una volta iniziato sarà come un vero e proprio treno in corsa!

La sigla della serie, presenta un po' tutti i personaggi coinvolti

Exit Poll 03 – Mister simpatia qui non c’è!

2012-05-16T08:00:00.000+02:00

Ed eccoci qui con la terza puntata della rubrica Exit Poll dove si fanno i sondaggi sui classici dei classici! Devo confessare che per fare questi post a settimane alterne mi sto riguardando tutti i grandi classici Disney (spesso a notte fonda, ma su questo soprassediamo) perchè molti particolari ormai mi sfuggivano. Una volta ho anche riesumato una vecchia videocassetta (saranno stati almeno dieci anni che non usavo il videoregistratore) e ho riscoperto vecchie emozioni come il rewind, le pubblicità di Disneyland prima della visione e l’audio che balla leggermente, per l’effetto completo “Tuffo nel passato”. Ma bando alle ciance arriviamo al sodo dopo il salto!

PREMIAZIONE DELLA PUNTATA PRECEDENTE

Il vincitore della seconda puntata il cui scopo era eleggere il personaggio che più si sarebbe voluto come amico, è stata Mago Merlino, con più del quaranta percento dei voti. L’idea del vecchino saggio e potentissimo, ma al contempo sbadato e pasticcione ha sbaragliato tutti i contendenti al titolo. Anche se a fare la differenza può essere stata anche la possibilità di aggiudicarsi un bellissimo viaggio a Honolulu offerto dal vecchio mago per far gola ai votanti. A seguirlo sul secondo gradino del podio c’è il Genio (di nuovo uno dotato di poteri magici cosmici, anche se vincolati ai canonici tre desideri) e solo alla medaglia di bronzo si vede la prima coppia del cazzeggio: Timon e Pumba. Ultimo arriva Mushu , con sole due preferenze, mentre nessuno ha votato per Baloo e Bagheera. A quanto pare se bisogna optare per il dolce far nulla nella foresta tanto vale farlo fino in fondo senza cercare una qualche forma di coscienza.

L'esito finale del sondaggio

Il premio della giuria (che ricordo è composta solo da me e va alla persona che scrive il commento più interessante o simpatico) a questo giro spetta senza ombra di dubbi a Timon e Pumba che lo ricevono grazie alle spiegazioni gentilmente fornite da Piperita Patty! Personalmente devo dire di essere una fan di Merlino (e Anacleto) come molti altri e mi piacerebbe seriamente avere un amico così: saggio e svampito. Timon e Pumba e Baloo non fanno per me (ti bastan poche briciole un corno, la connessione a internet dove sta nella jungla?), Mushu, che peraltro ritengo simpaticissimo, finirei per pestarlo a sangue a giorni alterni per le bioate che dice e fa e il Genio non credo di riuscire a considerarlo un vero amico. Continuo a domandarmi, ma anche a Jafar ha cantato Un’amico come me?

IN QUESTA PUNTATA PARLEREMO DI …

Cattivi! Ovvero quelli che mettono costantemente i bastoni tra le ruote ai nostri. Qui non stiamo a parlare di cattivi a caso ma di quelli più fastidiosi e antipatici di sempre. Lo scenario da immaginare in questo post è il seguente. Siete in pieno Oceano Pacifico, su di una scialuppa di salvataggio del Titanic che sta affondando per il peso della gente stipata sopra. A bordo con voi ci sono Gaston, Clayton, il governatore Ratcliffe, Edgar e Scar. Buttandone uno in mare (e quindi eliminandolo) la barca reggerebbe. La domanda è: tra questi loschi figuri, a chi fareste fare per primo il bagno nell’oceano giacchiato? Chi di loro merita una pedata dritta nel deretano con sopra un bel biglietto per gli abissi marini? Chi tra loro urterebbe così tanto i vostri nervi da fasi scagliare senza remore fuoribordo?

I CANDIDATI IN DETTAGLIO

1) Edgar

Il primo candidato di questa terza puntata è un classico maggiordomo, di quelli tutti impinguinati che si occupano della gestione della villa di qualche riccastro. Avete presente Sebastian da Kuroshitsuji? Ecco, dimenticatelo! Edgar è un signore di mezz’età, stempiato, con la pancetta e le gambe storte e dotato di un naso grosso e adunco. È un pasticcione nato, di quelli che una ne pensano e cento ne fanno, e ha una strana predisposizione a farsi mettere i piedi in testa un po’ da tutti. Fin qui non ci sarebbe alcun problema, anzi, neanche dovrebbe essere nel sondaggio odierno. Peccato solo che il caro, bonaccione e impacciato Edgar, al solo sentire il profumo dei soldi (spera di ereditare il patrimonio della sua datrice di lavoro, Madame Adelaide, una donna sola e anziana) diventi una viscida, avida e calcolatrice canaglia.

L’anziana possidente decide, infatti, di lasciare tutti i suoi beni ad Edgar solo dopo che i suoi amatissimi gattini siano felicemente morti. Il maggiordomo, pur non essendo un mago della matematica, due più due riesce ancora a farlo, e, capendo che attendere la dipartita naturale delle bestiole potrebbe essere una cosa lunga, decide di affrettare i tempi e si trasforma in un perfetto rapi-gatto, cattura le bestiole e le abbandona nel bel mezzo del nulla. Ora, perfetto sarebbe un’altra cosa, ma, in ogni caso, pur disseminando la campagna di indizi che riportano alla sua persona, riesce a liberarsi degli scomodi felini. Peccato solo che faccia due gravissimi errori: non valuta la capacità dei gatti di ritornare a casa da soli (o con un piccolo aiuto chiamato Romeo er mejo del Colosseo) e si sbarazza di loro con Madame Adelaide ancora viva. Ma porca paletta Edgar, che fretta c’era? Attendi che la vecchia passi a miglior vita prima di lanciarti in piani spericolati! No!? Così non rischi di farti beccare e depennare dal testamento. Ok, Come non detto! Già depennato in favore di una casa di ricovero per gatti randagi.

Per quanto Edgar possa essere solo un povero pollo che fa si abbindolare da un paio di cani e qualche gatto incazzoso (mai confidarsi con i cavalli nei film Disney, è pericolosissimo) è anche un mascalzone che rapisce e cerca di eliminare quattro poveri e innocenti gattini, di cui tre cuccioli, solo per ereditare dei soldi non suoi! Il farabutto fetente osa abbandonare al loro destino delle creature domestiche, per nulla avvezze a procacciarsi del cibo al di fuori delle loro stesse ciotole e assolutamente incapaci di cacciare! Da denuncia al WWF. In ogni caso Edgar rende vero il detto: è stato sempre il maggiordomo!

2) Gaston

Gaston è un buzzurro campagnolo che viene da un non meglio chiarificato paesino della Francia. Illetterato, esperto cacciatore, vanesio e vanaglorioso, si pompa (probabilmente di steroidi se no quei muscoli mica si spiegano molto) per essere sempre il top di quei quattro villici sdentati con cui compete. Ha tappezzato la parete principale della taverna locale con i resti mummificati delle sue povere vittime come se fosse casa sua (e se al locandiere fosse andato uno stile minimal chic? Si attaccava al tram!). Veste una maglietta rossa antinebbia, con sotto con un paio di leggins neri rubati a sua mamma (che vanno su tutto si sa) e un bel paio di stivaloni che, abbinati ai guanti arancioni da giardiniere in pensione, fanno molto rustico. Quel rustico che grida da tutti i porti “Sì molto bello caro, ma ora torna a spalare letame nella tua fattoria che mi stai appestando l’aria”. Talmente rustico che neanche due professioniste del pulito come Biancaneve e Cenerentola riuscirebbero a metterlo a nuovo. Così rustico da non degnarsi di indossare dei calzini nuovi neanche per il suo presunto matrimonio.

Ovviamente tutte le squinzie senza cervello del villaggio darebbero entrambi i reni per sposarsi questa specie di manzo peloso e con il codino alla Ranma Saotome ma il decelebrato cosa fa? Si va ad interessare all’unica svampita che non se lo calcola neanche di striscio. L’unica che, invece di baciare il terreno dove il sordido puzzone passa, lo guarda con lo stesso sguardo di schifo supremo che si rivolge a quell’avanzo di arrosto di Natale, trovato in frigo intorno a Pasqua e ormai dotato di vita propria. L’unica che piuttosto che avere a che fare con lui si ricicla con un mostro tutto zanne affilati e artigli acuminati. Tra l’altro vorrei far notare che le tre gallinelle del suo fan club non erano neanche malaccio, ponendo che è evidente che nella sua compagna Gaston non stesse cercando né il carattere né l’intelligenza, poteva accontentarsi di una di loro e risparmiarsi un sacco di problemi e di ulcere.

Per farlo sembrare un po’ più ~~intelligente~~ ~~appetibile~~ normale gli piazzano vicino quel residuato umano di LeTont, uno che purtroppo è caduto dal seggiolone da piccolo, e che finisce a fare il valletto a tempo pieno di un energumeno come Gaston, rimediando tutti i lavori peggiori che il suo ~~amico~~ capo gli rifila senza un minimo di pietà. Secondo me, mentre aspetta di trovare la moglie, il nostro prode mascellone si fa fare da LeTont il massaggio ai piedi che tanto schifa la cara Belle.

3) Scar

In diretta da Il re leone, ecco Scar. Chi è che non lo conosce? Suppongo nessuno, ma in ogni caso una piccola descrizione del personaggio non guasta mai. Scar è il fratello minore di Mufasa, il leone re della savana, ed è così magro da sembrare rachitico e denutrito. In pratica non assomigliando neanche un po’ al suo maestoso fratello (ricordano un po’ la coppia Thor e Loki, sia come aspetto che come caratteri). Quel che gli manca in muscoli lo compensa con il cervello (a suo dire) e cerca in ogni modo di far fuori il suo regale congiunto per ereditare la monarchia. Ora, vediamo un attimo com’è la sua situazione. Oltre a Mufasa è l’unico maschio del branco, non ha responsabilità, non ha nessun tipo di preoccupazioni, nessuno gli dà in alcun modo fastidio perchè il fratello del re. L’unica cosa che deve fare è mangiare ciò che le leonesse cacciano per lui. Per una situazione del genere personalmente ci metterei la firma, ma a Scar non basta.

Lui vuole di più, lui vuole il potere! Per procurarselo inganna quel genio di Simba che finisce a mettersi spontaneamente in un mare di guai (neppure la seconda volta che cerca di ucciderlo subdora il pericolo) e si allea con un vero e proprio esercito di iene (in realtà all’inizio erano solo tre ma durante la villain song si moltiplicano da sole). Vile, infido, bastardo dentro (anche se gradevolmente sarcastico) ad un certo punto riesce a fare finalmente fuori Mufasa (assistendo anche allo spettacolo dalla prima fila), a cacciare Simba, facendolo sentire in colpa per la morte del padre (non che il leonicino ci stia su tanto a pensare dopo che incontra i suoi compari di Hakuna Matata, Timon e Pumba), e a conquistare finalmente il regno.

Peccato poi che si riveli essere uno dei peggiori monarchi di sempre, rendendo in brevissimo tempo un luogo florido e lussureggiante in una specie di landa desertica e oscura. Oltretutto non riesce nemmeno a garantirsi la fedeltà delle iene che arrivano a stufarsi mortalmente di lui e alla fine lo eliminano senza remore. In pratica è un personaggio fallimentare su tutta la linea, che si scava la fossa da solo con le sue patetiche zampette (con cui ha ucciso Mufasa il bastardo) e ci cade dentro senza riuscire a fare nulla per evitarlo. ~~In ogni caso un re furbo dovrebbe cercare di fare un solo figlio maschio, in modo da non creare casini per l’eredità del trono~~.

4) Il governatore Ratcliffe

Il governatore Ratcliffe è un uomo di mezz’età, ambizioso, avido e smanioso di farsi una fama con le sue conquiste. La sua struttura fisica è fatta a cuore (come la mia professoressa di inglese delle superiori, ma senza tette), con il busto che pare il cofano di una macchina e le gambettine a merlo rachitico. In realtà mi sono sempre domandata come facesse a stare in piedi (e ad allacciarsi le scarpe!) con tutta quella sporgenza anteriore. Indossa un completino viola con tanto di cappello in tinta, abbinato ad una mantellina rossa (sempre per non farsi notare) e sfoggia due simpatici codini dotati di fiocchetti ai lati della faccia. Si distingue per il naso adunco (classico marchio da cattivo Disney), gli occhietti piccoli e ravvicinati e il labbro inferiore troppo sporgente.

Sa benissimo di essere un patetico arrampicatore sociale che fallisce tutto quello che fa (cit) e che l’avventura nel Nuovo Mondo è la sua ultima possibilità di coprirsi di gloria (e di oro). Parte per l’America speranzoso di trovare tante ricchezze quante ne hanno razziate gli Spagnoli agli indios ma viene presto deluso dal fatto che in Virginia pare non esserci neanche un’oncia d’oro (brutto, scemo e pure sfigato). Dopo aver fatto scavare a casaccio ai suoi per un po’ di tempo, devastando il terreno circostante senza peraltro ottenere nulla, decide che il suo oro (e rimarco il suo, è convintissimo che il metallo prezioso sia solo di sua esclusiva proprietà) è in mano ai quei brutti indiani che gironzolano lì intorno e che si offendono quando qualcuno di loro viene ammazzato.

Arma i suoi soldati (vorrei far notare che lui oltre i momenti musical non muove un singolo dito ma si limita solo a dare ordini ai suoi e a cazzeggiare con enfasi drammatica nella sua tenda) e si prepara a sterminare tutti gli indiani nei dintorni. Peccato solo che questi fossero meno stupidi del previsto e avessero chiamato i rinforzi per una contro-offensiva in grande stile. Bramoso, sprezzante, incapace di rendersi conto della gravità di una situazione anche quando ne è dentro fino al collo, il suo unico pensiero è rivolto al suo amatissimo oro (con cui, tra l’altro rompe l’anima a non finire) e si candida come uno dei personaggi creati dalla Disney più mentalmente chiusi di sempre (roba che Gaston … no come non detto, anche Gaston è una testa vuota razzista).

5) Clayton

Si tratta di un uomo alto, muscoloso e di aspetto discretamente bello (se si esclude il solito naso adunco che non si può proprio guardare ma è il marchio da cattivo d.o.c. della Disney) e fa da guida e guardia armata nella foresta al professor Porter e la figlia Jane, due studiosi alla ricerca dei gorilla. Per la prima parte del film si limita a prendere a fucilate tutto quello che si muove davanti a lui, che sia animato o meno, al punto che quel microcefalo di Tarzan pensa che la parola Clayton in inglese significhi il suono dello sparo del fucile. In realtà anche questo soggettone è un laido truffatore e l’unico motivo per cui è interessato ai gorilla (e per cui sopporta le stramberie di padre e figlia che cercano in ogni modo di farlo uscire di testa) è proprio per trovare più animali possibili da vendere al mercato nero.

Man mano che la storia procede e Tarzan pare non essere per nulla interessato a fargli sapere dove sono i simpatici primati del suo branco, si fa prendere sempre più dall’ira e dallo scazzo generale. Trovo che sia un miracolo che ad un certo punto non abbia sparato al capelloso uomo scimmia! In ogni caso, al momento della partenza del gruppo per tornare in Inghilterra, Tarzan si fa abbindolare da Clayton con il più banale dei trucchi (se mi dici dove sono i gorilla Jane rimane con te e farete tanti piccoli Tarzan che scorrazzano per la Jungla - cioè anche una scimmia non ci sarebbe cascata!) e finalmente dice la posizione della sua famiglia adottiva. In quel momento (che si può definire come il momento di gloria di Clayton) l’uomo rivela di essere un comune bracconiere e sguinzaglia i suoi uomini (che paiono i pirati di Capitan Uncino, rimasti orfani di Capitano dopo la fine dei Peter Pan) per catturare le scimmie.

Ovviamente a guastargli i piani ci pensano Tarzan e i suoi amici, con il risultato che il caro vecchio Clayton si fa accecare da un’ira funesta e finisce per auto-eliminarsi. Seriamente, la sua è una delle morti più stupide dei cattivi Disney, in pratica si impicca da solo mentre cerca di liberarsi da delle liane! In ogni caso Clayton è un altro avido affarista senza scrupoli, bastardo bracconiere (da denuncia al WWF immediata come Edgar) e iracondo idiota che non riesce a capire quando è il momento giusto di ritirarsi per limitare i danni morali e materiali. Come i suoi colleghi Gaston, Ratcliffe e Edgar cerca di rifarsi sui più deboli, con il risultato che questi risultano più pericolosi del previsto e si liberano di lui!

ORA TOCCA A TE

Ed ora ecco la domanda di oggi: Se tu potessi scegliere , chi tra questi canaglie butteresti in mare?

A seguire il sondaggio. Mi sembra che nella scorsa edizione sia andato bene, per cui continuo con il modello allegato direttamente nel post.

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Come al solito ci sono due settimane per votare!

Drifters - La nuova opera di Kouta Hirano, autore di Hellsing

2012-05-15T08:00:00.000+02:00

La cover di Drifters

Drifters (ドリフターズ Dorifutazu) è un manga seinen disegnato da Kouta Hirano per Shōnen Gahosha a partire dal 2009. Per chi non lo conoscesse Hirano è celebre per aver scritto una delle più famose serie a base di vampiri degni di tale nome: Hellsing. In Italia è stato pubblicato da J-Pop in un’edizione lusso con pagine a colori e sovraccoperta. Togliendo la sovraccoperta (sulla copertina vera e propria) ci sono ancora due pagine di fumetto aggiuntive (da leggere possibilmente dopo aver finito il volume, se non hanno molto significato). Dato che è un manga che mischia fantasy e alternate history molti personaggi ispirati a figure realmente esistite, specialmente nella storia giapponese. Ad una persona un po’ a digiuno di questo argomento alcuni riferimenti possono sembrare un po’ indigesti ma devo dire che la J-Pop ha fatto un ottimo lavoro con le note (da leggere insieme al manga, anche se sono a fine volume), dando tutte le spiegazioni necessarie a seguire la storia senza riempirla di pesanti approfondimenti storici.

Toshihiko nella battaglia d Sekigahara

Il 21 ottobre del 1600 a Sekigahara si tenne una delle battaglie più famose e sanguinose della storia del Giappone che vide contrapposte le forze armate leali a Tokugawa Ieayasu a quelle Ishida Mitsunari. A vincere fu la fazione di Tokugawa che si aggiudicò così lo shogunato. Tra gli alleati di Mitsunari c’era anche il feudo di Satsuma, schierato con il suo daimyō, Shimazu Yoshihiro e suo nipote, Shimazu Toshihisa. La storia narrata in Drifters inizia appunto con Toshihisa che rimane indietro per permettere a suo zio e ai suoi uomini di fuggire da un campo di battaglia ormai perso. Nonostante la schiacciante inferiorità numerica Toshihisa riesce a farsi valere tra i suoi avversari e a colpire Li Naomasa, uno dei generali avversari, per poi ad allontanarsi, ferito e quasi dissanguato.

Oda Nobunaga si presenta

Improvvisamente l’ambiente intorno a lui cambia e si trova a camminare in un lungo corridoio pieno di porte in fondo al quale vi è un uomo misterioso pacificamente seduto ad una scrivania che lo spedisce con totale indifferenza in un terzo luogo. Stremato dalla battaglia appena conclusa Toshihisa perde i sensi e viene trovato svenuto da due elfi che lo identificano come un Drifters e lo portano a delle rovine dove alloggiano altri due come lui. Questi sono nientemeno che Oda Nobunaga, il re demone del sesto cielo, il primo grande feudatario che tentò la conquista dell’intero Giappone nel periodo Sengoku, e Nasu no Youchi, un samurai del can Minamoto che combatté nella guerra Genpei, quella al cui termine fu istituito lo shogunato di Kamakura, qualcosa come quattrocento anni prima della battaglia di Sekigahara (durante la quale, vorrei ricordare, Oda era già morto da almeno quindici anni).

Hijikata al comando dei suoi uomini

Dopo il primo momento di smarrimento i tre si aggiornano sulla politica feudale moderna (moderna per Toshihisa, che è il più “giovane” dei tre) e si preparano la cena, quando improvvisamente il villaggio elfico lì vicino viene assaltato da uno squadrone di umani. I tre decidono di non starsene con le mani in mano e, pur non capendo una parola di quello che viene detto dagli indigeni (infondo il giapponese non è molto di moda nei mondi fantasy), attaccano e conquistano il villaggio con un’azione combinata. Nel frattempo vengono mostrati altri Drifters sparsi per quel misterioso mondo tra cui la coppia litigiosa composta da Scipione l’Africano e Annibale Barca (in diretta dalle guerre Puniche), il duo far west Wild Bunch, composto da Butch Cassidy e Sundance Kid, e Konno Naoshi, un pilota giapponese morto durante la seconda guerra mondiale.

Giovanna d'Arco nella visione di Hirano

Contrapposto a questi vi è il gruppo degli Ends, alla testa di un spaventoso esercito che ha tutta l’intenzione di conquistare il pacifico (ma non necessariamente buono, visto come si comportano i suoi soldati) regno in cui si trovano i Drifters. Ovviamente anche questi possono vantare dei nomi celebri e, oltre un misterioso Re Nero a volto coperto, hanno Hijikata Toshizō (il demoniaco vicecomandante della Shinsengumi), Giovanna d’Arco (la donna che giudò in battaglia le truppe francesi durante la guerra dei cent’anni), Anastasia Romanova (in una versione un po’ diversa da quella proposta dal celebre film d’animazione) e Minamoto no Yoshitsune (un membro del clan Minamoto, quello della guerra Genpei citata in precedenza).

La battaglia di Sekigahara. Toshihiko intento ad assicurare una ritirata a suo zio.

Dal punto di vista tecnico del disegno si può osservare uno stile analogo a quello visto negli ultimi volumi di Hellsing, con personaggi espressivi e dalla grande presenza scenica, inseriti in tavole ricche e piene di dettagli. Una delle cose che più apprezzo dello stile di Kohta Hirano è il modo in cui spesso pone in ombra il personaggio, illuminandone solo lo sguardo su una siluette nera. Le scene d’azione sono dinamiche e di grande impatto visivo e, come suo solito,ricche di molti particolari splatter.

Qualcuno sta imprudentemente spiando i Drifters

L’autore in un singolo volume riesce a mettere in scena due potenti schieramenti, guidati da delle forze imperscrutabili e dall’aria per nulla benevola, che si contrappongono su di un campo di battaglia misterioso e dal gusto fantasy (ci sono elfi, maghi, orchetti e vengono citate anche altre razze di tolkeniana memoria).

Nasu no Yoichi, il terzo componente (sì è un maschio,
nonostante l'aspetto femminile) del gruppo protagonista

Tutti i personaggi principali sono delle figure storiche realmente esistite che cominciano questa avventura esattamente dal punto in cui sono morti nella loro vita reale, mischiando tecniche e conoscenze che distano anche migliaia di anni (Annibale che chiede ai Wild Bunch le armi da fuoco per distrugger Roma è una delle chicche del manga). Non c’è traccia di buonismo nelle azioni dei protagonisti, loro sono schifosamente forti e lo mostreranno facendo quello che sono veramente bravi a fare, ovvero combattendo e vincendo. Ammetto di essere una fan di questo autore ma quello che ho trovato in Drifters è esattamente quello che ci si aspetta da un’opera firmata da Hirano: scene di battaglia epiche e spettacolari con arti amputati e teste mozzate (Toshihiko si da un sacco da fare) alternate con siparietti comici con i personaggi in versione deformed. Personalmente l’ho apprezzato molto e mi aspetto tantissimo dai successivi volumi, anche perché non tutti i Drifters paiono aver intenzione di collaborare con chi li ha portati lì. Fuochi d'artificio in vista!

Premio Almohada

2012-05-14T08:00:00.000+02:00

Ho ricevuto una altro premio! Ringrazio tantissimo automaticjoy del bellissimo blog Nihon almost a love story, su cui ci sono sempre un sacco di cose interessantissime, per avermelo assegnato. Si tratta del premio Almohada che spetta "ai blog che ci appassionano di più, per coloro tanto bravi a scrivere che ci fanno emozionare". EDIT: ringrazio anche clacca che me lo ha riassegnato!
Sono veramente felice di ricevere un riconoscimento come questo anche perchè ho sempre un po’ il timore di lasciarmi andare a post veramente troppo lunghi che finisco per essere letti solo da me e dal mio beta reader (la Dolce Metà, che si lamenta sempre tantissimo per la lunghezza eccessiva).

Dopo il salto regole e premiati!

Ecco le regole:

1. Devo scrivere tre frasi che mi rispecchiano:

Si può resistere ad un'invasione da parte di un esercito ma non ad un'idea il cui momento è giunto. (Alexandre Dumas padre).

Il sogno ad occhi aperti non è un vuoto mentale. È piuttosto il dono di un'ora che conosce la pienezza dell'anima. (Gaston Bachelard)

Mi domando cosa facciano le persone normali a quest’ora (Raji, The big Bang Theory)

2. Tre canzoni che mi piacciono:

(e qui esce la mia indole metallara, non c’è nulla da fare)

Sabaton – Aces in exiles (Coats of arms)

Grave Digger – Mordred’s Song (Excalibur)

AC/DC – Hell’s Bells (Back in Black)

3. Esprimere un desiderio:
Fatto.

4. Scrivere una parola che esprime il desiderio:
Gatto.

5. Assegnare il premio a 7 blog:
E qui arriva il solito dramma di assegnare i vincitori successivi. Visto la natura del premio ho deciso di assegnarlo solo a blog che propongano post di una certa lunghezza (~~che poi tutte le volte che ricevo un premio penso sempre “Che bello, un post rapido! Stanotte non faccio le due!” e poi ci impiego ore a scegliere gli altri blog da premiare~~).

Beyond The Crimson Walls
I am not a girl I am not a gamer
Il GiocoMagazzino
La vita puzza
Le bizzarre avventure di Nega
Mozambico senza nutella
Secret Reunion

Another - Spettri, maledizioni e ragazzini dall’omicidio facile

2012-05-11T08:00:00.000+02:00

Locandina della serie

Another (アナザー Anazā) è un serie anime composta da dodici episodi, andata in onda in Giappone da gennaio 2012 per lo studio P.A. Works. È tratta da un light novel scritta da Yukito Ayatsuji nel 2009 da cui è stato realizzato anche un adattamento manga in quattro volumi, attualmente pubblicato in Italia dalla Star Comics. Si tratta di un anime seinen horror, tutto basato su maledizioni e insensati e cruenti omicidi, di cui presto sarà nelle sale cinematografiche nipponiche anche una versione live con attori in carne ed ossa.

Il protagonista inizia la sua avventura con il piede giusto

Kōichi Sakakibara è un ragazzo di terza media che a inizio anno scolastico si trasferisce da Tokyo a Yomiyama (una ridente cittadina periferica, ridente come Hinamizawa, per intendersi) ma non può frequentare il primo mese di lezione per via di un brutto pneumotorace. Mentre è ricoverato incontra in ascensore Misaki Mei, una ragazza con la divisa della sua stessa futura scuola e con una benda sull’occhio sinistro, mentre sta portando nel secondo sotterraneo dell’ospedale, dove c’è la sala dell’obitorio, una inquietante bambola. Quando finalmente riesce ad andare a lezione il giovane comincia a capire che c’è decisamente qualcosa che non va nella sua classe.

Misaki compare alle spalle di Kōichi,
silenziosa come un ninja

Tanto per cominciare c’è una diffusa ossessione per il rispetto delle cosiddette regole (imposte dalla responsabile delle contromisure) e comincia anche a sentir parlare di una misteriosa maledizione che pare l’abbia colpita. Ventisei anni prima, infatti, nella terza classe dell’ultimo anno delle medie c’era una persona chiamata Misaki, stimata da tutti per la sua bellezza e la sua bravura. Purtroppo morì improvvisamente in un brutto incidente e i compagni, faticando molto ad accettarne la dipartita, pensando di fare finta che Misaki fosse ancora con loro.

Izumi Akazawa, la responsabile delle contromisure,
non è per nulla contenta

Per rendere più credibile la cosa arrivarono ad aggiungere un banco e a riservargli un posto alla cerimonia di diploma. In questo modo, però, non fecero altro che attirare la morte stessa, che da quella volta accompagnò sempre la terza classe del terzo anno, mietendo regolarmente delle vittime tra gli studenti e le persone ad essi collegati. In tutto questo ricompare anche la misteriosa Misaki Mei, che ovviamente appartiene alla classe del protagonista anche se nessuno pare vederla, e sembra che nessuno voglia (o possa) dare delle spiegazioni concrete al poveretto su quello che sta realmente succedendo. Purtroppo poco l’arrivo del giovane comincia la calamità, con il risultato che iniziano a contarsi moltissime vittime tra i ragazzi e i membri delle loro famiglie.

L'edificio scolastico della Yomi North

Il punto forte di questa serie è sicuramente la realizzazione tecnica, di ottimo livello, con animazioni fluide e atmosfere tetre ed inquietanti al punto giusto. Tutti i particolari degli sfondi e i dettagli delle ambientazioni sono studiati per avere un effetto cupo e decadente. Muffe, ruggini, cieli tempestosi e le bambole di Misaki non faranno altro che rendere le situazioni sempre ottimamente irreali e angoscianti.

La terza classe del terzo anno

Purtroppo non si può dire lo stesso della regia che spreca interi episodi in un nulla di fatto (tipo la puntata della spiaggia, ma porca miseria, neanche in un anime horror da soli dodici episodi si poteva evitare lo stupido episodio di fan service?), che fa delle scelte onestamente poco apprezzabili (come l’occhio di Misaki e l’uso stupidissimo che la ragazza ne fa) e che spesso calca la mano nel creare momenti di tensione che vengono poi sprecati con scene che non portano assolutamente a nulla.

La ruspa assassina!

Anche le varie morti, quando cominciano ad accadere, sono talmente incoerenti e improbabili da non riuscire a coinvolgere del tutto lo spettatore. Ne descrivo solo una per rendere l’idea: un tizio guida un camioncino con montata sopra una ruspa, si ferma a comprare le sigarette e il camioncino comincia ad andare in retro (il freno a mano mai, non fa fine), finendo contro una casa, con la pala della ruspa che sfonda una finestra e uccide un tipo nella stanza (l’ho sempre detto che il fumo uccide, anche se non pensavo che sarebbe stata una cosa così splatter).

L'espressione di Kōichi per le grandi occasioni
(leggi i delitti) ...

Arriviamo quindi alle dolenti note vere e proprie della serie: i personaggi. Tutti quanti sono caratterizzati in modo superficiale e poco interessante, e sono descritti come freddi e distaccati. Da un anime in cui in una scuola avvengono delle misteriose morti dovute ad una risaputa maledizione io mi aspetterei dei personaggi disperati, pronti a tutto per fermarla e della gente che vada completamente fuori di testa dopo i primi incidenti. Pianti, lacrime, facce distorte e piuttosto scoppi di violenza immotivata (del genere se tanto devo morire allora almeno mi sfogo) ma qui non trovo niente di tutto questo! Perlomeno fino agli ultimissimi due episodi, in cui effettivamente si assiste ad una reazione caotica decente, i personaggi sono tendenzialmente freddi e rassegati, pronti ad affrontare il loro destino.

... e quella di Misaki

Ora, già mi domando come sia possibile che un genitore iscriva il proprio figlio in una scuola in cui rischia di finire in una classe maledetta (dove, vorrei far notare, schiattano una ventina di persone all’anno tra alunni e parenti, a meno che gli studenti non riescano a non far innescare la condanna) ma soprattutto come mai i ragazzi siano così tranquilli e pacifici nell’affrontare il loro destino, limitandosi a sperare di morire e non deprimendosi neanche troppo per i compagni deceduti. Specialmente trovo che fallisca in questo aspetto la coppia protagonista che, con tutto quello che gli succede, ha delle reazioni limitatissime e non si fa neanche una bella crisi di coscienza come si deve.

Il momento in cui le cose si fanno decisamente splatter

In definitiva Another è una serie che partirebbe anche da uno spunto interessante e avrebbe tutti i mezzi espressivi per diventare un ottimo anime horror ma che, purtroppo, si perde in una trama spesso incoerente e poco significativa ed è popolata da personaggi che non riescono a farsi coinvolgere pienamente dalla storia che stanno vivendo in prima persona. Personalmente sono un’estimatrice del genere horror e devo dire che mi dispiace di dover catalogare Another come qualcosa di profondamente incompleto e non riuscito. Lo suggerisco solo a qualcuno che sia molto incuriosito dalla trama e che possa soprassedere senza esitazioni sulle già citate debolezze di una serie che, pur partendo bene, non ingrana mai veramente fino in fondo.

La opening della serie

Fumettopoli maggio 2012 - Rapido resoconto fiera e foto cosplayer

2012-05-07T11:21:00.001+02:00

Fumettopoli è una fiera a cui partecipo da ormai tanti anni ma ho notato un recente trend negativo. Ci sono sempre meno bancarelle e soprattutto i venditori portano sempre meno materiale. Prima o poi lo capiranno che il collezionista compra in fiera solo se vede delle cose interessanti (e per cose interessanti intendo pezzi rari o offerte), altrimenti si rivolge alla propria fumetteria di fiducia (che fa anche il 10% di sconto fisso).

Questa volta gli stand erano veramente pochissimi, visto che l’intera area del piano superiore è stata dedicata a zona conferenze e cosplayer. Di per sé l’idea non sarebbe neanche stata male visto che normalmente nelle Fumettopoli i cosplayer sono molto sacrificati per mancanza di spazio (un problema che affligge da sempre la manifestazione) ma in questo modo si è praticamente dimezzato il numero dei venditori. Chi ha speso 10€ (senza sconto a questo giro, non so bene perchè) per cercare solo fumetti purtroppo ha speso male i suoi soldi.

Anche io, infatti, ho comprato veramente pochissimo (rispetto ai miei standard perlomeno) e ho portato a casa soltanto due numeri di Shigurui, il quattro (in offerta) e il nove (esauritissimo, ad un prezzo assurdo ma volevo completare la collezione, lo stavo cercando praticamente dal giorno in cui era esaurito). E basta.

In ogni caso il mio bottino è stato il seguente:

Stavo adocchiando anche What a Wanderful World di Inio Asano allo stand della casa editrice (la Ronin/Kappa edizioni era l’unica presente) ma ho deciso di ordinarlo in fumetteria che almeno mi viene fatto il canonico 10% di sconto.

I cosplayer erano invece tantissimo e di livello eterogeneo. Alcuni più più belli, altri meno, altri ancora veramente meravigliosi. Si teneva, infatti, anche la finale dell’ Italian Cosplay Contest (ICC), per cui hanno partecipato alla fiera alcuni cosplayer con costumi veramente meravigliosi. Per partecipare all’ICC, infatti, è necessario aggiudicarsi il primo posto in una delle maggiori fiere fumettistiche italiane (Lucca Comics, Torino Comics, Cartoomics, Rimini Comics, …) e il vincitore conquista un viaggio in Giappone! La competizione era serratissima e tutti i costumi di ottimo livello. Come al solito nella pagina di Facebook del blog si può trovare la galleria completa con tutte le foto dei vari cosplayer e dei partecipanti all’ICC.

Tra i cosplayer c'erano costumi classici ...

... altri originali (tra l'altro lei si muoveva benissimo) ...

... alcuni che si distinguevano per magnificenza ...

... altri per simpatia

Il cavaliere senza testa, vincitore dell'ICC

Tutti i cosplayer (e coloro che fossero in ogni caso interessati alle foto) che passano di qui cercando le foto li rimando quindi alla pagina di Facebook con la galleria completa:

Prevalentemente Anime e Manga

Promuovi anche tu la tua Pagina

Se vi piacciono, per favore, lasciatemi un mi piace alla pagina!

In definitiva Fumettopoli purtroppo ha perso molto per quanto riguarda reparto vendita e credo che siano anche diminuiti molto i vivistatori, ponendo che quando sono entrata non c'era la solita coda immonda (un incubo normalmente) e che al piano di sotto (e sulle scale specialmente) era addirittura possibile girare tranquillamente. L'unica cosa che ho trovato veramente interessante di questa fiera sono stati i cosplayer, e, purtroppo, non bastano a fare una manifestazione veramente di successo!

Mirai Nikki - Il diario del futuro per un nuovo Dio

2012-05-06T08:30:00.000+02:00

Locandina della serie

Mirai Nikki (未来日記 Mirai Nikki), letteralmente Il diario del futuro, è una serie anime composta da ventisei episodi tratta dall’omonimo manga di Sakae Esuno, pubblicato per Kadokawa Shoten. La serie è prodotta dallo studio Asread a partire dall’ottobre 2011 e si è conclusa nell’aprile 2012. Subito dopo la sua fine è iniziato un dorama chiamato Mirai Nikki -Another:World- che presenta una trama diversa dall’originale. Da febbraio 2012 la Star Comics ha iniziato la serializzazione del manga in lingua italiana (che è completa e conta dodici volumi), mentre in madrepatria sono iniziati due spin-off: Mirai Nikki: Mosaic (basato sul personaggio di Uryu Minene) e Mirai Nikki: Paradox (dedicato a Akise Aru e a MurMur). Kadokawa Shoten ha prodotto anche una visual novel per PlayStation Portable in cui compare un personaggio extra, il tredicesimo possessore di diario.

Yukiteru in tutta la sua sfigataggine a inizio serie

Amano Yukiteru è un ragazzino delle medie profondamente asociale e poco comunicativo. Affronta la vita con apparente distacco, limitandosi ad annotare tutto quello che vede e che sente su un diario tenuto tramite il cellulare. Per tenersi compagnia si inventa un amico immaginario, Deus ex Machina, signore della causalità con straordinari poteri cosmici sullo spazio e sul tempo. Un giorno Deus gli propone un simpatico giochetto. Trasforma il suo cellulare in un diario in grado di prevedere il futuro e lo fa partecipare ad un torneo di survival tra dodici persone (numerate progressivamente in inglese, First è Yukiteru stesso) in grado di prevedere il futuro e che, senza conoscere le rispettive identità, hanno l’obiettivo di uccidersi a vicenda. Chiunque fosse stato l’ultimo a sopravvivere avrebbe ereditato la carica di Deus.

Yukiteru con la sua più classica espressione terrorizzata

Ogni partecipante ha uno speciale diario (la gran parte è sotto forma di cellulare ma ve ne sono anche alcuni più particolari) che può mostrare determinati aspetti del futuro in base alle caratteristiche del proprio padrone e che se viene rotto ne implica la morte. In base a determinate azioni dei possessori di diario il futuro può anche cambiare. All’inizio Yukiteru non ci bada molto, considerandolo solo un parto della sua fantasia ma l’uso sconsiderato che ne fa (tipo barare nei compiti in classe) non fa altro che attirare l’attenzione degli altri partecipanti al gioco.

Gasai Yuno, come si fa a dubitare di una ragazza così
adorabilmente carina?

In particolar modo si fa notare subito da Third, uno spietato e sanguinario assassino già prima ancora di iniziare il gioco, e da Second, una insospettabile ragazza. Quest’ultima è Gasai Yuno, la più bella e intelligente fanciulla della scuola, che nasconde un ben più di un segreto. Innanzitutto è una esperta stalker, innamorata da tempo proprio di Yukiteru, si offre subito di aiutarlo a sopravvivere al suo primo DEAD END, realizzando una strategia vincente per fermare Third. Purtroppo questa sua azione, pur salvandogli la vita, lo pone anche come bersaglio principale di tutti gli altri giocatori, trascinandolo in una spirale di pericolo e di omicidi sempre più efferati, sballottandolo tra sentimenti contrastanti. A proteggerlo in moltissime occasioni sarà proprio Yuno, che si dimostrerà in brevissimo tempo essere la migliore alleata che si possa avere in un gioco di questo genere. Tuttavia Yukiteru, spaventato dalla sua abilità sovrumana, avrà un sacco di difficoltà nell’accettarla per quello che è veramente.

Yukiteru che si è fatto catturare da Uryu Minene, il
numero Nove, nota terrorista internazionale

I personaggi principali sono parecchi, alcuni appena accennati (come Third, che muore senza neanche mostrare il proprio volto), altri psicologicamente più interessanti come il protagonista e Gasai Yuno. Yukiteru è uno dei personaggi più deboli, vili e inutili che si siano mai visti, riesce ad essere anche più insopportabilmente piagnone di quella piattola di Hikari Shinji (che almeno ogni tanto combina qualcosa di buona pilotando l’Eva 01). Invece qui c’è un fallito su tutta la linea, incapace di fare alcunché da solo, che nei momenti peggiori si mette a disperarsi e che si fa ripetutamente salvare da qualcuno.

Yuno che accorre a liberare per la millesima volta
il suo amato Yukkii

In realtà senza una babysitter al protagonista credo che Mirai Nikki sarebbe stata la serie più corta del mondo, l’unico anime di solo mezzo episodio! La babysitter in questione è principalmente Gasai Yuno, una psicopatica caotica malvagia che non si fa alcuno scrupolo a fare piazza pulita di chiunque faccia del male al suo Yukki. Spinta da una forma distorta di amore sarà pronta a passare sui cadaveri finemente sbudellati di chiunque. Non ci sarà nulla che sembrerà troppo cruento o feroce per lei. Yuno toglie la sicura, carica e distrugge, con il metodo finemente raffinato di Alucard. Dove passa lei non cresce più l’erba. Personalmente è, insieme a Uryu Minene, uno dei miei personaggi preferiti della serie.

Aru Akise, il detective in erba

La cosa peggiore di Yukiteru è che tutte le esperienze che fa nella serie (tradimenti, omicidi, disastri vari) non servono a farlo migliorare neanche un po’, al punto che per farlo sembrare un po’ più figo Yuno arriva persino a scrivergli le battute (e lui le fa pure i complimenti). Intorno a loro ci sono il resto dei dodici partecipanti, tutti molto eterogenei, alcuni spinti da nobili motivi, altri criminali patentati, altri ancora difficili da identificare al primo sguardo più un gruppo di amici che, non si sa bene perchè, si stringono intorno al protagonista (con gran rabbia di Yuno che li ammazzerebbe volentieri uno per uno). Tra questi il più interessante è Aru Akise, un ragazzo con delle velleità da detective che si mette spontaneamente sulle tracce dei possessori di diario e che dà anche alla storia una leggera svolta shonen-ai.

Tutti i nomi dei personaggi principali sono ispirati a divinità greco-romane ma, onestamente, se penso che Yukiteru è Zeus/Giove (Jupiter, da cui la traslitterazione in Yukiteru) mi viene un pochino male. Tra gli altri si possono ricordare Giunone/Era (Juno, da cui Yuno) e Minerva (Minene Uryu).

Deus, la divinità che regge il mondo e che da il via a tutta
la storia del survival game

Dal punto di vista della realizzazione tecnica si può osservare che si tratta di un’anime decisamente di buon livello (anche se con qualche alto e basso), con animazioni fluide e colori vividi. Il character design è abbastanza classico (l’unico personaggio dall’aspetto originale è Deus) ma comunque ben definito.

MurMur, il famiglio di Deus che spesso compare nella
vita dei personaggi

La cosa che mi ha lasciata più sconcertata forse è l'aspetto generale di Eight (rispetto agli che hanno corporature normali sembra deforme con quel testone enorme) e l’abbigliamento da sfigato sonico di Yukitero. Non si può proprio vedere con quei pantaloncini corti e i fantozziani calzettoni bianchi alti fino al ginocchio (lo so, è fatto appositamente ma è terribile allo stesso). Per quanto riguarda il comparto audio è decisamente adeguato, con un doppiaggio ben realizzato e una colonna sonora che riesce ad essere incisiva nei momenti topici. Da notare, infine, solo la opening e la ending, entrambe adatte per la serie.

Yukiteru terrorizzato: che novità!

In definitiva Mirai Nikki è un’anime di avventura e azione con una trama travolgente e sufficientemente incasinata (anche se non originalissima, in parte ricorda titoli come Eden of the East o Maho Shōjo Madoka Magica), pieno di colpi di scena e capace di tenere lo spettatore incollato allo schermo per tutta la sua durata. Non sarà un’opera perfetta (ho trovato qualche cosa emotivamente inaccettabile nel comportamento di certi personaggi, specialmente Yukiteru) o sorprendentemente innovativa ma riuscirà sicuramente a coinvolgere e ad appassionare lo spettatore.

Di chi sarà questa manina insanguinata?

Mirai Nikki tratta molti argomenti anche pesanti come l’omicidio, lo stupro e violenze varie (anche se in modo non approfondito). Quasi tutti i personaggi possono vantare un passato angst o comunque qualche devianza mentale, per cui consiglio questa serie a chi possa tollerare un po’ di splatter e violenza assortita e voglia vedere una serie dinamica e molto accattivante. La domanda che sorge spontanea a fine visione è come mai una inutile, egoista e frivola caccola come Yukiteru riesca ad accaparrarsi le simpatie di così tanti personaggi. Personalmente ho tifato contro di lui per tutta la serie! Vedere per credere!

La opening della serie

Exit Poll 02 - Un amico come me!

2012-05-02T08:00:00.000+02:00

Prima di partire con la nuova puntata è il momento di vedere i risultati definitivi del precedente sondaggio. Avevo in mente di pubblicare un bel grafico (di quelli che piacciono a me) con tutti gli esiti ma non è stato possibile perchè il widget di Blogspot mi ha ~~bastardamente~~ barbaramente eliminato dei risultati. Ora, escludendo che i votanti si siano messi a pacchi di dieci a togliere le loro preferenze contemporaneamente (vero che non l'avete fatto?), assumo che il widget non funzioni benissimo, quindi, da questa volta ho deciso di cambiare modalità di votazione (vedere fondo post per ulteriori dettagli). Dopo il salto la premiazione e il nuovo quesito!

PREMIAZIONE DELLA PUNTATA PRECEDENTE

La vincitrice ringrazia con il suo vestito
da gran serata

La vincitrice, o meglio stra-vincitrice della prima rubrica Exit Poll, è stata Belle, che grazie alla sua intelligenza e cultura si è accaparrata la benevolenza di un’ampia fetta del pubblico (specialmente quello femminile), seguita a distanza da Ariel, che comunque si è difesa bene, mentre il terzo gradino del podio spetta a Biancaneve. Seguono Cerentola e, fanalino di coda, Aurora, che si è aggiudicata una sola preferenza. Leggendo le bellissime motivazioni che sono state date dai votanti ho deciso di assegnare due premi per ogni sondaggio: uno al personaggio che vince democraticamente e uno a quello per cui è stata scritta la spiegazione più convincente (a mio insindacabile giudizio). Questa volta la spiegazione che mi è piaciuta di più è stata quella di lithtys e quindi Biancaneve, la sua candidata, si aggiudica il premio della giuria (che sono sempre io).

Seconda sul podio e vincitrice del premio
della giuria

Arriviamo alle mie spiegazioni (e sarò breve che del questionario nuovo non abbiamo ancora iniziato a parlare e ho scritto tantissimo). Aurora e Cenerentola sfruttano i loro doni naturali in egual modo, limitandosi ad accalappiarsi il miglior partito in circolazione grazie al loro smagliante aspetto fisico e all’aiuto di un po’ di comprimari assortiti. Ariel, pur essendo coraggiosa e molto più tosta della stragrande maggioranza delle sue colleghe, purtroppo non riesce a sfruttare bene i suoi doni, giocandosi la voce con Ursula e non impiegando adeguatamente la sua bellezza. Rimangono in gioco Biancaneve e Belle e io non posso che parteggiare che per la prima principessa mai creata in casa Disney. Belle sarà anche intelligente e acculturata ma non usa né l’una ne l’altra per risolvere i suoi problemi. Anzi, al momento del bisogna mostra dei momenti di rara idiozia rivelando a Gaston e agli abitanti del villaggio inferociti l’esistenza della Bestia. Quindi ho votato per Biancaneve, la donnina di casa d.o.c che conquista il suo principe lavando le scale e cantando ai suoi piccioni addomesticati, ovvero facendo quello che sa fare veramente bene.

I CANDIDATI DI QUESTA PUNTATA

Arrivando invece all’argomento principale di questo post vado a presentare il sondaggio di questa seconda puntata della rubrica Exit-Poll. Si cambia decisamente soggetto rispetto al precedente quesito ed è tutto dedicato agli amici. Molti dei comprimari più famosi dei grandi Classici Disney sono un aiuto fondamentale per i protagonisti, che altrimenti non combinerebbero nulla in tutta la loro storia, risolvendo problemi e tenendo alto il morale della truppa. Ne ho scelti cinque esempi (di cui due coppie) come rappresentanti generali di tutti gli altri. Vediamo ora in base a quali azioni questi soggetti si meritano la stima e l’apprezzamento dei loro protagonisti. Di ognuno di loro procederò ora a presentare pregi e difetti.

1) Mago Merlino

Mago Merlino è un grandissimo e potentissimo mago, il più grande del mondo, dotato di poteri spettacolari (tra cui quelli di animare gli oggetti e di mutare forma) e di conoscenza e saggezza sconfinate. Diventa quasi per caso il maestro di un ragazzino semplice e magrolino che gli piomba letteralmente in casa, insegnandogli con il rinomato metodo CLAMP (ovvero ti caccio nei guai e poi ci pensi tu a liberartene) tutto quello che secondo lui necessita per crescere, a cominciare dalle materie base come matematica, latino e francese. In realtà è anche in grado di predire il futuro, per cui sa benissimo prima ancora di iniziare con Semola di aver a che fare con il futuro re. Mago Merlino è dotato di una candida e rassicurante barba bianca, di una veste azzurra coordinata con un cappello a punta (prima che andasse di moda con la saga Harry Potter) e di un paio di anacronistici occhiali moderni sul naso. Simpatico, buffo e un po’ eccentrico si mostra subito una guida saggia e molto preparata, azzeccando previsioni e comprendendo bene le persone.

I suoi più grandi difetti sono una infantile rivalità con Maga Magò e il fatto di essere un po’ permaloso per cui, se lo si offende, ha l’insana tendenza a mollare il suo protetto per andarsene in vacanza ad Honolulu. Si porta sempre dietro il suo famiglio Anacleto, un gufo scostante e volutamente antipatico (anche se discretamente figo), che a quanto pare è l’unico in grado di gestire e sopportare (in realtà la cosa è reciproca, Anacleto gestisce e sopporta Merlino). Mago Merlino è un fautore dell’istruzione avanzata e un profondo detrattore dell’attività fisica, essendo autore della celebre frase “Non vorrai mica diventare tutto muscoli e senza cervello”. Da una parte è il precettore ideale, studioso, attento e saggio, dall’altra è un burlone disorganizzato, con scarsa memoria ma sempre pronto a risolvere una situazione spinosa con arguzia e un pizzico di magia.

Questo è un incantesimo che ho sempre desiderato imparare

2) Baloo e Baghera

Questi due è meglio che viaggino in coppia perchè Bagheera è così noioso da essere insopportabile quasi come il Grillo Parlante e Baloo è così sconsiderato da essere inadatto ad occuparsi anche di un sasso. Lo perderebbe. O lo romperebbe. O entrambi. Di sicuro. Però è un sacco simpatico e con quella sua aria pacioccona piace tantissimo (specie ai ragazzini orfani). Baloo è un orso perfetto per l’intrattenimento, offre giornate piene di divertimento, feste allegre e cibo a basso costo. Ottimista di natura, per lui la vita è sempre una passeggiata, se c’è qualcosa che non va fa finta di nulla e si imbuca ad un party a caso, se tutto va bene cazzeggia in allegria per la jungla. Essendo anche fannullone ovviamente non lavora, non si occupa di nulla e si limita a rilassarsi e a riposarsi dal suo non combinare assolutamente niente. Il lato positivo della cosa è che a qualunque ora del giorno e della notte sarà sempre libero per cazzeggiare con chiunque. Il lato negativo della faccenda è che insieme lui si rischia continuamente la vita, per sopravvivere è necessaria una dose di fortuna non indifferente. In caso di guai seri, creati da lui o da altri, non sarà assolutamente in grado di fare alcunchè se non chiamare aiuto a pieni polmoni.

A compensarlo arriva la pantera nera Bagheera (che nonostante il nome che termina in a è un maschio, per me da piccola fu un piccolo choc, anche se ha la voce maschile ero convinta fosse una femmina) che rappresenta l’elemento saggio del duo e che tendenzialmente è rigoroso e affidabile, anche se ogni tanto la sua coscienza se ne va in vacanza e lo lascia fregarsene della situazione. In ogni caso correrà in aiuto del malcapitato e cercherà una soluzione affidandosi al suo cervello e alla sua abilità. Peccato solo che sia rigido come un palo e incapace di divertirsi. Bagheera è famoso più che altro per la sua espressione super scazzata da “Hai combinato un altro casino, se non ti sto dietro io farai una brutta fine”. In pratica, se Baloo è l’allegrone inaffidabile del gruppom, Bagheera è l’amico Bob, quello che in ogni caso ti riporta a casa vivo.

La vita ideale di ogni fancazzista che si rispetti. Stress addio!

3) Il genio

Sfreghi una vecchia lampada ed esce l’essere più potente del mondo, che nel giro di dieci minuti si dichiara come il tuo migliore amico. Simpatico frizzante e pieno di vita il Genio riuscirà a entrare nel cuore di grandi e piccini, oltre al fatto che è in grado di esaudire praticamente ogni desiderio (tranne le tre famosi piccole clausole – Non uccidere, non far innamorare, non resuscitare i morti). Ha un gioco, uno scherzo, una battuta, un trucchetto o un’animazione per ogni singola situazione in cui si può capitare, dalle più tranquille alle più disperate. Il Genio è in grande di fare ogni cosa, dalla majorette al domatore di cammelli, dalle imitazioni all’animaletto da compagnia, per lui nulla è impossibile, senza contare che sarà ben felice di offrire tutti i suoi servigi alla persona che ne sfrega la lampada.

Ha un contratto di amicizia a tempo determinato (insomma è un povero precario) e dopo i tre desideri ti saluta e si trova un altro migliore amico (anche se il termine corretto sarebbe padrone). L’unico modo per tenerselo è liberarlo dai suoi obblighi con la lampada, solo che in quel preciso istante perderà gran parte della sua utilità, anche se rimarrà sempre un grande animatore di feste. Tra i suoi difetti si annovera il fatto di avere un ego un tantinello sviluppato, a causa del quale si fa fregare anche da un bamboccio come Aladdin, regalandogli un desiderio totalmente a gratis, e il piccolo, trascurabile e innocuo fatto che se la sua lampada finisce in mano ad un criminale (cosa che puntualmente avviene) diventa un vero e proprio pericolo pubblico.

Uno spettacolo è irripetibile! Sa esattamente come farti sentire importante.

4) Timon e Pumba

Timon e Pumba sono un’altra coppia esplosiva, formata da un lemure e da un facocero. Entrambi sono fancazzisti di professione (laureati con lode alla prestigiosa facoltà del dolce far nulla) e anche loro come Baloo vivono nel mondo delle feste. Il loro motto è Hakuna Matata (che corrisponde molto al Ti bastan poche briciole) e passano la loro esistenza a cazzeggiare nella foresta, nutrendosi di insetti e frutta (esattamente come Baloo, solo che lui lo faceva eoni prima che diventasse cool e aveva Bagheera a guardarlo male ogni tre per due). Timon, il lemure, è l’elemento intelligente della coppia mentre Pumba è quello puzzolente e cicciottello (e uno si domanda quanti insetti ci vogliano per formare quella ciccia, credevo fossero ipocalorici). Anche loro aborriscono il lavoro, ed evitano accuratamente tutte le presenze femminili, arrivando a creare una specie di paradiso dello scapolo impenitente.

Diciamo che sono un po’ il prototipo di quel genere di compagnoni che si fanno trovare sempre pronti con una birra (solo che lì da loro birre non ce ne sono, per cui si aggiustano con due insetti e qualche bacca) in mano al bisogno, a patto che nessuno pronunci le parole vietate: lavoro e responsabilità! A differenza di Baloo girare con loro è meno pericoloso perchè sono leggermente più affidabili (ma bisogna dire che vivono anche in posto meno pericoloso della Jungla indiana) e al momento del bisogno passano all’azione, arrivando perfino a fare da esche ad un branco di iene affamate per aiutare un loro amico.

Una dieta sana ed equilibrata pare non essere importante per crescere bene

5) Mushu

Spirito protettore cinese, degradato dagli avi a semplice suonatore di gong per i guai che ha combinato in una storia precedente (si intravvede un povero spirito decapitato). Parte decisamente con il piede sbagliato, frantumando la statua in cui dimora il grande drago di pietra e finendo a far finta di essere stato mandato dagli antenati ad aiutare Mulan, quando invece loro avrebbero voluto fermarla e riportala a casa. Bugiardo, arrivista e egocentrico il suo unico obiettivo è solo quello di riottenere il piedistallo nel tempio della famiglia Fa, arrivando per questo a spedire con molta umanità in guerra una ragazza pasticciona.

Si tratta di un piccolo drago rosso sputafuoco, così piccolo (ma guai a ricordargli le sue dimensioni ridotte) da aver costantemente bisogno di aiuto per non morire schiacciato ma abbastanza pocket da non essere notato in un accampamento di soldati dove la privacy non esiste. Tra i suoi più grandi pregi si può osservare la sua strabordante simpatia (è un altro che si fa i siparietti da solo come il Genio) e il fatto che si affeziona seriamente alla sua protetta, accompagnandola in ogni avventura e sostenendola moralmente quando si sente abbattuta. Anche se sulla carta può sembrare codardo e un po’ inutile, in realtà non si tira mai indietro, neanche dalla situazione più pericolosa, e affronta sempre il pericolo con ironia e coraggio.

Quando si dice cominciare con il piede giusto!

ORA TOCCA A TE

Ed ora ecco la domanda di oggi: Se tu potessi scegliere uno di questi soggetti (o una coppia) chi vorresti come amico?

A seguire il sondaggio. Visto i già citati problemi con il widget ufficiale di Blogspot ho deciso di passare a Google Document, per cui la domanda sarà direttamente nel post, subito qua sotto. Mi raccomando votate numerosi! Come sempre ci saranno due settimane di tempo prima della chiusura definitiva del sondaggio!

VOTO ORMAI CHIUSO!

Cosa te ne pare della nuova modalità di voto? Funziona, ti piace o preferivi quella vecchia?

X - Il destino della Terra in mano a Kamui. Le CLAMP e la fine del mondo.

2012-04-30T08:00:00.000+02:00

Il protagonista dell'opera con la sua
dualità

X, anche noto come X/1999 per il nome che gli è stato attribuito negli Stati Uniti d'America, è uno dei manga shōjo più celebri disegnato dalle CLAMP. La serie è in produzione dal 1992 ma nel 2002 ha subito un brusco stop alla serializzazione a pochi volumi dalla conclusione che l'ha relegato nel grande calderone delle opere incomplete in madrepatria. Questo, però, non gli ha impedito di divenire uno dei manga più famosi al mondo. In Italia è stato stampato ben tre volte di cui la prima dalla Jade - ediperiodici dal 1997 al 2001 (solo i primi dodici volumi), a seguire i diritti sono stati acquisiti dalla Planet Manga che l'ha rieditato nel 2003 e infine è giunto alla J-Pop, che lo sta pubblicando proprio in questo periodo in un'edizione di lusso. Ovviamente io ho l'edizione sfigata della Planet Manga, con le copertine che si sbeccano a guardarle, senza sovraccoperta e soprattutto senza le carte che nella versione originale erano allegati ai volumi. Infatti, per ogni volume c'era in omaggio un tarocco (illustrato con uno dei personaggi della storia) che andava a formare il set degli arcani maggiori. Dal manga sono anche stati tratti un'anime composto da ventiquattro episodi, un OAV e un film d'animazione. Attenzione, come tutte le recensioni che faccio delle opere delle CLAMP sarà ricca di spoiler.

TRAMA – Cosa succede in questi diciotto volumi più qualche capitoletto?

Kamui con Kotori e Fuuma

In realtà la trama è abbastanza semplice, almeno se non si tiene conto di tutti i sogni, i flashback, le premonizioni e le pippe mentali ma solo della reale azione, i primi otto volumi all'atto pratico non contengono quasi nulla di concreto e i restanti dieci sono tutte mazzate gratuite. Un bel giorno di primavera Kamui Shiro, un ragazzo scostante e sociopatico, torna nella natia Tokyo, dove lo attendono Fuuma e Kotori Mono, due amici di infanzia che non vedono l'ora di rivederlo ma che lui si premunisce di trattare malissimo, così, tanto per ingraziarsi la simpatia del lettore. Intorno a lui cominciano ad avvenire da subito degli strani fenomeni soprannaturali e a comparire delle persone dotate di poteri magici (Esp), che Kamui affronta grazie alla sua potenza spirituale (i soliti blast di energia) senza alcun tipo di preoccupazione o di scrupolo morale (tipo non si cura affatto che i suoi combattimenti possano ferire o uccidere innocenti o passanti).

Le due sorelle Magami

A tirare le fila dei presunti buoni (che con le CLAMP non c’è molto da fidarsi, normalmente è difficile distinguere buoni e cattivi) c’è la principessa Hinoto, una povera sfigata che ha il dono di entrare nei sogni degli altri e che sa molto più di quello che rivela. Ben presto Kamui scopre la verità sulla morte di sua madre Toru (un’ombra sacrificale, una tizia che in pratica aveva il potere di morire per attirare le sfighe altrui e che, manco a dirlo, è trapassata per salvare il figlio), sulla nascita della prima spada sacra (partorita a costo della sua vita da Saya Mono, la mamma di Kotori e Fuuma, per salvare Toru, di cui era segretamente innamorata, in una scena super splatter che shocka per sempre la piccola e piagnona Kotori) e sull’esistenza di Tokiko Magami, sua zia. Zia che peraltro non sopravvive molto all’incontro con il nipote, finendo poco dopo a partorire una seconda Shinken (spada sacra), destinata ad un secondo Kamui.

Kamui con la sua spada sacra

Il problema del protagonista è proprio il fatto di avere davanti a sé due destini possibili: diventare uno dei Sette Sigilli (Draghi della Terra) e tentare salvare il mondo o diventare uno dei Sette Angeli (Draghi del Cielo) per distruggerlo. L’amicizia con Fuuma e Kotori, dopo soli otto volumi di indecisione (infondo non gli dispiacerebbe distruggere il mondo per vendicare la mamma), lo spinge e scegliere la prima via, decidendo di proteggere il pianeta e i suoi cari. Peccato solo che in quel preciso istante Fuuma riveli di essere il secondo Kamui, prendendo seduta stante il comando dei Sette Angeli e diventando un super bastardone con manie omicide. Per inaugurare la sua carriera da malvagio ammazza senza motivo sua sorella Kotori, ~~facendo un favore all’umanità~~, e gettando Kamui nel baratro della disperazione. A farlo uscire da quello stato catatonico sarà una vecchia conoscenza, Subaru Sumeragi (un espertone di depressione e stati comatosi) il protagonista di Tokyo Babylon. Ora, per chi già lo conosce dalla lettura precedente questo è un gradito ritorno, dato che la sua storia con l’assassino Seishirō Sakurazukamori era rimasta in sospeso con un finale apertissimo.

Fuuma con l'altra spada

Ovviamente ci sarà anche il suo nemico/amore che, per non farsi mancare nulla, sarà uno dei famosi Sette Angeli e quindi si batterà con Subaru. Dopo un paio di scontri che finiscono rispettivamente con Seishirō che prende per i fondelli Subaru e Fuuma che gli cava un occhio (così, tanto per non perdere punti bastardaggine) i due hanno il loro tanto agognato combattimento finale, che vede vincitore Subaru solo grazie ad un incantesimo lanciato da Hokuto (la sua defunta gemella, morta per mano di Seishirō alla fine dell’altra serie, per chi se lo fosse perso) che rimanda al mittente la tecnica dell'assassino, e Seishirō che dona al suo avversario il suo occhio sano per rimpiazzare quello perduto. In tutto questo Kamui e gli altri cinque Angeli (un bonzo idiota, una miko frigidona, una bimbaminkia ritardata, una prostituta strafiga e un tranquillo giornalista) continuano a prendere sonore mazzate dai loro avversari. Al 90% se riescono ad uscirne vivi da uno scontro è perchè l’avversario se ne va via da solo (per i motivi più disparati, noia, scuola, uscita a cena, corso di ballo, senza proprio motivo).

Kamui, se hai scelto di essere un drago della Cielo, allora significa che il mio destino è diventare un Drago della Terra, e come tale ucciderò tutti i Draghi del Cielo! La Terra desidera un rinnovamento, un cambiamento non ostacolato dagli essere umani, per questo io ammazzerò tutti coloro che insudiciano questa Terra!

Fuuma Mono sul suo programma politico

Il grande di ritorno di Seishirō e di Subaru. Ovvero quando il filo rosso del destino
ti lega con uno spietato assassino con manie suicide

Per gli amanti di Clamp Detective, Il ladro dalle mille facce e Polizia scolastica Duklyon compaiono anche i personaggi di Nokoru Imonoyama, Suou Takamura e Akira Ijuin, in versione adulta e super cool.

PERSONAGGI – Ovvero gli sfigati coinvolti in una guerra che può avere esiti ben più che tragici

Kamui e Fuuma affrontano il loro destino

La parte più importante di questa serie sono proprio i personaggi, tanti (fin troppi), tutti tratteggiati in modo diverso e sufficientemente approfondito anche se abbastanza stereotipato e soprattutto tutti dotati di una storia alle loro spalle che si premuniranno di raccontare. Come abbiamo visto nella trama abbiamo due schieramenti contrapposti, composti da sette elementi ciascuno, più qualche extra (di cui parlerò in fondo al paragrafo) per cui gran parte della storia sarà giocata su scontri di avversari che si batteranno a coppie e relazioni interpersonali che verranno tessute anche con membri della fazione opposta. Diciamo che le autrici sono abbastanza brave da soffermarsi un po’ su tutti i personaggi e non solo sulla coppia protagonista, dedicando ad ognuno di loro un suo spazio.

Draghi del cielo (i Sette Sigilli):

Kamui fa lo spavaldo, in realtà vorrebbe solo
piangere tutte le sue lacrime. La sua carta
è quella de Il Mago o Il Giocoliere.

L’emo boy sull’orlo del suicidio - Kamui Shiro. Kamui è uno di quei personaggi già depressi prima ancora che comincino ad avvenire le disgrazie, uno di quei poveri animalini bastonati con scritto in faccia “Ti prego fammi il più male possibile, così almeno ho motivo di deprimermi”. Il suo nome significa sia "colui che possiede il potere divino" che "colui che può fermare i possessori del potere divino" e indica il fatto che possa scegliere tra due possibili fati diversi. Dato che è il protagonista si presenta come uno tosto che se frega del prossimo (ovviamente lo fa per salvare gli amici dalla sua sfiga), ma in realtà passa tutta la serie a farsi sballottare in giro dai suoi avversari e a farsi molestare (dal volume otto in poi) dalla sua nemesi Fuuma. Stringe un’amicizia speciale con Subaru Sumeragi, con cui condivide una vita sentimentale analoga (una persona a cui vuole molto bene ha brutalmente ammazzato un’altra persona a cui teneva, così, tanto per stare allegri) ma anche qui gli va malissimo, dato che il bel sciamano ha una nota cotta per Seishirō, il peggior assassino in circolazione, e non avrà occhi che per lui (~~per chi ha letto il manga questa è una squallida battuta sull’oftalmica crudeltà a cui le CLAMP sottopongono i due~~). Diciamo che più la storia procede e più Kamui involve verso la depressione, diventando negli ultimi volumi una sorta di emo-larva capace solo di piangere e disperarsi. Tra l’altro dovrebbe essere quello con i poteri cosmici più belli di tutta la banda ma non fa altro che pendere sonori calci nel sedere da chiunque incroci. Vorrebbe riavere il suo amico del cuore Fuuma ma tutte le volte che lo affronta la cosa finisce matematicamente malissimo.

Subaru da grande, sempre più emo. La sua carta è
quella de L'Appeso. Nei mazzi più antichi si
chiama Il Traditore.

Il secondo emo boy di lunga tradizione - Subaru Sumeragi. Vi ricordate il finale aperto di Tokyo Babylon in cui Subaru disperato e incarognito si dava al tabagismo e cercava il suo amato Seishirō senza successo? Ebbene in X lo ritrova, peccato che sia nella fazione opposta e che si dimostri subitissimo disposto a prenderlo ad allegri calci nel sedere. A complicare la situazione arriva il solito Fuuma che, in un momento di gentilezza e asserendo che stava solo cercando di esaudire un desiderio di Subaru stesso, gli cava allegramente un occhio. Per non essere riuscito a fare assolutamente nulla per aiutare Subraru (come se fosse una novità) Kamui ha una delle peggiori crisi di depressione della (sua) storia ma sarà proprio Seishirō quello più incarognito per l’azione di Fuuma. Fatto sta che affronta nuovamente Subaru e si lascia ammazzare stupidamente solo per donargli il suo occhio buono e un impiego a tempo pieno da assassino prezzolato. Morale della favola Subaru a fine serie accetta il bulbo oculare dell’amato, molla quegli sfigati della banda di Kamui e passa al lato oscuro, rimpiazzando il posto lasciato vacante da Seishirō stesso.

Yuzuriha con il suo spirito Inuki. Nei tarocchi
di X lei rappresenta La Forza.

La bimbaminkia puccettina - Yuzuriha Nekoi. Yuzuriha è uno dei personaggi più irritanti che le CLAMP sono riuscite a creare nella loro ormai più che ventennale carriera. Piccola, petulante, pestifera e buonista fino alla carie dentale è capace di sole due cose: piangere e stressare chi le capita a tiro. Forse è proprio per il fatto di averla sempre intorno che la depressione di Kamui si aggrava a quel modo. Stringe subito amicizia con Sorata e con Arashi, per la gioia del primo, che così ottiene una compagna di rompiballaggine, e la disgrazia della seconda, che comincia a meditare di abbandonare quel carrozzone di sfigati. Combatte con Inuki, lo spirito di un cane, che la protegge e la aiuta sempre, al punto che senza di lui non è capace di combinare nulla. Si scontra svariate volte con Satsuki (che l’ha presa in uggia e che le sopprime pure il cane) e contro Fuuma, e tutte le santissime volte deve essere salvata da qualcuno (persino da Kamui!) perchè assolutamente non è in grado di terminare uno scontro conquistandosi una vittoria da sola. Per non farsi mancare nulla si innamora di Kusanagi, uno dei sette angeli, senza conoscerne l’identità. Indovinate come l’ha conosciuto? Esatto, si è fatta salvare la vita da lui!

Karen al lavoro. Nei tarocchi è La Giustizia.

La escort della compagnia - Karen Kasumi. Karen è una bellona assurda, straniera di nascita e originaria da una famiglia molto cristiana che l’ha sempre messa in croce per il fatto che è in grado di maneggiare il fuoco (la sua mamma pensava che fosse tipo indemoniata). Dopo la morte della madre si ricicla con il mestiere più vecchio del mondo (no, non si butta in politica, fa la prostituta), pur non abbandonando mai il suo credo (gira con una croce al collo). Ha un notevole lato materno sopito che la spinge ad stringere una relazione madre-filgio con Nataku, il clone senz’anima (cioè ma tutti qui trovano il loro patner ideale nella fazione opposta? Interessarsi ai propri compagni di squadra è troppo mainstream? Senza una relazione proibita non si è contenti nel CLAMPVerse! Almeno qua non ci sono scene di cannibalismo come in RG-Veda). In ogni caso alla fine Fuuma obbliga il povero Nataku a scegliere tra la sua vita e quella di Karen e il ragazzo decide di salvare la sua nuova pseudo mamma.

Sorata, uno che fa il monaco con la stessa passione e
pratica di Miroku (di Inu Yasha). Lui è la carta de Il
Carro, la guida spirituale.

Il bonzo esaltato dal comportamento scimmiesco - Sorata Arisugawa. Sorata fa coppia con Yuzuriha per rompiballaggine e insopportabilità. Esaltato, tendenzialmente maniaco e fin troppo socievole, è cresciuto in un monastero buddista sul monte Koya, dove ha tormentato per un sacco di anni i suoi miti colleghi e dove il monaco capo gli ha predetto che sarebbe morto per salvare una donna. Appena arrivato a Tokyo incontra la bella Arashi e decide che quella donna sarà lei (anche se la miko non pare essere molto contenta di essere stata scelta) e si lancia in una corte a dir poco spietata. Manipola l’elettricità e, nonostante militi nella fazione degli sfigati, sembra cavarsela abbastanza bene, almeno finchè non rimane gravemente ferito per salvare la sua bella da un attacco di Satsuki (la stakanovista dei sette angeli). A seguito di questo fatto Arashi decide di concedersi a lui con drammatiche conseguenze.

Arashi impegnata a tirarsela come suo solito.
Nei tarocchi è la carta de La Temperanza.

La miko glaciale e scostante - Arashi Kishu. Arashi è una sacerdotessa scintoista (serviva per completare il parco religioni disponibili con il monaco buddista, lo sciamano e la cattolica) che è stata allevata da una sacerdotessa del tempio di Ise dopo la morte dei suoi genitori. Simpatica, sociale e cordiale come un orso polare a dieta vegetale, viene perseguitata per tutto il manga da un motivatissimo Sorata che ha deciso di farne la donna della sua vita. È capace di estrarre una spada dalla sua mano sinistra (cosa già vista sia in RG-Veda che in Rayearth) finchè mantiene intatta la sua verginità. Indovinate cosa succede quando si concede stupidamente al povero cretino? Esatto, perde tutti i suoi poteri, si fa fare il lavaggio del cervello dalla personalità malvagia della principessa Hinoto e finisce a colmare il posto lasciato vacante da Nataku nei sette angeli.

Ho messo un'immagine di lui Seiichiro che
combatte anche se vederlo agire normalmente è
una vera rarità. La sua carta è Il Papa.

Quello che sembra capitato lì per caso - Seiichiro Aoki. In tutti i gruppi che si rispettano deve sempre esserci un personaggio totalmente inutile, è così per contratto. I Sette Sigilli, già a corto di personale di loro per divergenze interne, hanno Aoki. ~~O Seiichiro con due i ma per favore non me lo confondete con Seishirō anche se i nomi sono simili~~. In ogni caso questo tizio biondo lavora in una redazione giornalistica e per tutta la prima parte del manga non fa assolutamente nulla, non ha un passato angst e non combatte con nessuno, per poi limitarsi ad allontanare moglie e figlia quando capisce che aria tira. Stringe un legame di amicizia con Karen (con cui fa coppia quando si decide a menare le mani) che pare innamorata di lui ma che non proverà mai a sedurlo nonostante sia una sventola paurosa. Se a qualcuno interessa manipola il vento e ha un nipote, Daisuke, che dimostra di avere gli stessi poteri e serve fedelmente la principessa Hinoto. Fuuma, per motivarlo a partecipare più attivamente agli scontri, fa che ammazzarglielo. Così, in un momento di simpatia estrema.

Draghi della terra (i Sette Angeli):

Fuuma con la sua spada sacra. Non si sa
quale sia il suo tarocco ma dovrebbe essere
Il Sole

Il maniaco dei giardinetti - Fuuma Mono. All’inizio e per i successivi otto volumi circa è un tipo così noioso e perfettino da candidarsi per l’ambito titolo di personaggio più soporifero della storia delle CLAMP. Fratello amorevole, amico sincero, secchione a scuola e chi più ne ha più ne metta, sembra il personaggio perfetto. Improvvisamente si stufa e decide di diventare bastardo dentro. Uccide sua sorella Kotori (applausi e calorose strette di mano dal pubblico) e si dedica a far diventare la vita di Kamui un inferno. Massacra brutalmente chiunque ci parli anche solo per due minuti (restituendo i corpi poi a rate, che recuperare tutti i pezzi è difficile dopo il suo passaggio), lo molesta sessualmente appena può e sguinzaglia Seishirō contro Subaru, in modo che il povero depresso perda anche il suo nuovo amicone del cuore (molto, molto amicone, nel senso che Kamui si era fatto delle illusioni sul letto di Subaru, sperando di scavalcare il fascino di Seishirō). Non pago di tutto questo si prodiga in una serie di dispettucci assortiti mascherandoli per buone azioni. Va infatti in giro per tutto il manga ad esaudire desideri altrui, nel modo più sanguinoso possibile (tipo:”Salva la mamma, ti prego”, “OK, allora uccido te”) tranne quello di quella povera bestiola depressa di Kakyō Kazuki (che vorrebbe solo morire) e lui lascia sadicamente a marcire nel suo letto d’ospedale. Uno che veramente, viene da domandarsi se per caso sia imparentato con quella carogna di Clow Reed. Il suo obiettivo finale (oltre distruggere il mondo) pare sia quello di realizzare il vero di desiderio di Kamui. Così vero e importante che nemmeno il legittimo proprietario sa cosa sia.

Seishirō e il suo occhio.
Indovinate il suo tarocco? La Morte!

Il pazzo omicida di grande esperienza - Seishirō Sakurazukamori. Il ritorno della coppia d’oro di Tokyo Babylon non poteva essere tale senza la ricomparsa in scena di quel figo spaziale di Seishirō, per cui il buon (mica tanto) Fuuma si affretta ad arruolarlo tra i Draghi del cielo. Poche storie. Come al solito è cattivissimo, bravissimo nel suo sporco lavoro ed è anche l’unico che pare non subire il carisma a metà tra il seducente e il fastidioso di Fuuma. Il suo ultimo combattimento con Subaru è uno dei punti più belli dell’intero manga, con tanto di spiegazioni sul finale troppo rapido di Tokyo Babylon (e il piano di quella squinternata di Hokuto per cercare di salvare suo fratello), pubblica umiliazione del povero Sumeragi e suicidio in grande stile (sì, perchè quella schiappa di Subaru non era in grado di ucciderlo, il bell’assassino muore perchè fa scattare volontariamente un maleficio che Hokuto gli aveva messo addosso alla fine dell’altra serie). Peccato solo che quelle stronze formato Godzilla della CLAMP non abbiano scritto le sue ultime parole. Uno si legge tutto Tokyo Babylon e ben sedici volumi di X per poi non sapere se Seishirō era veramente innamorato di Subaru o no. Maledette! (In realtà dalla storia della madre si deduce che sì, il giovane sciamano aveva fatto colpo, ma chiedere una conferma non mi sembrava esagerato!

Satsuki con il suo super computer Beast.
Lei rappresenta il tarocco de L'Eremita.

L’apatica nerd con il pallino della strage - Satsuki Yatoji. Per l’angolo delle malattie mentali non dichiarate abbiamo la giovane sociopatica con alle spalle un lunghissimo curriculum come assassina. Fredda, calcolatrice e unica in grado di utilizzare il super-computer Beast, è uno dei Draghi del Cielo più attivo. Della fine del mondo non le frega assolutamente nulla, i suoi unici scopi nella vita sono sono quello di divertirsi alle spalle di Kamui (e della sua banda di sfigati, specialmente Yuzuriha) e di cercare di infilarsi tra le lenzuola di Yuto Kigai (che però apprezza maggiormente donne più mature e formose, come Kanoe, la sorella porca della principessa Hinoto). Ovviamente ha avuto un terribile passato di maltrattamenti e violenze (come quasi tutti gli altri) e il suo computer pare essere geloso di lei.

Nataku in azione. La sua carta è quella de La
Luna. Indica l'infanzia e un viaggio tormentato.

Il ragazzo problematico - Nataku. Visto che non bastava una con problemi comportamentali come Satsuki, viene aggiunta alla banda anche Nataku, un clone senz’anima. Pur avendo il corpo di un adulto (ma senza genitali come Ashura-o, il povero sfigato) ha la personalità di un bambino piccolo e pensa bene di identificare quel gran bastardo di Fuuma come sua figura paterna per cui gli obbedisce ciecamente (dal bucato all’omicidio spietato Nataku farà di tutto per Fuuma). Tra l’altro, bisogna osservare che, pur avendo una personalità maschile, è nato dalle cellule di una bambina morta. Diventa Drago della Terra senza sforzo ma l’incontro con Karen lo cambierà. In lei riuscirà a vedere una figura materna che gli era sempre mancata e deciderà di non ucciderla, pur avendola, tanto per cambiare, strabattuta. Questi Draghi del Cielo non vincono uno scontro a morire. Interverrà Fuuma a sistemare le cose ammazzandolo brutalmente, e approfittandone per liberare un posto di Drago della Terra per Arashi, che si sarebbe unita al gruppo dopo poco.

Yuto intento a non fare assolutamente nulla, anche

se la sua carta è quella de Il Diavolo.

Il donnaiolo impenitente - Yuto Kigai. Nei diciotto volumi che per ora le CLAMP si sono degnate di disegnare è stato un personaggio formalmente inutile. Si dedica di più al suo lavoro di impiegato all’anagrafe (e a dare una ripassatina alle topolone che lo richiedano) che al suo ruolo di distruttore del mondo, che pare interessargli davvero molto poco. Maneggia l'acqua e partecipa in tutto a due combattimenti (uno con Sorata e uno come supporto a Nataku) mentre normalmente preferisce osservare mentre Satsuki (con cui è in buoni rapporti di amicizia) compie la sua strage quotidiana. Fa parte di quei personaggi che vengono messi in scena solo per aumentare il numero di belloni disponibili e, normalmente, chiedendo anche a un fan accanito delle CLAMP chi sia a bruciapelo, questo risponderà con un classico: “Yuto Kigai, chi?”. Fa il paio con Aoki che bazzica con i “buoni” per importanza nella trama.

Kakyō con la sua espressione più allegra.
La sua carta è quella de La Ruota e indica
il fato, l'equilibrio precario e la fortuna.

L’allegro ragazzo in coma - Kakyō Kuzuki. Visto che i primi quatto Draghi della Terra fanno abbastanza stragi per riempirne due di manga, gli ultimi tre, per contrappasso, sono utili come un paio di mutande in un film porno. Questo, in particolar modo, è in coma (quindi sai che impiego può avere in una storia dove la gente fa saltare i palazzi e trapassa toraci a mani nude), e si limita a fare dei sogni premonitori. Ogni tanto, per non rischiare di essere troppo utile, cerca di aiutare anche Kamui e compagnia. E’ così sfigato che le sue uniche amiche sono quella piattola perversa di Hokuto Sumeragi e quella povera piaga sociale di Kotori Mono, cosa da cui probabilmente nasce anche il suo costante desiderio di morire.

Kusanagi intento a farsi i fattacci propri, in
tutta la serie si limita a salvare alcuni buoni.
La sua carta è Le Stelle e indica la speranza.

Quello che non ha capito bene da che parte stare - Kusanagi Shiyu. Ultimo Drago del Cielo ed essere più inutile della banda. Peggio di Yuto Kigai e Kakyō Kuzuki messi insieme. Questo è un mercenario di professione, esperto nell’arte della guerra, vegetariano, pacifista e seriamente preoccupato per le sorti del pianeta. No, non mi sono bevuta il cervello, è proprio così, un ossimoro con le gambe (insomma, parteggia per quelli che vogliono distruggere il mondo). Tra l’altro prende in simpatia quella piattola insopportabile di Yuzuriha, accettando anche la sua stupidissima corte. Un cattivo da facepalm! Non capisco come mai Fuuma non l’abbia ancora ucciso, probabilmente era nella sua agenda per il volume diciannove (che, ricordo, non è mai stato disegnato dalle CLAMP).

Personaggi assortiti della serie, un misto di
esponenti delle due fazioni.

Quando il manga si interrompe le due squadre sono su un punteggio di 0-2 morti in favore dei Draghi della Terra ma bisogna osservare quanto questi siano bravissimi ad arruolare gente per le posizioni vacanti e, in men che non si dica, fanno passare dalla loro sia Subaru che Arashi. In questo modo lo squilibrio tra i due gruppi si ribalta, portando una formazione ad avere solo cinque membri (tra cui un cretino, una ritardata e uno che si sparerebbe nelle balle da solo) e l’altra ad essere nuovamente al completo. In tutto questo bisogna anche tener conto che, dei due morti tra le file dei Draghi della Terra, uno, Seishirō, si è praticamente suicidato, mentre l’altro, Nataku, lo ammazza direttamente il suo capo per insubordinazione. Stiamo freschi se i Draghi del Cielo devono veramente salvare qualcosa, anzi, in realtà sembra già un buon risultato che riescano ad arrivare vivi loro a fine della storia. Gli unici due elementi validi che avevano, capendo l’antifona, mollano il gruppo e passano al nemico.

Altri personaggi vari:

Kotori in versione angelica. Anche lei ha un suo
tarocco, quello de Gli Amanti.

La tizia con un piede nella fossa - Kotori Mono. L’amatissima sorella di Fuuma è una di quelle piattole che non si reggono proprio. Passa tutto il tempo a preoccuparsi per Kamui, a piangere per motivi stupidi e a farsi soccorrere da qualcuno (cattivi compresi, Kusanagi, per intendersi, che ha il brutto vizio di soccorrere cani e porci), visto che è anche una povera cardiopatica. Amata da grandi e piccini fa una fine orrenda (è un manga delle CLAMP che vi aspettavate?), visto che il suo adorato fratellino la smembra davanti al suo Kamui, così giusto per il gusto di essere antipatico. Kamui decide di essere buono e di proteggere la Terra perchè ci sono i suoi amichetti e lui cosa fa? Diventa cattivo seduta stante e ammazza la sorella. Quindi, in pratica, l’esistenza (e la morte) di Kotori serve solo a giustificare la svolta emo di Kamui e a far provare a Fuuma i suoi nuovi poteri.

Hinoto con la sua seconda personalità
malvagia. Lei è la carta de La Papessa.

La principessa Hinoto. Una poveraccia che è il manifesto della sfiga materializzata. Cieca, sorda, muta e paralizzata è costretta a vivere nei sotterranei del palazzo del governo a Tokyo, da dove guida i Draghi del cielo attraverso i ~~pizzini~~ sogni. Comunica con la telepatia ed è in grado di fare parecchi incantesimi ma ad un certo punto la sua seconda personalità malvagia compare dal nulla, prende il sopravvento e comincia a parteggiare per il gruppo di Fuuma, lasciando i suoi ex-protetti nello sbando più totale. Dovrebbe essere la guida spirituale dei buoni ma alla fine li conduce solo verso il baratro. Nonostante la demenza di fondo della banda qualcuno (Inuki, il cane di Yuzuriha) si accorge che c’è qualcosa che non va e cominciano a tenerla d’occhio.

Kanoe si sta recando al lavoro. La
sua carta è quella de L'Imperatrice e
rappresenta il comando.

La porca – Kanoe. Sorella super figa di Hinoto. A differenza dell’altra è alta prosperosa e senza alcun handicap fisico. Sarà anche un po’ meno brava come maga (non è una vera yumemi ma è solo in grado di spiare i sogni altrui) ma almeno non è un simpatico soprammobile e organizza una squadra di tutto rispetto. Nel tempo libero cerca di sedurre gli uomini che le capitano a tiro (sempre alla faccia della solita Hinoto chiusa nel sotterraneo e sorvegliata ventiquattr’ore su ventiquattro) e ha una predilezione per il letto di Yuto Kigai, cosa che fa innervosire non poco Satsuki (anche se sembra che tra le due possa esserci della tensione sessuale). Ufficialmente si dedica alla distruzione del mondo per ferire la sua sorellona, in pratica vorrebbe soltanto liberarla. Finisce ammazzata in modo nono chiaro da una combo tra Fuuma e la personalità malvagia di Hinoto.

L'arcano maggiore de
Il Matto

Per concludere il discorso sui tarocchi segnalo che ci sono ancora tre carte degli arcani maggiori che per ora sono state presentate: La Torre (le due sorelle Magami, ovvero la mamma e la zia di Kamui), L'imperatore (Kyogo Mono, il padre di Fuuma e Kotori) e Il Matto (Saya Mono, la mamma di Fuuma e Kotori). Inoltre ci sono svariate carte degli arcani minori (tipo il sei di coppe e il nove di spade) che presentano generalmente una coppia di personaggi, assortiti in modo più o meno randomico. Il mazzo è composto in tutto da settantotto carte più due carte di presentazione, divise nel seguente modo: dalla numero zero alla ventuno sono gli arcani maggiori mentre dalla numero ventidue alla settantasette sono gli arcani minori, divisi in quattro semi e numerati dall'asso al dieci più le figure di Fante, Cavallo e Re. Per chi fosse interessato, su questo forum ci sono quasi tutte le scansioni. Visto che ogni carta degli Arcani Maggiori era associata ad uno dei volumi (più Il Matto che è uscito con l'artbook), in questo momento mancano ancora tre arcani maggiori ufficiali e sono Il Sole (che probabilmente sarà Fuuma), Il Giudizio e Il Mondo .

Kamui con il povero Daisuke

DISEGNO - Facciamola breve che ho già scritto uno sproloquio di righe ~~e poi molto di quello che c’è da dire sul disegno delle CLAMP l’ho già detto e ripetuto~~

Ero indecisa tra questa immagine e una della scena
in cui Seishirō muore

Come sempre il disegno delle CLAMP è una delle parti più interessanti delle loro opere. In questo caso danno completamente fondo a tutta la loro abilità grafica, offrendo personaggi espressivi e pieni di dettagli che si muovono in tavole ricche e particolareggiate. Il character design è quello a cui le quattro autrici hanno da sempre abituato i loro lettori e prevede sempre personaggi maschili alti e slanciati, con spalle larghe e abbigliamento estremamente fashion e ragazzini efebici dal viso femminile, affiancati da donne formose e discinte (nelle opere delle CLAMP quasi sempre le donne adulte sono tettone e poco coperte) e ragazzette tenerose. Tutto nelle tavole di questo manga pare essere estremamente curato, dalle proporzioni dei personaggi, all’uso dei retini, al gioco di luci e ombre costante.Si nota anche un deciso miglioramento dello stile del disegno che nel giro di alcuni volumi raggiunge la completa maturazione espressiva.

ANIME - Due parole sugli eroi della serie in movimento, specialmente su quelli filler

I Draghi della Terra nella versione animata

Di questa serie esistono anche una trasposizione animata e un film d’animazione. La storia a grandi linee rimane sempre la stessa (ovvero due gruppi che si riempiono di botte gratuite), con l’eccezione di alcuni scontri che avvengono in modo differente per via del fatto che entrambi i prodotti sono stati realizzati a manga ancora in corso. Nel film compare anche un personaggio, Shōgo Asagi, totalmente inventato. Questo è dovuto al fatto che nella versione cartacea non era ancora comparso Kakyō e la produzione ha dovuto inventarsi un sostituto. Shōgo è un ragazzo giovane e di bell’aspetto, in grado di manipolare l’acqua. Non combina quasi nulla (se non dare molto fastidio ai Draghi della Terra) e finisce male in un’esplosione causata da Karen all’interno della metropolitana, schiacciato dai detriti che crollano. La grande nota positiva delle versioni animate di X è che effettivamente hanno un finale, in cui succedono delle stragi che devastano il cast, ma almeno c’è una fine degna di tale nome!

Il cast della serie praticamente al completo

CONCLUSIONI - Sono arrivata finalmente alla fine, prometto che sarò rapida

I buoni

In conclusione questa è una delle opere più famose ed apprezzata del quartetto di Osaka, che si distingue per la magnificenza del disegno, la ricca simbologia che attinge a moltissime culture differenti e i numerosi personaggi messi in campo. Ovviamente, come nella più classica tradizione delle CLAMO, è ricca di contenuti violenti e tanto splatter (specie quando passa Fuuma) e ha ben due notevoli sotto-trame shonen-ai (Subatu/Seishirō e Kamui/Fuuma), che coinvolgono alcuni dei personaggi più amati da loro mai creati. Purtroppo la serie è interrotta da un sacco di anni e non conosce un finale degno di tale nome per via di dissidi tra le autrici e la casa editrice, che già aveva avuto da ridire sul finale di RG-Veda e che riteneva inadatto il modo di condurre la storia (anche se temo che sia tutta una scusa perchè le quattro non sapevano come scrivere un finale che non prevedesse la morte di tutto il cast e l’incazzatura di svariati fan).

I cattivi, il tizio seduto in basso a destra
è Shogo Asagi

Durante il periodo di sospensione per la discussione del finale sono successi alcuni fatti di cronaca estremamente spiacevoli, come il caso di Sakakibara, un quattordicenne che ha barbaramente ferito o ucciso svariati bambini a Kobe (tra gli effetti personali del giovane assassino sono stati trovati anche i volumi di X, anche se non sono collegati direttamente alle sue azioni) e alcuni gravi terremoti (nel manga ogni volta che uno dei buoni perde la città è squassata da un terremoto), che ne hanno decretato uno stop a tempo indeterminato perchè le tematiche dell'opera potevano urtare i sentimenti della popolazione giapponese già sensibilizzata su questi argomenti. Le CLAMP hanno dichiarato in una recente intervista che vorrebbero finire questo loro manga ma che per adesso non vi è alcuna casa editrice disposta o che abbia la possibilità di pubblicarla (la speranza, comunque, è l’ultima a morire, infondo Lawful Drugstore l'hanno ricominciato!). Il piano originale dell’opera prevedeva ventidue volumi (uno è l'artbook, diviso in vari tomi), di cui diciotto sono già stati stampati in formato tankobon e parte del diciannovesimo è pubblicato su rivista. In fondo non manca neanche molto a sapere qual è il vero finale della storia e se vinceranno i Draghi del Cielo o i Draghi della Terra. Quindi, per il bene dei vostri fan, trovate gentilmente un modo di finire quello che avete iniziato! Non importa se Kamui perde e muore, basta vedere quella maledetta parola fine al fondo dell'ultimo volume!

La opening originale della serie animata

Laputa: Castello nel cielo - Macchine volanti e splendidi scenari

2012-04-27T10:52:00.001+02:00

Locandina del film

Laputa – Castello nel cielo (天空の城ラピュタ Tenkū no shiro Rapyuta, in Italia, per non chiariti motivi, solo Castello nel cielo) è un film d’animazione realizzato da Hayao Miyazaki e Isao Takahata per lo studio Ghibli nel 1986, subito dopo il successo di Nausicaä della Valle del vento. Nello stesso anno viene premiato in Giappone come miglior film d’animazione, decretando la nascita della fortuna di pubblico e di critica del suo studio di produzione. In Italia (tanto per cambiare) ha avuto una vita editoriale parecchio travagliata. Sbarca nella penisola nel 2004 per la Buena Vista direttamente in DVD ma poco dopo viene misteriosamente ritirato dal mercato, diventando un pezzo da collezione, reperibile solo a prezzi da strozzinaggio. Nel 2012 è stato finalmente ridoppiato e re-distribuito da Lucky Red, che l’ha fatto anche approdare in questi giorni (dal 25 aprile) sul grande schermo. Approfittatene finchè rimane in programmazione per andarlo a vedere al cinema, magari evitando le proiezioni pomeridiane.

Una vista del castello volante

Altrimenti si rischia di finire in una sala in cui l’età media dei presenti è quella dei componenti di un asilo infantile, sentendo per tutto il tempo commenti del calibro di: “Attento, dietro di te” (~~odio~~ adoro i bambini quando cercano di avvisare il protagonista dei pericoli che sta correndo), “Ma adesso cosa succede?” (Zitto, guarda e poi lo saprai), “E quello chi è?” (ne so quanto te, è appena comparso in scena), “Quello è cattivo!” (Un Capitan Ovvio ci vuole sempre) “Mamma voglio andare a casa” (ovviamente questo era il mio vicino di posto e non ha taciuto un solo secondo). Ma l’ambitissimo premio rompiballaggine (appena inventato) spetta di diritto all’anonimo bambino rumorista che ha imitato i suoni di un motore per tutto il tempo della pellicola. Ero indecisa se soffocarlo o offrirgli qualcosa da mangiare per avere un attimo di silenzio sfruttando la bocca piena. Tralasciando la popolazione della sala, vediamo ora di cosa tratta il film.

L'arrivo di Sheeta dal cielo

Pazu è un bambino operaio, addetto alla revisione dell’ascensore di un una miniera, e un giorno assiste ad un evento miracoloso: la piccola Sheeta, sua coetanea, plana dolcemente dal cielo e gli atterra in braccio. Al collo della misteriosa ragazza c’è una collana con come pendente una pietra dotata di straordinari poteri, l’aeropietra, in grado di far galleggiare un corpo come se fosse privo di massa e a cui è legata la leggenda della fantastica Laputa, una sorta di isola volante. Della reale esistenza di quest’ultima nessuno è mai stato certo, ma pare nasconda sterminati tesori.

Sheeta a casa di Pazu nutre le sue colombe

L’unica persona al mondo ad averla mai avvistata è stato proprio il defunto padre di Pazu ma nessuno, in tutta la sua vita, gli aveva mai creduto. Tra i due giovani scoppia subito la scintilla dell’amicizia (e forse anche qualcosa in più) e Pazu decide di occuparsi della sicurezza della ragazza, finendo in un classicissimo mare di guai. Ovviamente sulle sue tracce ci sono sia gli scalcagnati ma organizzatissimi pirati di Dola (una nonnina tutto pepe) sia l’esercito, guidato dal malvagio colonnello Muska dei Servizi Speciali e da un sordido e stupido Generale. Tra fughe all’ultimo respiro e voli vertiginosi i due protagonisti si accerteranno con i loro occhi della veridicità di alcune leggende e della falsità di altre, affrontando i segreti nascosti da tempo nella famiglia della piccola Sheeta.

I due protagonisti sdraiati in un prato

I personaggi principali sono giusto una manciata e nelle loro figure si possono ritrovare tutti i soggetti tipici dell’universo di Miyazaki, a cominciare dalla coppietta protagonista, composta da due classici ragazzi buoni e pieni di buone speranze per il loro futuro. In questo caso la parte di azione principale spetta al piccolo e intraprendente Pazu (monello super attivo fino al limite dell’impossibilità fisica), mentre Sheeta è spesso una figura passiva e riflessiva che si lascia trascinare dagli eventi senza riuscire a imporsi realmente. L’antagonista principale, il malvagio Muska, è, invece, un uomo avido, assetato di potere e senza scrupoli, capace di sacrificare i suoi stessi alleati pur di ottenere il massimo da ogni situazione (e un po’ stereotipato).

Dola con due membri della sua banda (che chiama figli)

A completare il quadro narrativo ci sono i già citati pirati. Sono una banda estremamente simpatica (rappresentano la componente comica del film), composta da tutti elementi maschili (e tendenzialmente deboli di carattere), guidati con il pugno di ferro dall’anziana Dola, una nonnina sprint con le trecce rosa e il naso adunco. Soffermandoci su quest’ultima si più osservare che si tratta di un personaggio abbastanza particolare, presentata prima come una cattiva (cerca di catturare la ragazza per rubarle la pietra) ma che si dimostra, con il passare delle vicende, di ben altra pasta.

I rischi del militarismo

I temi dominanti di questo film d’animazione sono quelli dell’ecologismo e dell’antimilitarismo, molto cari al regista e già visti in diverse altre sue opere. Anche in questo caso viene mostrata una natura amica e protettiva, capace di generare la vita e di sostentarla in armonia, a cui viene contrapposta una tecnologia che può diventare sporca e violenta, troppo spesso in mano a persone che la impiegano senza scrupoli solo per soggiogare il prossimo. L’emblema di questo dualismo diventano due dei robot di Laputa.

Un robot analogo al precedente impiegato per curare
l'ecosistema

Uno sfruttato in battaglia con disastrosi risultati su tutto quello che lo circonda e l’altro da secoli impegnato a curare i giardini del castello, con il risultato di essere ormai praticamente parte del bellissimo ambiente naturale che lo circonda, non più come inserto artificiale ma come parte dell’ecosistema stesso. Come sempre accade nelle opere di Miyazaki la realizzazione tecnica è di ottimo livello, con un character design morbido e caratteristico e animazioni fluide e convincenti anche a molti anni di distanza dalla sua uscita. La cosa forse più bella di tutto il film sono però le stupende scenografie su cui si svolge questa avventura. Un vero e proprio tripudio di dettagli e particolari che lasceranno lo spettatore veramente a bocca aperta, il tutto ottimamente supportato da una colonna sonora di Joe Hisahi più che adeguata.

In definitiva si tratta di un film di avventura notevole, tra corse adrenaliniche, inseguimenti impossibili e tesori nascosti. I personaggi riescono ad essere nonostante tutto interessanti e coinvolgenti (anche se non del tutto originali e con qualche forzatura), trascinando lo spettatore in una pellicola capace di mostrare molti aspetti diversi, da quello tragico e drammatico a momenti di frizzante commedia. In un mondo deliziosamente steampunk il regista riesce a creare una mitologia fantastica, ricca di richiami di un nostalgico passato, mischiando prati verdi e ruscelli limpidi con robot senzienti e macchine volanti, e ottiene una fiaba leggera e avvincente. Forse il punto più debole dell’intera opera si può individuare proprio la trama, a tratti un po’ superficiale e semplicistica (per esempio dell’isola nel cielo e sul suo passato si sa veramente poco, ed è un peccato perché era la cosa che più interessava lo spettatore), assieme ai personaggi non sempre approfonditissimi. Sarà la sgargiante maestosità degli scenari che lo studio Ghibli offre con questo film a compensare adeguatamente il resto, offrendo una visione piacevole e appassionante. Proprio per questo ultimo motivo va sicuramente ammirata in tutto il suo splendore al cinema, adesso che si può (dopo soli ventisei anni dall’uscita nipponica)!

Trailer ufficiale italiano del film

Detroit Metal City - Demoni dall’inferno e pop svedese

2012-04-24T11:06:00.000+02:00

Cover di Detroit Metal City

Detroit Metal City (デトロイト・メタル・シティ, Detoroito Metaru Shiti) è un anime umoristico a tema musicale basato sull’omonimo manga seinen in dieci volumi disegnato e sceneggiato da Kiminori Wakasugi. È composto da dodici OAV da tredici minuti circa ed è stato realizzato dallo Studio 4°C nell’agosto del 2008. Dal manga è stato tratto anche un adattamento live diretto da Toshio Lee, passato nei cinema nipponici sempre nel 2008, di cui avevo parlato in un post scritto più di un anno fa (uno dei primissimi di questo blog). In Italia i diritti del manga, purtroppo, sono in mano alla Planeta deAgostini (~~che potesse sprofondare per come tratta i suoi lettori~~), che ne ha stoppato la pubblicazione all’ottavo volume, meritandosi tutte le maledizioni possibili da parte dei fan della serie. Spero vivamente che i diritti editoriali passino ad un'altra casa editrice che concluda l'opera.

Negishi versione sfigata

Negishi Soichi è un timido e insipido ragazzo di campagna proveniente dalla sperduta prefettura di Oita che si reca a Tokyo per studiare come tanti suoi colleghi. Amando molto il pop svedese, il suo sogno è quello di sfondare nel campo della musica leggera suonando la sua chitarra acustica, ma il destino ha altri piani per lui. Infatti, per guadagnare qualche soldo, diventa il vocalist e leader di un super gruppo Death Metal, i Detroit Metal City, con il nome di Johannes Krauser II.

I DMC si esibiscono

Proprio con questa band (che lo terrorizza nel profondo per i contenuti e i modi di fare) riesce a trovare il tanto agognato successo musicale. Per proteggere il suo lato timido e insicuro dalla violenta e aggressivissima manager del gruppo e dagli scatenatissimi fan dei DMC, il giovane sviluppa una seconda personalità (quella di Krauser appunto) che esprime il suo lato segreto sboccato e cattivissimo. I guai peggiorano quando fa la sua comparsa le bella e dolce Aikawa Yuri, sua vecchia compagna di università appassionata anch’essa di pop, di cui il giovane è segretamente innamorato e a cui non vuol far sapere del suo lato metal. Ovviamente Krauser farà di tutto per farsi notare, rendendo la vita del povero protagonista un vero inferno. Più il tempo passa e più sarà dura per poveraccio tenere a freno il suo io metallaro e non farlo saltare fuori nei momenti meno opportuni, mentre continua inutilmente a sperare, tra l’altro, di sfondare nel pop per poter abbandonare per sempre la via del metal (illuso).

La manager (la bionda di spalle), intenta a bulleggiare
Negishi (quello in terra)

Tutta la storia è basata sul conflitto interiore del povero Negishi, da una parte timido e sfigatissimo (basta vedere che taglio di capelli da chierichetto che porta) e dall’altra leader carismatico e, nonostante l’aria da malvagio patentato, figura trainante e a tratti positiva per i suoi fan. Il problema è proprio che Krauser II è schifosamente più forte di Negishi e il poveraccio si trova spesso ad impersonare il suo alter ego senza neanche rendersene conto. Vicino a lui ci sono due personaggi femminili nuovamente contrapposti.

Negishi con la sua amata Aikawa

Se da una parte c’è la tenera e dolce Aikawa, dall’altra c’è la tostissima manager del gruppo che sprona il protagonista ad essere sempre più metallaro. A tutti questi vanno aggiunti gli altri due membri della band, uno piacione e belloccio (perlomeno quando non impersona un demone alato) e l’atro asociale e un po’ mentalmente disturbato (il batterista), i fan del gruppo (un mucchio di tizi scatenati che vanno in giro con il face painting e un sacco di borchie) e ovviamente le band avversarie.

Dal punto di vista della realizzazione tecnica si può osservare che la serie è caratterizzata da animazioni semplici ed essenziali, accompagnate da un character design molto particolare e personale.

Neghishi vorrebbe veramente smettere ma non può

Per meglio sottolineare le due realtà che compongono la vita del protagonista sono stati scelti con molta cura anche i colori delle scene, pastello e delicati quelli dove vive la sua vita “normale”, e invece ricchi di nero e di colori intensi, rosso e viola specialmente, per le parti dedicate a Krauser II (o alla manager). A completare l’opera c’è ovviamente il comparto audio. Visto che si tratta di un anime basato sulla musica questo aspetto è stato decisamente ben curato e offre una ricca varietà di pezzi musicali da far cantare ai suoi personaggi, a cominciare dalle più famose Satsugai (Uccidi, ovviamente dei DMC) e Amai Koibito (Dolce amore, di Negishi come solista). Anche in fase di doppiaggio il protagonista viene interpretato da due doppiatori diversi. dove Daisuke Kishio, è la voce del Negishi sfigato e maltrattato, mentre Yuji Ueda è il tostissimo Krauser.

Di nuovo Krauser si esibisce

In conclusione Detroit Metal City è una serie veramente divertente, tutta basata sul contrasto tra quello che il povero Negishi vorrebbe dalla sua vita e quello che invece finisce a fare. Tutte le situazioni sono studiate ad opera d’arte per far uscire allo scoperto Krauser che, con la sua travolgente e volgare simpatia riuscirà sempre a risolvere anche le situazioni più incasinate. La cosa peggiore (per il protagonista ovviamente, per lo spettatore è un piacere vedere Krauser in azione) è che spesso ricorre alla sua controparte senza neanche esserne totalmente cosciente. Tutto quello che Krauser farà, anche il più innocente dei gesti, verrà comunque interpretato come un atto estremamente feroce e violento. In definitiva una serie da non perdere per tutti gli appassionati di musica metal (come me) e anche per tutti gli altri! Per tutti quelli che ancora non l’anno visto è giunto il momento di recuperare, o con i dodici episodi dell’anime o con il film live, prima che la vendetta di Krauser-sama si abbatta su di loro!

I am a terrorist straight out of hell

Krauser II

Satsugai, la opening della serie

Mi vergogno da morire - Il mio primo vero yaoi

2012-04-20T08:30:00.000+02:00

Cover del primo volume

Mi vergogno da Morire (Bukiyou na Silent, 不器用なサイレント) è un manga yaoi realizzato da Hinako Takanaga (NOTA: Grazie Lucius per la segnalazione dell'errore) a partire dal 2004 per la casa editrice Libre Shippan. Attualmente si compone di tre volumi ed è in prosecuzione anche in Giappone. In Italia è stato stampato dalla Magic Press in un’edizione di lusso da 5,90€ con sovraccoperta e tavole iniziali a colori. Per chi se lo fosse perso nei precedenti post, l’ho comprato domenica scorsa a Torino Comics ed è ufficialmente il primo manga yaoi su cui metto le manine (perlomeno cartaceo, visto che qualche doujinshi l’avevo già letta, ma di quelle parliamo un’altra volta).
NOTA: Attenzione, per chi non avesse ancora capito di cosa si sta parlando vorrei sottolineare che tutti i personaggi di questa serie sono maschi e che non solo hanno delle relazioni affettive tra di loro, ma arrivano allegramente fino in fondo.

I due protagonisti in pubblico ...

Mi vergogno da morire ha una trama fondamentalmente molto semplice, basata sulle avventure sentimentali di alcuni studenti liceali. La prima parte è interamente dedicata a Toono Satoru e Keigo Tamiya, due adolescenti che frequentano la stessa scuola. Satoru è un timido membro del club di disegno dall’aria apparentemente normale, ma assolutamente e drammaticamente inespressivo. Un giorno la sua tranquilla e pacifica vita viene sconvolta dall’inaspettata dichiarazione d’amore di Tamiya, suo amore segreto e capitano della squadra di baseball della scuola, che gli chiede di mettersi con lui. Dopo un attimo incomprensione i due cominciano a frequentarsi con successo, anche se l’inespressività di Satoru sarà foriera di continui fraintendimenti (e altrettante riappacificazioni). Per fortuna, con il passare del tempo, Tamiya diventerà sempre più abile a decifrare le poche espressioni dell’amato, riuscendo, di fatto, a iniziare a comprenderlo veramente.

... e in privato

A sconvolgere la quiete che si instaura tra i due giunge il serissimo Yuji Sagara, carissimo amico d’infanzia di Toono (che lo chiama molto confidenzialmente Yuu-chan) che, ovviamente, prende subito in antipatia il povero Tamiya, cercando in ogni modo, ma con scarso successo, di separare i piccioncini. In realtà anche lui ha ben poco da stare tranquillo, dato che finisce nel mirino di Takahiko Kagami, noto dongiovanni e presidente del consiglio studentesco, che farà di tutto per catturare la sua attenzione e per infilarsi nel suo letto.

I personaggi principali di questa serie sono principalmente quattro. I due componenti della coppia principale (Toono e Tamiya) a cui si aggiungono Sagara e Kagami. Il protagonista è assolutamente inespressivo e lo ripete di continuo (così, per essere sicuro che nessuno se ne scordi), anche se al lettore vengono mostrati i suoi pensieri e i suoi veri sentimenti (le faccine che fa nei baloon dei pensieri sono bellissime).

Pace fatta

In definitiva è un ragazzo timido e tenero, incline alla lacrima facile, bisognoso di affetto ma alla fine anche discretamente intraprendente, al punto di decidere di aiutare Kagami nella sua impresa di conquista del povero Sagara. Accanto a lui c’è il focoso e trascinante Tamiya che sa benissimo cosa vuole dalla vita (e da Satoru). All’inizio ha qualche difficoltà di comunicazione ma una volta preso il via non lo ferma più nessuno. Deciso ma dolce e premuroso si preoccupa sempre che nessuno faccia del male al suo Satoru, proteggendolo e coccolandolo di continuo.

Kagami cerca di adescare Sagara (quello con gli occhiali)

Per ravvivare la storia l’autrice inserisce una seconda coppia, composta appunto da Sagara e Kagami. Uno è il classico ragazzo serissimo pieno di problemi di famiglia e dall’aria glaciale. Si preoccupa per gli amici (specialmente per Satoru) fino al punto di diventare inopportuno ma quando si parla delle sue relazioni sentimentali diventa timido e insicuro, combinando un casino dietro l’altro con il baldanzoso e ambiguo Kagami che, pur facendogli una corte spietata ed esplicita, non si capisce mai bene cosa abbia in mente. In ogni caso il mio preferito del gruppo è Tamiya, non c’è storia!

Da sinistra Sagara, Toono e Tamiya

Sagara imbarazzato (quanto è carino)

Il tratto della Takanaga è molto moderno e leggero, curato fin nei dettagli. Il disegno è molto pulito e decisamente efficace nella rappresentazione delle emozioni e i sentimenti dei suoi personaggi, offrendo personaggi belli ed espressivi. Il character design è molto equilibrato e ben proporzionato e, pur non presentando nulla di particolarmente innovativo, riesce ad essere a dir poco perfetto per una storia di questo genere. Essendo a pieno titolo uno yaoi vi sono anche svariate scene di sesso che, pur essendo sufficientemente audaci e assolutamente non fraintendibili, sono discretamente sensuali e delicate. Forse sono io che mi ero fatta delle aspettative diverse ma forse mi aspettavo qualcosina di un briciolo più spinto (~~e qui Acalia si fa la figura della maniaca~~).

La mamma impicciona di Satoru

In conclusione posso decisamente ritenermi soddisfatta da quest’opera che, pur avendo dei limiti nella trama semplice e nei personaggi un po’ stereotipati (~~e nelle scene di sesso troppo corte~~), si fa leggere in modo estremamente scorrevole, offrendo una lettura gradevole e molto tenera. I personaggi sapranno conquistare con la loro dolcezza e i loro piccoli e grandi problemi quotidiani, coinvolgendo in delle avventure semplici e lineari. Tra le altre cose bisogna notare che anche i personaggi secondari sono ben realizzati, a cominciare dalla splendida mamma di Satoru, anche lei completamente inespressiva ma incredibilmente simpatica. Posso sentirmi di consigliarlo a chiunque voglia provare per la prima volta un vero e proprio yaoi.

Exit Poll 01 - Disney got talent!

2012-04-18T09:11:00.001+02:00

Dato che non ho già abbastanza rubriche (che adesso troverete evidenziate nella barra del menu momentaneamente definitiva sotto la voce Rubriche) e discorsi vari aperti e in attesa di conclusione (tipo quello sulle CLAMP), ho deciso di aprire una nuova rubrica. Questa sarà una rubrica assolutamente poco seria (quindi saltatela allegramente se siete qui per le recensioni), che uscirà con cadenza bisettimanale (salvo intervento della mia cronica incapacità di farmi una timeline decente per i post), e sarà regolarmente abbinata ad un sondaggio che si trova nella barra a destra, sotto al multi-tab. In ogni puntata della prima “stagione” andrò a selezionare un determinato aspetto di uno dei classici Disney, presentando quelli che sono per me gli esponenti più significativi della categoria e lasciando al pubblico la possibilità di scegliere il favorito.

TALENTI NATURALI

Nella prima puntata si parlerà di talenti e di principessine di prima generazione. Ognuna di loro parte con un non indifferente bagaglio di doni naturali ma non tutte li riescono a sfruttare nello stesso modo. Vediamole ora nei dettagli:

1) Biancaneve

Biancaneve è la capostipite delle principesse made in Disney ed è un po’ la rappresentate sindacale di tutte le sue colleghe. Bellissima, bravissima, gentilissima, ingenua da morire (e infatti quasi ci lascia le penne. La mamma le diceva sempre di non accettare cibo dagli sconosciuto ma lei niente, quella cosa non l’ha mai capita) e ammaestratrice di animaletti a tempo perso, Biancaneve è una giovane orfana che vive con la matrigna. Passa le giornate lavando e lucidando la villa dove vive (di proprietà della suddetta matrigna, che approfitta della manodopera gratuita), indossando un misero vestito di stracci. Mentre è intenta a dare la seconda ripassata alle scale del palazzo, che lei è una ragazza precisa e senza internet ci si annoia e bisogna trovare qualcosa da fare, arriva un bellissimo (anche se un po’ effemminato) principe, che se ne innamora perdutamente al primo sguardo. Così, senza parlarle, senza saper nulla di lei, se non che ama parlare con i volatili e cantare mentre fa le faccende di casa. Neanche il nome sa quel poveretto, che magari la pulzella si chiama Genoveffa LaRacchia e ha i piedi che puzzano e l’alito da coltivatore di cipolle.

Ma nei film Disney è così, l’amore arriva all’improvviso ed è irreversibile, come una multa al velox. Purtroppo la venuta di Azzurro (Principe di nome e Azzurro di cognome) scombina il precario equilibrio tra le due donne e Grimilde, la matrigna MILF nota in tutte le locande del regno per il fatto di prediligere i giovani virgulti, prende male il fatto che lui preferisca Biancaneve a lei. Cioè, una ragazzina coperta di stracci, e magari un po’ puzzolente, dato che a lavorare sotto il sole battente si suda, illetterata (figurarsi se l’aveva fatta studiare) e così alla buona da baciare un piccione, si becca le avances di un principe di passaggio? (un principe che tra l’altro meriterebbe una denuncia per violazione di proprietà privata) Mentre lei, bellissima e altera nel suo completino da dominatrix ante-litteram veniva ignorata bellamente? Grimilde non ci vede più e accecata dalla gelosia manda il cacciatore a uccidere la figliastra traditrice. La piccola riesce ad intenerire il bruto facendogli gli occhi da cerbiatta e fugge, trovando ospitalità nella casa-dormitorio dei membri di una cooperativa di minatori diversamente alti dove assume la prestigiosa posizione di colf e cuoca (di nuovo). Grimilde, che scema non è, sgama che il cacciatore non ha ucciso la pulzella in due minuti, si rimbocca le maniche e capisce che il vecchio detto “chi fa da sé, fa per tre” ha un pesante fondo di verità.

Si trasforma in una vecchia e avvelena Biancaneve con una mela, ma i nani, inferociti per la perdita loro schiava sottopagata, la gettano democraticamente in un burrone e seppelliscono disperati la piccola Biancaneve in una bara di cristallo. Il Principe Azzurro ricompare dal nulla, la bacia e lei si riprende, tra i cori di gioia dei nani che non hanno ancora capito che in ogni caso li avrebbe mollati (per andare a lavare il palazzo Azzurro). Quindi, in un colpo solo, la sua bellezza (e il dono del canto) ha procurato a Biancaneve uno spasimante ricco, la gelosia di una donna più anziana e un sacco di guai (sotto forma di un cacciatore dal cuore tenero, sette fastidiosi nani e una mela avvelenata). Il suo vero talento rimane però quello per le faccende domestiche, che si premunisce di coltivare anche presso la fin troppo ricca di testosterone magione dei nani. Da notare anche la sua abilità come ammaestratrice di animalini del bosco, a cui scarica parte del lavoro da donna delle pulizie (averne di cerbiatti e scoiattoli così!).

2) Cenerentola

Un’altra che ha un rapporto difficile con la matrigna, che questa volta arriva coordinata con due amene sorellastre dal carattere allegro e solare di due coyote affamati. Ovviamente Cenerentola è la più bella, brava, umile e gentile del reame e come noto si occupa delle faccende domestiche (ma perchè tutte le principesse Disney di prima generazione dovevano avere un curriculum da colf per potersi sposare il principe? Ma cosa cercavano questi damerini, delle mogli o delle cameriere?). Il principe di turno (che questa volta è così ben caratterizzato da non avere neanche un nome) indice un ballo (o meglio suo padre indice il ballo, il principe non fa un cavolo di niente) a cui ovviamente Cenerentola non ha il permesso della matrigna di partecipare e si limita a piangere tutte le sue lacrime in giardino.

Per fortuna arrivano in suo aiuto un esercito di nutrie e di uccellini, seguiti dalla ben più utile Fata Madrina, una che ha dei poteri cosmici e lascia la sua protetta in stato di semi schiavitù mentre lei si ingozza di pasticcini (a giudicare dalla stazza). Questi riescono, con immensa fatica, ad imbucarla al ballo. Ovviamente Cenerentola conquista subito il principe con la sua sfavillante bellezza e quando fugge per il coprifuoco assurdamente breve (imposto sadicamente dalla solita Fata Madrina) questo raccoglie una scarpina di cristallo che la giovane ha perso (ma si può dare a una che sta andando a ballare una scarpa con il tacco tutta fatta in vetro? Al 100% la poveretta finisce all’ospedale con almeno una caviglia rotta!) e spedisce il Granduca (o meglio lo spedisce suo pare che lui non fa un cavolo di niente) a cercarla.

Morale della favola (o meglio della fiaba), con la sua bellezza Cenerentola conquista un principe smidollato e una posizione sociale (il suo duro lavoro non le serve a nulla, se non a farsi venire i calli alle mani), mentre si attira le ire di una elegante e altra donna più anziana che vede giustamente in lei un pericolo per le sue figlie brutte e stupide e cerca in tutti i modi di tenerla fuori dai piedi (a proposito di piedi, lei ha un happy ending solo perchè indossa delle scarpe ridicolmente piccole, a quanto pare il principe dopo averci ballato tutta la sera non era in grado di riconoscerla). Anche Cenerentola ha imparato ad addestrare gli animaletti che le capitano a tiro (meglio di Biancaneve, qui i topini si vestono e le rispondono pure) e solo grazie all’aiuto di questi riesce a provare di essere stata al ballo (mentre lei, come al solito, ammazzava il tempo piangendo e la Fata Madrina, che al secondo giro non si degna di comparire, probabilmente era all'inaugurazione di una nuova pasticceria). Il fatto di essere intonata non le serve a nulla se non a cantarsi da sola la colonna sonora mentre lava i pavimenti (che è una cosa deprimente che fanno anche Biancaneve e Kronk).

3) Aurora

Dopo Cenerentola arriva in casa Disney Aurora, principessa di nascita (e quindi più raccomandata della media), che riceve i suoi talenti (i soliti, è bella brava, buona e canta bene) in dono dalle tre Fate Buone, insieme ad una allegra maledizione di morte da parte della malvagia Malefica (già il nome è tutto un programma). Quei due geni del male dei suoi genitori hanno deciso, infatti, di non invitare alla festa più attesa del regno, a cui prende parte anche l’ultimo dei contadini, la strega più potente e vendicativa del reame. Una maledizione a quel punto era il minimo che si potessero aspettare. In ogni caso le tre fate riescono a mettere in salvo la pupa (cambiando i termini del maleficio da morte senza appello a sonno finchè il vero amore non ti smolla il solito bacio), la ribattezzano Rosaspina e la fanno crescere in una capanna come una contadinella (la contadinella più snob mai vista, ma soprassediamo). Con questo sotterfugio riescono a tenerla nascosta fino al compimento dei suoi sedici anni (termine ultimo per la maledizione).

L’ultimo dannatissimo giorno fuori dal castello lei incontra casualmente nel bosco il principe Filippo, suo promesso sposo di cui ignora l’identità (e l’esistenza), se ne innamora perdutamente (in tre secondi marci), e decide seduta stante di sposarlo. Alla notizia di essere una principessa e di non potersi accasare con il primo venuto, la giovane entra al volo nella sua fase emo, decidendo di seguire la strega Malefica, di farsi pungere con il fuso dell’arcolaio della maledizione e cadendo nel dannatissimo sonno lungo cento anni (buttando così alle ortiche tutto il lavoro delle Fate). Il resto è storia, le tre Fate Buone vanno a liberare Filippo (che si era fatto catturare pure lui per colpa della principessa che gli aveva dato appuntamento nel posto sbagliato) e lo spediscono a salvare (da solo, che portarsi l’esercito pare sempre brutto, in fondo è solo un principe ereditario) la piccola e indifesa Aurora (e lui ci va, diventando, di fatto, il primo principe a combinare qualcosa di più che non baciare e cantare).

In pratica per Aurora la sua bellezza e il dono del canto (che qui una principessa stonata non è ammessa per legge) sono l’unica ancora di salvezza per la sua stupidità cronica: le procurano un buon partito che la salvi in caso di bisogno e che ha anche il pedigree adatto a non scontentare i suoi genitori. Cosa si può volere di più dalla vita? (I soliti animaletti addestrati? Bhe, ha anche quelli!)

4) Ariel

Per la serie delle adolescenti problematiche in piena crisi di ribellione arriva Ariel, la sirenetta figlia di Tritone, Re del mare, che, pur di dar fastidio a suo padre, giunge ad innamorarsi di un comune essere umano. Il prescelto è il principe Eric, uno che spicca per bellezza e inutilità e che la piccola sirena salva (e già iniziamo male, di solito è la principessa a farsi salvare) da un naufragio. Ovviamente lui non riesce a vederla in faccia (se no sarebbe stato tutto troppo facile, che questi principi hanno l’innamoramento al primo sguardo) ma ne sente solo la splendida voce. Ariel torna negli abissi con il cuore infranto e decide che l’unica soluzione per risolvere il suo dilemma d’amore è quella di rivolgersi a Ursula, la strega dei mari, acerrima nemica di suo padre.

Ora, che questa non fosse esattamente una mossa vincente non ci voleva un genio per capirlo, ma la piccola sirena è troppo innamorata per capirlo. La malvagia fattucchiera le propone di aiutarla, trasformandola in un’umana per tre giorni, durante i quali deve far innamorare di sé il principe Eric, in caso contrario diverrà un’anima perduta (già dal nome si capisce che non è una cosa bella, comunque sono delle specie di vermi che Ursula usa nei modi più iniqui). Come pagamento pretende la sua splendida voce (che qui mica si fanno magie gratuite). Ariel, fiduciosa della sua sfolgorante bellezza e conscia di non aver nulla di intelligente da dire al principe, accetta il patto e si trasferisce sulla terraferma dove si spara ripetute figure da deficiente patentata, lasciando in Eric un discreto senso di sconforto. Ursula, che ama vincere facile, si trasforma in una strafigona da urlo e si presenta all’inutile uomo con la voce di Ariel, la stessa che lui ricorda dal giorno del naufragio, e in quattro e quattr'otto si trova con un matrimonio combinato.

Mentre gongola alla faccia della rossina abbandonata al suo destino, Ariel ha uno scatto di orgoglio, recupera la sua voce con la forza e sta anche per riprendersi il principe quando scadono i tre giorni del contratto (vedi la sfiga nera, pare il coprifuoco di Cenerentola da quanto è preciso). Segue lo scontro finale con la strega (in cui Eric serve finalmente a qualcosa, a poco, ma sempre meglio di niente) e il tanto atteso matrimonio tra i due piccioncini. Ad Ariel, effettivamente, la sua bellezza, di cui va stranamente fiera, non serve a una benemerita cippa, dato tutto quello che serve lo fa grazie al suo coraggio e alla sua voce cristallina. Poteva essere anche Genoveffa LaRacchia e non cambiava nulla. Pur avendo il solito dono del canto non ammaestra nessun animaletto buffo per farle i lavori ma può vantare tre buoni amici.

5) Belle

Belle è la figlia di un eccentrico inventore che abita in un paesino francese. Si distingue dalle altre ragazze del villaggio perchè è la più bella (classico) e perchè pare anche che osi pensare con la sua testa (oltraggio e disonore, le donne devono stare in cucina senza lamentarsi). A differenza delle sue colleghe Cenerentola e Biancaneve non si ammazza di lavori domestici (quelle altre si spezzano la schiena sulle scale di palazzi immensi da far venire pulite e specchio ma lei no, se ne guarda bene) e, come la sua collega Aurora, si limita a fare piccole commissioni. Le sua più grandi passioni sono i libri fantasy (quelli con dentro dei principi in incognito che sposano contadinelle per intendersi) e spararsi degli allegri filmini mentali in cui vive delle fantomatiche avventure (in un mondo senza internet e senza fanfiction bisogna aggiustarsi come si può). A farle una corte spietata c’è Gaston, il giovane più ignorante, puzzolente e manzo del villaggio, una specie di egocentrico narcisista con manie da culturista e una insana passione per la caccia. Or dunque, questa specie di troglodita mascellone con la maglietta rossa e il sorriso smagliante vorrebbe sposarsi la snobbissima Belle che però, fedele al suo ideale fantasioso, aspetta ancora il suo principe sognando nel mondo dei mini-pony.

Purtroppo per lei il principe arriva veramente, peccato che quelli bellocci e inutili fossero terminati, e le capita un bestione alto un paio di metri, tutto zanne e artigli, con un grave problema di controllo della rabbia. Dopo i primi momenti di difficile convivenza in cui lui sembra più che altro volerla sbranare e lei se la tira a sfinimento, le cose migliorano e Belle riesce a scoprire il lato tenero e dolce della Bestia. Parliamo un attimo della scena in cui lei non vuole scendere a cena. C’è un mostro ringhioso fuori dalla porta che le ordina infuriato di uscire e lei invece, fedele al suo snobismo di fondo, gli tira un clamoroso due di picche (il secondo nel giro di un giorno, il primo era già toccato a quel microcefalo Gaston). Ora, se lui non fosse stato realmente un tenerone inside, avrebbe sfondato con facilità la porta le l’avrebbe ridotta ad un gulasch di fanciulla. In ogni caso va tutto bene, i due paiono innamorarsi follemente e sembra anche che la maledizione che ha colpito principe e castello possa finalmente essere spezzata (con il solito vero amore) quando lei scopre, grazie ad uno specchio magico (e qui pirla lui a mostrarglielo), che suo padre è in pericolo e corre via, mollando molto umanamente la Bestia a deprimersi. Per di più, aizza involontariamente i deficienti del suo villaggio contro il castello (difeso dai soprammobili animati).

Niente paura, questo è un film Disney, quindi va tutto bene. I buoni vincono, la maledizione viene infranta e Belle ha finalmente trovato il marito che stava tanto cercando. Il veri doni di Belle sono quello della bellezza (che le procura un sacco di problemi con Gaston) e della dolcezza, anche se la Bestia era così disperato che avrebbe provato a far innamorare di sé anche le sorellastre di Biancaneve se fossero passate da lì. Come tutte le sue colleghe è intonatissima ma usa la sua voce solo per un musical al villaggio e per prendere in giro Gaston mentre nutre le sue galline.

ORA TOCCA A TE

Ecco la domanda: Quale di queste giovani pulzelle sfrutta meglio i suoi talenti naturali? Quale delle cinque riesce ad impiegare al massimo ciò che Madre Natura (o le tre Fate Buone) le hanno donato? La canterina puzzolente (Biancaneve), l’arrampicatrice sociale (Cenerentola), la principessina snob (Aurora), la sirena ammutolita (Ariel) o la sognatrice che si spara i filmini mentali (Belle)? Le votazioni sono aperte! (avete due settimane di tempo da ora per scegliere)
(Volevo fare un post rapido e indolore e invece mi è venuto il solito sproloquio)

Torino Comics 2012 - Rapido resoconto fiera e foto cosplay

2012-04-15T23:20:00.000+02:00

Torino Comics è la fiera del fumetto della mia città e ci vado tutti gli anni ma non è una delle migliori fiere a cui ho partecipato. Anzi, se proprio devo dire (e mi dispiace perchè una volta non era male), è proprio piccolina e ha delle discrete carenze organizzative (anche se la Super Fumettopoli di Assago è riuscita ad essere più piccola ancora).

Non so bene per quale motivo ma l’area mercatino (che poi non so neanche perchè si chiami così, dato che vendono in ogni parte della fiera) è relegata in uno spazio piccolissimo con dei corridoi strettissimi che fanno inevitabilmente tappo e, soprattutto, la zona con il palco cosplay è fuori dalla zona espositiva, relegata in una apposita saletta. Il risultato è che alla fine i cosplayer girano molto meno tra le bancarelle e bisogna pure fare la fila per entrare nella sala malefica sala gialla, quando a fondo sala espositiva ci sarebbe tutto lo spazio del mondo per metterci un palco.

Per quanto riguarda gli acquisti è andata decisamente meglio dell’anno scorso, ~~anche se non era difficile, visto che non avevo trovato assolutamente nulla da prendere~~, e ho trovato qualcosa di interessante. Di materiale non ce n’era tantissimo, ma andando a cercare nelle offerte qualcosa di interessante si poteva trovare (anche se è un trend generale che ho osservato nelle ultime fiere a cui ho partecipato, in cui si trovano molti gadget e pochi fumetti a buon prezzo). Mi dispiace solo che nella bancarella “Tutto a 2€” avessero i numeri di Lone Wolf & Cub che già possiedo.

In ogni caso il mio bottino è stato il seguente:

Tre volumi di Hana-kimi in offerta (me ne mancano solo più due, gioia e gaudio);
Un volume de L’immortale nella già citata bancarella di “Tutto a 2€”;
Il quarto volume di Short Program di Mitsuru Adachi in sconto;
I tre volumi de Mi vergogno da morire presi ad un 3X2;

Quello che mi sono portata a casa

Stavo per prendere anche Blanca di Taniguchi a prezzo di copertina ma ho pensato che tanto valeva ordinarlo al mio fumettaro di fiducia, visto che almeno mi fa il 10% di sconto.

I cospayer erano abbastanza numerosi (non sono entrata nella famigerata sala gialla, non ce l’ho proprio fatta) ma non di altissimo livello, perlomeno se confrontati con quelli visti all’ultima Cartoomics, dove c’erano dei costumi veramente stupendi (in linea generale, non sto parlando del singolo caso, tanto più che ne ho visto girare per la fiera qualcuno che c’era anche a Milano). In ogni caso la loro presenza rende sempre tale una fiera del fumetto e mi diverto sempre incredibilmente a fotografarli, per cui si può trovare una galleria con tutte le foto nella pagina di facebook collegata a questo blog.

Come al solito c'erano un sacco di cosplayer ...

... tra cui svariati non morti di vari generi ...

... che hanno posato anche per dei cross-over un po' azzardati ...

.... ma comunque d'effetto!

Tutti i cosplayer (e coloro che fossero in ogni caso interessati alle foto) che passano di qui cercando le foto li rimando quindi alla pagina di Facebook con la galleria completa:

Prevalentemente Anime e Manga

Promuovi anche tu la tua Pagina

Se vi piacciono, per favore, lasciatemi un mi piace alla pagina!

Sugli annunci non so ancora nulla se non che Pandora Hearts è andato alla Star Comics con gran sollievo del mio portafoglio che temeva finisse a case editrici più costose.

In definitiva Torino Comics si è riconfermata come una fiera discreta, buona per passare un pomeriggio ma meno interessante e grande di Cartoomics. Con buona probabilità ci tornerò anche il prossimo anno dato che ha luogo nella mia città!

Il mio vicino Totoro - Spiriti fiabeschi per Miyazaki

2012-04-13T00:55:00.002+02:00

La locandina italiana del film

Il mio vicino Totoro (となりのトトロ Tonari no Totoro) è un film d’animazione prodotto dallo studio Ghibli nel 1988 per la regia del grande maestro Hayao Miyazaki. Ha vinto il premio Animage Anime Grand Prix e il Mainichi Film Award come Miglior Film nel 1988. In Giappone (e poi nel resto del mondo) è diventata ormai una delle pellicole più famose (i bambini giapponesi conoscono Totoro come quelli inglesi Winnie The Pooh) ed è anche quella grazie a cui il suo regista è salito alla ribalta, diventando poi il simbolo della sua casa di produzione. In Italia, dove siamo notoriamente aggiornatissimi su questi argomenti, Totoro riesce ad arrivare al cinema con soli ventun anni di ritardo, nel settembre 2009 portato finalmente sul grande schermo dalla Lucky Red.

Le due bimbe in visita dalla mamma

Giappone, anni cinquanta, le sorelline Satsuki e Mei si trasferiscono con il padre a Matsu no Gô, un ridente paesino di campagna, per poter stare vicino alla madre, ricoverata in un sanatorio della zona. Arrivati nella nuova casa, abbandonata da tempo, i tre cominciano a fare la conoscenza degli spiritelli che ne hanno preso possesso. I primi che incontrano sono i cosiddetti makkurokurosuke, gli spiriti della fuliggine, esserini neri e dall’aria pelosetta che sporcano i bambini (gli unici che possono vederli) che vi entrano in contatto.

Mei finisce nella tana di Totoro

Qualche giorno dopo la piccola Mei, di soli quattro anni, mentre gioca in giardino, viene attirata dalla presenza di altri due buffi esserini pelosi e saltellanti che, cercando di sfuggirle, la portano fin dentro la tana del signore della foresta locale. Questo è un bestione peloso, a metà tra un orso e un procione, dall’aria morbidosissima e pelosina. La piccola Mei lo identifica subito come un troll, essere che ha già visto in un libro ma, date le sue scarse competenze linguistiche, ne storpia il nome in Totoro. Dopo la sorpresa iniziale di aver incontrato un vero Totoro la bambina cede al sonno e si fa un pisolino ristoratore sulla pancia del bestione. Al suo risveglio si ritrova fuori dall’albero e, non riuscendo più a trovare la strada, si dispera, ma il padre le spiega che è stata molto fortunata a vedere di persona il custode della foresta.

Totoro arriva alla fermata del bus

Qualche giorno dopo Satsuki e Mei vanno ad attendere il padre alla fermata dell’autobus che lo riporta in paese dalla città (dove lavora presso un’università) e, mentre il tempo passa, scoppia un acquazzone. Le due bambine continuano ad attendere pazientemente sotto al loro ombrello finchè non giunge nello stesso luogo anche Totoro. Satsuki si rende conto che lo spirito si sta proteggendo dall’acqua solo con una foglia e decide di offrirgli l’ombrello del padre. Totoro pare molto felice del dono e in cambio regala alla piccola un sacchettino di semi. Poco dopo arriva il Nekobus (Gattobus) un curioso autobus a forma di gatto a otto zampe e dal sorriso sornione, su cui Totoro sale tutto contento con il suo nuovo ombrello. Tornate a casa le due bambine piantano i semi che hanno ricevuto in dono e, durante una bellissima notte, fa la sua ricomparsa Totoro, spirito della crescita, del vento e della natura, che, eseguendo una buffa danza intorno al punto in cui sono stati piantati fa germogliare miracolosamente i semi (anche se il mattino dopo le bimbe troveranno sono dei germogli normalisssimi).

Le bambine in compagnia degli spiriti

Purtroppo giungono alla famiglia delle notizie preoccupanti sulla salute della madre, sempre ricoverata in ospedale, e i medici rimandano un suo rientro a casa. Questa notizia getta la piccola Mei nella più profonda disperazione e la spinge a partire a piedi per cercare di andare a trovare la sua mamma. Satsuki comincia a cercala disperatamente per tutto il circondario e, non trovandola, mobilita anche gli abitanti del villaggio che cominciano a battere i campi e a sondare il vicino lago, sperando di trovarla ancora viva (temono sia scivolata in acqua). Satsuki, pur stremata dalla fatica della ricerca, non si arrende e corre a cercare Totoro, implorandolo di trovare la sua sorellina. Lo spirito buono accorre ancora una volta in aiuto delle due bimbe e, grazie al Nekobus trova in un battibaleno la sorellina scomparsa e poi porta entrambe dalla mamma. Gli adulti ovviamente non si rendono conto di nessuna delle magiche comparse di Totoro, che rimangono sempre sospese tra il sogno e la realtà delle bimbe.

Le protagoniste con il padre

I personaggi importanti alla fine sono veramente pochi ma tutti ben tratteggiati. In primis ci sono le due protagoniste, bambine piccole, che devono affrontare la difficoltà di un radicale cambio di abitudini e di stile di vita, il tutto per cercare di essere il più vicino possibile alla loro mamma malata. Se da una parte c’è Satsuki che, pur avendo solo undici anni, è una bambina diligente e responsabile, dall’altra avremo Mei, emotiva e spericolata, sempre pronta a mettersi da sola in un sacco di guai.

Satsuki e Mei con i vari spiriti che incontrano

Accanto a loro c’è la componente fantastica di questa storia affascinante: gli spiriti. Questi sono rappresentati come dei buffi animaletti pelosi, con gli occhi grandi e il cuore d’oro. Pur non avendo il dono della parola, riescono a farsi capire benissimo dalle due piccole, incarnando, tra le altre cose, dei caratteri molti diversi e ben definiti (ad esempio Totoro è un bonaccione allegro, i due coniglietti sono fifoni e timidi, il Nekobus è estroso e vivace).

La scena della danza notturna per far germogliare i semi

Dal punto di vista tecnico si può osservare che è uno di quegli intramontabili capolavori dello studio Ghibli. La qualità dell’animazione è a dir poco sbalorditiva, specialmente se si pensa che è stato realizzato nel lontano 1988, e il character design è quello classico a cui Miyazaki ha abituato da sempre i suoi spettatori, personale, espressivo, dall’aria retrò nella sua sconvolgente semplicità. I colori sono vivaci e travolgenti e i dettagliatissimi sfondi di un'accuratezza notevole. La colonna sonora di Joe Hisaishi è anche studiata in modo molto accurato, in modo da accompagnare perfettamente l’azione che si sta svolgendo ed è coordinata con due splendide sigle (specialmente la ending). In particolar modo devo ammettere di avere un debole per il Nekobus, è troppo bello in tutti i suoi pelosi particolari.

I protagonisti vanno a pesca

Il mio vicino Totoro è uno di quei film che non risente minimamente dello scorrere degli anni. Dolce, delicato, divertente e magico porterà lo spettatore a scoprire un angolo di spiritismo nipponico, accompagnando le due piccole protagoniste e Totoro nelle loro avventure. La trama è sorprendentemente semplice ma, nonostante tutto, emozionante e poetica. Se da una parte c’è il dramma di una famiglia divisa e di una amatissima madre molto malata, dall’altra c’è un mondo di fiaba, creato appositamente per non far spegnere il sorriso di due bambine, sospese sempre tra la dura realtà e una gradevole dimensione onirica. Bisogna anche dire che questa storia è profondamente autobiografica per il regista Hayao Miyazaki, la cui madre ha veramente sofferto di tubercolosi per ben nove anni, trattenendosi per lungo tempo fuori casa e lasciando un segno nella vita dei suoi figli. Il risultato è una favola poetica e dolce, assolutamente da non perdere, che riesce a raccontare una storia innocente e semplice, priva di un vero antagonista, ma ricca di dolcissimi e pelosissimi spiriti, sempre pronti a dare una mano ad un bambino in difficoltà.

Ending del film. Il video è fatto da un fan ma non sono riuscita a trovare niente di meglio. Lo studio Ghibli ha fatto sopprimere l'audio di molti filmati su Totoro su Youtube.

Doppiaggio o non doppiaggio? Questo è il problema!

2012-04-11T08:30:00.000+02:00

Questione di dilemmi

Visto che ne ho accennato nel post relativo al premio che ho recentemente ricevuto, ho deciso di approfondire il discorso sul doppiaggio. Come ho già detto svariate volte, sono una grande appassionata delle versioni originali con sottotitoli e, pur tollerando occasionalmente la versione italiana dell’opera, preferisco sempre cercare quella con le voci come sono state pensate dai suoi creatori. Il doppiaggio è una pratica abbastanza complessa, che richiede il lavoro di molte persone e che purtroppo spesso porta ad un’alterazione (più o meno voluta) del significato originale. Pur non essendo una purista ad ogni costo questa cosa normalmente mi disturba abbastanza. (Attenzione nel testo c’è uno spoiler segnalato di Magic Knight Rayearth! Pay Attention!)

Avremo quindi le seguenti problematiche:

Non sempre le traduzioni sono le migliori

1) Traduzione: sembra un concetto banale ma comprende sia la traduzione vera e propria del testo che l’adattamento nella lingua di destinazione. Contesti culturali, giochi di parole e doppi sensi peculiari di una certa lingua (o cultura) rendono questo lavoro complesso ed estremamente delicato. In alcuni casi (il MOIGE docet) c’è proprio la volontà di alterare il testo originale, con il risultato che i dialoghi non corrispondono più, ottenendo risultati vari che possono spaziare da indesiderati effetti cominci (come la celebre “Guerra dei quoti” del primo doppiaggio italiano di Guerre Stellari, nato dal fatto che il traduttore non sapesse cosa diavolo fossero i cloni), a stravolgimenti dei significati (come non citare Saint Seiya, con tutto il suo aulico sproloquiare), per giungere a forme di vera e propria censura culturale (ATTENZIONE SPOILER DI RAYEARTH come nella versione Mediaset di Rayearth, in cui Zagato e Emeraude non muoiono ma vanno felici e contenti in un’altra dimensione. Allora qualcuno mi spiega perchè i personaggi piangono tutti per mezza serie successiva? FINE SPOILER). Un anime parla di cose brutte che fanno parte della cultura giapponese? Niente paura, basta epurare tutto in fase di doppiaggio, rimuovendo anche i nomi originali dei personaggi in favore di alcune scelte locali, tipo Marrabbio, Tinetta e Mary, perchè Shige-san, Hikaru e Meiko erano troppo orientali. In caso di bisogno si possono anche aggiungere dei comodi (e inutili) pensieri dei personaggi principali, in modo da alterare ulteriormente la situazione. In generale quando guardo qualcosa di doppiato ho sempre la vaga impressione che ci sia qualcosa di sbagliato nei testi.

L'importanza del sincro

2) Sincronismo con il personaggio: questo è un altro enorme problema del doppiaggio. L’attore deve essere abbastanza bravo da parlare esattamente quando la sua controparte muove le labbra. Sembra facile ma le varie lingue sono molto diverse tra di loro e, a volte, dove nella lingua madre basta una parola per esprimere un concetto elaborato, in quella di destinazione ne occorrono di più (o viceversa), creando dei buffi effetti del genere “e chi diavolo sta parlando ora?”. In generale più le due lingue sono geograficamente distanti e più è difficile effettuare un doppiaggio credibile.

Il modo in cui il personaggio viene interpretato
è fondamentale

3) Recitazione: ponendo che l’attore sia perfettamente in sincro e stia recitando un testo adattato e tradotto alla perfezione, a quel punto deve anche avere una voce aderente con quella dell’attore originale e interpretare correttamente il personaggio. Ora, su questo sono abbastanza pistina. Se nella versione autentica era stata scelta una voce particolare, vorrei che anche nella mia lingua a interpretare quel personaggio ci fosse un attore con quelle identiche caratteristiche. Non come il caso del povero Eagle (sempre di Rayearth), che in originale era doppiato da una donna (Megumi Ogata, che tra l’altro era anche la seiyū della principessa Emeraude) per dargli una voce non particolarmente virile e un po’ sofferta, mentre in italiano riceve una voce profonda che non riproduce nemmeno lontanamente le sensazioni originali. Tra l’altro gli stravolgono anche tutte le espressioni, facendolo gridare quando l’originale sospirava con aria stanca. Se il personaggio bisbiglia, anche tu attore, bisbiglia!

██ Doppiaggio esclusivamente per bambini, per il resto sottotitoli

██ Aree miste: occasionalmente il doppiaggio, altrimenti solo sottotitoli

██ Voice Over: Paesi che di solito utilizzano un lettore o una coppia di

voci fuori campo sovrapposti al doppiaggio originale

██ Doppiaggio generale: viene usato esclusivamente il doppiaggio

██ Impiegano occasionalmente il doppiaggio e spesso usano versioni

doppiate di altri paesi le cui lingue sono facilmente comprensibili

dal loro pubblico

Nel mondo esistono diverse filosofie riguardo la pratica del doppiaggio. Come si può vedere dalla cartina qua sopra (presa da Wikipedia) alcuni stati, tipo l’Italia o quei nazionalisti convinti dei Francesi (ma anche Cinesi, Americani, Thailandesi, Vietnamiti e Coreani), effettuano un doppiaggio di tutto quello che viene passato al pubblico. I paesi del nord e dell’est Europa (più il Portogallo, Israele e la Grecia) tendono invece a doppiare solo i prodotti dedicati ad un pubblico infantile, che avrebbe difficoltà a leggere velocemente, mentre il resto viene tutto sottotitolato. Alcuni stati, tipo il Belgio o i paesi del Maghreb (Marocco e Tunisia, per esempio), utilizzano il doppiaggio effettuato in altre lingue (come il francese), che loro parlano fluentemente. Il Giappone applica entrambe le strategie, proponendo sia i programmi sottotitolati che doppiati, mentre Russia e Polonia tendono ad applicare il cosiddetto Voice Over. Sopra al doppiaggio originale c’è la voce di un attore che legge (attenzione, non interpreta, si limita a leggere) il testo delle battute. Il risultato in questo modo è a dir poco pietoso.

Per i più coraggiosi, ecco un episodio dei Biker Mice from MarsTutte le informazioni sulla serie (Caveat Mentor, parte prima) doppiato con il Voice Over dai russi. Sono aperte le sfide, chi resiste più di mezzo minuto prima di vomitare?

Tralasciando quindi momentaneamente questa pratica indecorosa, adesso vorrei procedere ad analizzare nei dettagli quanto detto prima sul doppiaggio. Mostrerò un’unica scena in svariate lingue del mondo, andando a vedere i pro e i contro dei vari doppiaggi (ne ho trovati ventotto, più una jolly e mi sono parse più che sufficienti).

Il protagonista della scena scelta

La scena presa in dettaglio è la canzone Hellfire (una canzone d'amore per intendersi), tratta da Il Gobbo di Notre Dame della Walt Diseny. Frollo, infatuato della gitana Esmeralda, l’ha fatta rinchiudere nella cattedrale ma Quasimodo, follemente innamorato di lei, la aiuta a fuggire attraverso i tetti di Parigi. All’inizio della canzone il ministro Frollo pensa che la ragazza sia ancora prigioniera, si rende conto che la sua passione per la gitana lo sta portando verso l’Abisso ma non riesce a far altro che desiderarla. Mentre canta e balla la sua disperazione davanti al fuoco del caminetto, arriva una guardia (che si becca anche ingiustamente dell’idiota) a dargli la cattiva notizia della fuga di Esmeralda. Frollo caccia infuriato il suo sopposto e procede con il gran finale della canzone.

Ho scelto questo pezzo perchè, essendo della Disney, è stato relativamente facile trovarlo doppiato in molte lingue diverse, con effetti assolutamente differenti a seconda dell’interpretazione dell’attore e di come suona la lingua parlata. Inoltre, a differenza di altre canzoni, è riuscita a non farmi venire la nausea anche a fronte di ascolti ripetuti (dopo la terza volta di “In fondo al mar” ero pronta ad uccidere). Bisogna notare che tutti i doppiaggi proposti sono di ottimo livello, ben lontani da certe schifezze che circolano a piede libero. La Disney è sempre stata molto attenta ai doppiaggi delle sue opere.

ORIGINALE

1) Inglese: Versione originale della canzone – Tony Jay

Frollo è un uomo che si sente dalla parte del giusto e che per questo è sempre stato pronto a passare sopra ogni atrocità ma che, per la prima volta nella sua vita, tutti i suoi punti di riferimento si sono sbriciolati. Si sente sessualmente attratto da una donna di un’etnia che detesta e vuole averla a tutti i costi. Dopo l’intervento della guardia la sua passione diventa disperazione. Vorrebbe possederla o distruggerla e sa benissimo che in questo processo le probabilità di un happy ending sono pochissime.

EUROPA - LINGUE DI DERIVAZIONE LATINA

2) Italiano: Non potevo non metterla, è parte della mia infanzia – Eros Pagni

Questa versione è decisamente adeguata e coinvolgente. Forse è l’effetto nostalgia che parla per me (da piccola avrò visto questo cartone un gazzilione di volte, sapevo tutti i dialoghi a memoria) ma, a prescindere da un adattamento un po’ libero del testo (Frollo accusa direttamente Dio per le sue passioni) la trovo la sempre buona, anche se meno potente di altre versioni. Oltre al fatto che le parole Beata Maria (tra le più importanti del testo) sono stranamente pronunciate giuste.

3) Francese: Un vecchio che ha ingoiato un’albicocca (tra l’altro i francesi cambiano anche il nome alla canzone, da Hellfire a Infernal) - Jean Piat

Più che la disperazione e il dramma del personaggio qui traspare il drammatico difetto di pronuncia dell’intero popolo francese: la r moscia. Oltre che non è abbastanza appassionato e quindi il fatto che abbia il fiatone prima che entri la guardia è poco coerente. Va meglio nel finale ma tutte quelle r rovinano decisamente l’effetto generale.

4) Spagnolo: Comincia ad esserci qualcosa di sbagliato - Constantino Romero

Tanto per cominciare è abbastanza fuori tempo rispetto all’animazione del personaggio e poi, per ogni parola che dice, mi aspetto che esca Zorro da dietro una colonna e lo blocchi facendogli una bella Z sui vestiti. No, è seriamente terrificante (ma non il peggiore, adesso ci arriviamo), non si può ascoltare Frollo che dice “Yo siempre fui hombre de bien”, pare il sergente Garcia in libera uscita.

5) Portoghese: Dei suoni strani - José Oliveira Lopes

Comincia a 2:05, prima c'è un pezzo di Heaven Light. Il portoghese, come lingua, presenta dei suoni molto strascicati su certe vocali, con un buffo effetto di pronuncia finale. Come una specie di fruscio durante tutta la canzone. L'interpretazione è molto lirica e ispirata ma la lingua, unita al fatto che in italiano si capisce abbastanza, crea un effetto buffo stile Panariello e non rende al massimo l'epicità del momento.

EUROPA - LINGUE GERMANICHE

6) Tedesco: Molto, molto più cattivo del previsto (il nome diventa Feuer der Hölle) - Klausjürgen Wussow

Ok, lo so che il tedesco è una lingua dai suoni duri ma questo Frollo è proprio spaventoso (nel senso che fa proprio paura). Molto più della sua controparte di qualunque altra parte del mondo. Già da come pronuncia quel Beata MaRia con la r così spaventosamente marcata nella prima battuta si capisce come andrà a finire. I bambini tedeschi credo che potrebbero rimanere traumatizzati a vita da questa scena: Frollo pare un gerarca nazista con lievi tendenze isteriche.

7) Olandese: nonno Frollo ti racconta una storia

Pur essendo anche questa una lingua nordica e dura l’effetto è molto diverso dal tedesco. Sembra cantata da un vecchietto dell’ospizio, che se si agita troppo gli viene un colpo. La voce è un filo troppo nasale rispetto a quello che io mi aspetto essere il caro vecchio Frollo ed esprima decisamente poca passione.

8) Fiammingo: decisamente meglio - Peter De Smet

Coinvolgente, ben sincronizzato e adattato benissimo all’azione, ha dalla sua parte anche una lingua perfetta per il pezzo. L’attore la interpreta in modo epico ed esaltante, portando in scena un Frollo disperato e amaro (pronuncia bene anche quel benedetto Beata Maria che è stato croce di molti suoi colleghi).

EUROPA - SUD EST

9) Greco: Strano ma notevole

Oddio, mi fa stranissimo sentir dire Parthena Maria al posto di Beata Maria e sentir chiamare l’Inferno Ade, ma effettivamente, se ci si pensa è così che si dice in greco. La voce è abbastanza azzeccata e l’attore offre una performance appassionata e coinvolgente, forse una delle migliori. Peccato solo che la lingua sia diversa come suoni dall’originale.

10) Ungherese: Massima serietà - Szvétek Laszlo

La voce è molto diversa dall’originale, più cavernosa e imponente. L’attore si impegna parecchio ma non riesce a caratterizzare pienamente il personaggio. Così si perde il tormento interiore di un uomo tirato tra le sue passioni carnali e quello che ritiene essere il suo dovere.

11) Russo: Incredibilmente (per quanto detto prima) di buon livello - Igor Balalayev

L’attore si impegna tantissimo e riesce a pronunciare nella sua lingua piena di suoni anomali una canzone potente e passionale. Devo confessare che è molto meglio di quello che mi aspettavo e che riesce anche ad avere un ottimo sincro, nonostante le lingue siano così differenti. La traduzione ha di nuovo qualche libertà ma credo che fosse inevitabile.

EUROPA - LINGUE SLAVE

12) Polacco: I miei fetish che escono allo scoperto - Krzysztof Gosztyła's

Qui devo confessare di adorare come arrota la r in Beata Maria. Questo è uno dei miei feticismi, non sapevo che in Polonia parlassero così, devo cercarmi qualcosa in polacco. Bella voce, potente, maestosa e offre una canzone appassionata e perfettamente adeguata. Cielo, adoro questa voce (anche se in alcuni punti esagera con il pathos)! La traduzione è un po’ traballante ma la lingua polacca prevede una grammatica molto complessa che è difficile da realizzare stando nei tempi.

13) Ceco: un altro vero malvagio - Jaroslav Horáček

Anche qui l’attore si lascia trasportare dalla sua parte, presentando un Frollo cattivo e motivato, non sempre in sincro perfetto ma con un ottimo adattamento del testo. Per i miei gusti la lingua ceca ha un po’ troppe h aspirate nel testo e la voce dell'attore ogni tanto latita in potenza espressiva, ma sono gusti (Ty svatá Maria è di nuovo strano).

14) Slovacco: Anche questo non scherza

Un'ottima prova da attore, di nuovo si sente molto marcatamente la pronuncia delle lingue slave, che include dei suoni che sembrano strani in bocca a questo personaggio, anche se esprime benissimo la sua ossessione distruttiva. Voce potente, profonda e molto lirica. Notare come l'ungherese (il numero dieci), pur essendo una lingua geograficamente vicina a queste, suoni in modo molto diverso da Ceco, Slovacco e Polacco (che sono invece lingue dello stesso ceppo, praticamente solo dialetti diversi). La traduzione è parecchio libera.

NORD EUROPA

15) Svedese: Un signore composto e super cool - Stefan Ljungqvist

Questa voce trovo che si adatti tantissimo al personaggio. Anche la lingua aiuta, essendo un po’ più dura dell’inglese, e l’attore fa uno stupendo lavoro nel sottolineare la debolezza e la follia del personaggio, che si è fatto scappare la situazione di mano. Rispetto all’originale, che esprime un’amarezza infinita e un senso di incapacità di affrontare il suo fallimento, qui l’attore offre un Frollo molto più controllato. Si tratta di un vero signore.

16) Finlandese: Non male ma si può fare di meglio - Ossi Ahlapuro

Torna il Beata Maria dopo un po’ di latitanza, e la pronuncia della lingua si riempie di k e y. Qui Frollo dice, unico caso, la parola Satana, altrove vietatissima. Si vede che non avevano un sinonimo adeguato. In ogni caso, pur impegnandosi molto non riesce ad essere figo come la sua controparte svedese o potente come il polacco o il greco. Tra le altre cose bisogna osservare che il finlandese non è dello stesso ceppo delle sue colleghe nordiche ma appartiene al gruppo delle lingue uraliche con l'ungherese e l'estone.

17) Norvegese: forse il più scarso del gruppo dei nordici

Nonostante stia cantando una canzona drammatica, passionale e disperata, il suono della lingua Norvegese la rende quasi tenera. L’attore ci metta del suo la lingua proprio non collabora. Sembra di avere a che fare con un incrocio tra Grande Puffo e Paperino (quando parla).

18) Danese: Una specie di mix tra francese e tedesco

L’attore si impegna davvero tantissimo, anche se il sincro latita un pochino. La lingua nordica aiuta di nuovo nell’opera di doppiaggio, rendendo il risultato decisamente epicamente malvagio, anche se non riesce ad essere cattivo come il tedesco.

19) Islandese: Ben fatto per essere un doppiaggio - Jóhann Sigurðarson

Sorprendentemente simile all’originale. Anche se le parole e i suoi diversi, il risultato è praticamente perfetto, anche se più debole di altre versioni (e un filo più lamentoso). Il testo è stato pesantemente maneggiato e, per renderlo adatto alla canzone, viene anche usato un particolare modo di parlare normalmente usato in poesia e non nel parlato comune.

ESTREMO ORIENTE

20) Giapponese: Frollo samurai – Toshihide Mura

Oddio, io amo la lingua giapponese, la trovo adorabilmente musicale ma questa volta non c’azzecca veramente nulla. L’adattamento è discreto, nonostante le notevoli differenze culturali tra i due paesi ma Maria-sama è a dir poco terribile (lo so che si dice così in giapponese ma mi ha sempre fatto ridere). La voce è diversissima dall’originale ma bisogna ammettere che esprime una potenza mica da ridere e che, pur avendo la stessa base, l’effetto è molto particolare. Il fuori sincro che si osserva è dovuto alla scarsa qualità del video

21) Coreano: Voce e lingua assolutamente strani - Lee Sung-Hoon

Una versione di Frollo inaspettatamente delicata e coinvolgente ma la voce è completamente sbagliata. Oltre al fatto che la lingua non mi suona neanche un po’ per la parte, anche se ormai ho sentito questa canzone così tante volte da saperla quasi a memoria. Anche qui la traduzione ha subito un pesante adattamento per renderla comprensibile in coreano.

22) Cinese: Quando la lingua si rifiuta di collaborare

Nell’unica versione che ho trovato prima c’è anche una parte cantata da Quasimodo (Heaven Light). Per Hellfire andate a 1:32. La voce dell’attore è abbastanza buona (anche se un filo troppo lirica) ma in cinese è terribile. Sono i suoni che si rifiutano proprio di andare d’accordo con il video e danno quella strana sensazione di sbagliato, anche se la canzone è cantata benissimo.

23)Tailandese: Una delle versioni più divertenti - Prat Suwannason

Parte dal momento 2:10, prima c’è di nuovo Heaven Light. Il Thai non collabora neanche un po' e, per peggiorare le cose, hanno messo al povero Frollo una voce da ragazzino alle prime armi. Credo che sia la più inascoltabile di tutta la serie. Non c'è dramma, la lingua non sta nei tempi stabiliti, la traduzione è ovviamente molto libera e anche il sincro latita.

MEDIO ORIENTE e NORD AFRICA

24) Arabo Egiziano: Frollo aspirante muezzin

Mi dispiace ma, senza pregiudizio alcuno, posso dire che questa versione è a dir poco inascoltabile. La lingua non si adatta neanche un po’ e non c’è traccia della passionalità delle versioni viste in precedenza. In pratica sembra solo un povero vecchio disperato. Tra l’altro non viene mai nominata Maria, ma si rivolge direttamente a Dio.

25) Ebraico: Sottotono e poco credibile nel contesto
e

Attacca con il classico Beata Maria (su cui calca un po’ la r) ma dopo quelle due parole comincia il dramma. Ricorda vagamente la versione araba ma, oltre a quel MaRia spettacolare, non si avvicina neppure lontanamente alla potenza di altre produzioni. La traduzione è abbastanza fedele. Oltre il fatto che mi fa un po’ ridere l’idea di un cattolico che prega Maria parlando in Ebraico, la lingua di un’altra religione.

SUD AMERICA e CANADA

26) Spagnolo dell’america Latina (Latino): Meglio dello spagnolo (la canzone si chiama Fuego de Infierno)- Fernando Escandón

Innanzitutto riesce ad evitare l’effetto Zorro. Basta un accento leggermente diverso e il risultato finale cambia tantissimo. Frollo tira fuori tutta la sua disperazione e la sua voglia di sopraffare Esmeralda. Canta con passione e dà un’ottima prova da attore infervorandosi fino al punto giusto. La cosa incredibile è quanto sia diversa dalla versione spagnola.

27) Portoghese Brasiliano: Ben fatto ma poco aderente all’originale

L’attore ha una gran bella voce, peccato solo che sia completamente diversa da quella originale e non c’entri assolutamente nulla con il personaggio. Bella performance, molto appassionata ma davvero troppo romanticamente out of character. Per quanto riguarda la lingua tutte quelle sibilanti (specialmente all’inizio) le trovo terrificantemente e temendamente inadatte.

28) Franco Canadese: il Francese che suona meglio di quello della Francia

In ogni caso è abbastanza impressionante vedere come Spagnolo, Portoghese e Francese suonino diverse e abbiano dei testi completamente differenti in America (si può osservare ascoltandone un pezzetto da entrambe in rapida sequenza, sono proprio canzoni diverse). Qui la voce è molto più azzeccata del collega dalla Francia, si lancia in un testo dove compare la parola Gehenna e soprattutto la r moscia è (grazie al cielo) meno marcata. In generale queste tre ultime versioni mi sono piaciute più delle tre dell'Europa.

JOLLY

29) Fandubbed – Ok, è una cosa per ridere ma è fantastico: guardatelo

Questa è la dimostrazione che con un buon doppiaggio farlocco si può alterare completamente il significato dei un video. Molti censori lo sanno e ne approfittano ampiamente. A volte si limitano a piccole limature, altre cambiano proprio il senso dell’azione.

CONCLUSIONI – Chissà se sono stata l’unica a guardarmi tutti questi filmati?

Quindi, ricapitolando, quando si parla di doppiaggio il primo problema che si incontra consiste nel trovare un buon attore che reciti la parte del personaggio in modo adeguato, comunicando allo spettatore tutte le sensazioni del caso, senza esagerare e senza sembrare assente, pur mantenendo i tempi originali. Il testo deve essere, quindi, trattato da un bravo traduttore che lo adatti perfettamente alla lingua in questione (giochi di parole compresi), senza alterarne il significato e senza aggiungere o togliere nulla (letteralmente impossibile). L’ultimo, e non sempre sovrastabile, problema è quello della pronuncia delle parole della nuova lingua. Infatti, le varie lingue suonano musicalmente in modo differente (a volte la stessa lingua suona in modo diversa in base alla prununcia locale, come nel caso di Francese, Spagnolo e Portoghese) e, se alcune sono compatibili, altre sono talmente diverse dall’originale da creare un indesiderato effetto comico.

A questo punto non sarebbe meglio guardare le opere direttamente in lingua madre con i sottotitoli? Personalmente sono un’estimatrice dell’originale, specialmente quando si tratta di anime. La versione italiana mi sembra sempre forzata e con qualcosa di sbagliato di fondo, per via del fatto che i video sono stati studiati per il giapponese, una lingua molto distante dalla nostra. Ultimamente ho cominciato a guardare anche le produzioni americane in madre lingua e devo ammettere che non c’è paragone con le varie traduzioni. In ogni caso, dopo averne sentito anche solo un pezzetto come dovrebbe essere, l’altra versione sembrerà immancabilmente non del tutto corretta.

Tra l’altro, è risaputo che i paesi che abusano della pratica del doppiaggio risultano inferiori agli altri nello studio delle lingue straniere (specialmente l’inglese) e che i bambini che guardano la televisione con i sottotitoli imparano più in fretta a leggere. Passare ai sottotitoli non sarebbe quindi solo un mero vezzo ma anche uno strumento per trasformare le ore passate davanti alla televisione in un utile mezzo per migliorarsi.

Anche nei sottotitoli ce ne sono diverse qualità

Quindi, per tutti quelli che sostengono che leggere i sottotitoli è faticoso o che si basano sulla classica scusa che la scuola italiana di doppiaggio sia una delle migliori al mondo, per cui è un peccato non sfruttarla, abbiamo visto come anche dei lavori fatti ad opera d'arte non riescano a replicare perfettamente l'originale. In alcuni casi (tutto riferito sempre a Hellfire), come per il Tailandese, l'Arabo, lo Spagnolo, il Tedesco e il Norvegese è proprio la lingua ad avere suoni incompatibili. In altri casi, come per il Giapponese, in fase di adattamento vengono necessariamente fatte delle modifiche per renderlo adatto alla cultura ricevente, altre ancora, come per il Polacco, far stare nei tempi di dizione l'attore ha richiesto molto lavoro di limatura sul testo. Imparare a leggere i sottotitoli richiede pochissima pratica e, una volta iniziato, si può godere delle proprie opere preferite esattamente come sono state pensate dai loro creatori, sia per suoni che per contenuti. Non sto parlando necessariamente di fansub. Esistono anche delle versioni ufficiali, presenti in tutti i DVD legalmente acquistati. E in più permettono di fare un po’ di esercizio a costo zero sulle lingue straniere! Come si suol dire “unire l’utile al dilettevole”.

La mia versione preferita di Hellfire, ovviamente escludendo l'originale, è quella Svedese, seguita da quella Slovacca. E tu? Quale hai apprezzato di più? La cosa buffa è che nei commenti di Youtube sotto i vari video c'è sempre qualcuno che scrive "Questo è il migliore" e subito sotto "Io preferisco, invece, un'altra versione!"

PS: non sono riuscita a trovare i nomi di alcuni attori. Se per caso qualcuno li conosce e mi li comunica provvederò ad aggiungerli quanto prima.

La carrozza di Bloodharley - Una storia cupa, crudele e imperdibile

2012-04-09T08:30:00.000+02:00

La cover del volume

La carrozza di Bloodharley è un volume unico disegnato e sceneggiato da Hiroaki Samura (e già il nome dell’autore è una garanzia) nel 2007 per Otha Shuppan. In Italia è stato stampato dalla J-Pop in un’edizione di lusso da 8,00€ con pagine a colori e sovraccoperta. Nasce per un desiderio dell’autore di realizzare una storia che prendesse ispirazione da Anna dai capelli rossi, di cui era particolarmente appassionato, e che gli permettesse di disegnare personaggi in abiti eleganti occidentali, visto che era un po’ stufo di rappresentare sempre e solo kimoni. In prima battuta questo avrebbe dovuto essere un volumetto erotico ma, nel corso della sua realizzazione, si è trasformato in un dramma di speranze e sogni infranti nel più crudele dei modi. Dato che ne ho parlato con Lucius nei commenti del post dedicato a L’attacco dei giganti ho pensato che fosse un manga perfetto da recensire sotto Pasqua.

Una giovane si sporge speranzosa dalla
carrozza che la porta verso il suo futuro

Il Duca N. A. Bloodharley, deputato della Camera dei Lord, è un noto filantropo e tutti gli anni adotta una fanciulla da ogni orfanotrofio della zona. Le giovani ricevono in dono un bellissimo abito e una carrozza le preleva per portale ufficialmente alla compagnia teatrale di Bloodharley, che raccoglie talenti lirici in erba. Purtroppo non è tutto oro quello che luccica (anche se nella forma di un magnifico abito in dono dal futuro padre adottivo) e sul palco a recitare effettivamente salgono sempre molte meno giovani delle prescelte. Le altre vengono, a loro insaputa, selezionate per una pratica orrenda, quella di diventare “agnellini sacrificali” per la cosiddetta “Festa di Pasqua”, in cui i loro giovani corpi vengono offerti come dono ad nutrito gruppo di carcerati.

Arrivata al carcere, alla giovane viene chiesto di
spogliarsi dell'abito della festa

Qui le ragazze, che diventano una sorta di valvola di sfogo per i desideri violenti e carnali di uomini della peggior specie, vengono barbaramente picchiate, violentate e sfigurate, fino al punto in cui infine muoiono per le atrocità subite. Molte non riescono a resistere neanche un paio di giorni. La “festa” è stata inventata dal signore di Bloodharley, un uomo in realtà vile e senza scrupoli, per evitare delle sommosse all’interno della prigione, usando la compagnia teatrale come specchietto per le allodole per attirare le ragazze (e per nascondere la scomparsa delle giovani). Ad accedere alla possibilità di compiere questa crudeltà, come premio per una buona condotta durante l’anno, sono solo i carcerati della peggior specie, tutti ergastolani, come ulteriore misura per evitare che alcuna informazione su questa barbara pratica possa uscire dalle mura del carcere.

E poi viene portata dove ci sono i carcerati in attesa di farne quello che più desiderano

Il risultato delle sevizie

Ogni capitolo del volume si focalizza su un differente aspetto della situazione. A cominciare dal punto di vista delle giovani vittime, passando da quello dei carcerati (in un capitolo molto toccante, dove un condannato viene messo davanti alla reale atrocità che sta per commettere nel modo più crudele possibile) e per arrivare infine a quello dei carcerieri. Pur essendoci alcune incongruenze generali (lo stesso Samura ammette candidamente nelle note finali di non essersi quasi per nulla documentato) il risultato è un’opera coerente e molto coinvolgente. I personaggi sono tantissimi, dato che ad ogni capitolo ne vengono presentati di nuovi, ma tutti incredibilmente ben caratterizzati. Persino la piccola Priscilla, di cui si sente solo la voce, riesce ad avere una sua personalità peculiare. Le ragazze sono tutte diverse tra di loro, con le loro speranze e i loro obiettivi, ma soprattutto con dei caratteri distintivi e sfaccettati. Ogni capitolo diventa una sorta di tassello di un mosaico generale, che mostra l’intera situazione senza mai indugiare su scene volutamente eccessive e senza sprecare neanche una pagina.

Il tratto del maestro Samura in tutta la sua potenza

Il disegno, pur essendo ricchissimo di dettagli, è grezzo e un po’ sporco e si adatta magnificamente ad un’opera di questo genere, grazie anche al suo tratteggio chiaroscuro, imponente e leggermente inquietante, unito ad un uso costante ma oculato dei retini. Il character design è molto personale e coloro che hanno letto “L’immortale” potranno riconoscere immediatamente lo stile inconfondibile del maestro Samura, che si caratterizza con volti realistici e molto espressivi e corpi anatomicamente corretti. Gli sfondi sono sempre molto dettagliati, anche se volutamente vaghi, in modo da non associare i luoghi descritti a nessun posto reale, ma ogni inquadratura è significativa e funzionale. Va notata, infine, la copertina, bellissima e di grande impatto visivo che, insieme alle due tavole a colori all’inizio volume, mostrano le ragazze con gli abiti della festa, pronte a partire per il loro destino, senza sapere se sarà realmente benevolo o meno.

Un'altra ragazza orgogliosa nel suo
vestito nuovo

In definitiva si tratta di un ottimo volume, dove traspira tutta l’abilità di un grande maestro come Hiroaki Samura, e che riesce, in un numero limitato di pagine, a raccontare una storia unica, cruda e estremamente efficace. Le vicende narrate si compongono in un arco narrativo incredibilmente accurato, che va ad analizzare tutti gli aspetti della vicenda, creando un’atmosfera a tratti nostalgica e a tratti decadente. Lo suggerisco a tutti quelli che hanno letto e amato L’immortale e a tutti quelli che vogliono provare a leggere per la prima volta un grande autore come Hiroaki Samura. Il risultato è un volume impressionante, che raccoglie al suo interno delle storie crude e terribili, che riescono a far rabbrividire anche il lettore più corazzato, delle storie di speranze infrante e di ragazze tradite. La carrozza di Bloodharley non è però solo violenza gratuita, c’è anche tutto un notevole lavoro di caratterizzazione dei personaggi e di evoluzione della trama. Nonostante tutto, tra una “festa di Pasqua” e l’altra le cose cambiano. Le persone coinvolte cominciano a capire che c’è qualcosa che non va e qualcosa comincia a muoversi nella direzione giusta, mostrando le crepe di un orrendo sistema. Per saperne di più, l’unica soluzione è leggere il volume.

Webcomics 09 - eMMeKappa

2012-04-06T14:34:00.000+02:00

Rieccoci ad un’altra puntata della rubrica aperiodica Webcomics, dove cerco di scovare e recensire le migliori serie di fumetti on-line disponibili. Per una volta, vorrei dare spazio ad una realtà emergente della mia città, parlando del lavoro di due ragazzi di Torino che si occupano di illustrazioni e fumetti. Quindi, per oggi niente titoli famosi e con una lunga carriera alle spalle, ma andiamo a vedere qualcuno che cerca di fare fumetto in Italia oggi partendo da zero. Il primo componente del duo eMMeKappa (per età) è Umberto Mangiardi, classe 1988, che si occupa della sceneggiatura dell’opera e dei testi del loro blog, Pioggia di China, mentre l’altra, Virginia Chiabotti, che si premunisce di sottolineare di essere del 1990, quindi più giovane del collega, è la disegnatrice. Nel 2010 si sono proposti con la striscia Fosbury, la prima pubblicata sul sito, al concorso di Lucca Comics, meritandosi la menzione speciale. A Torino Comics dell’anno successivo (2011) hanno invece vinto il premio Pietro Miccia con le strisce del gruppo Black & Orange che potete trovare qui.

Giò e Yannick in azione

Come si può osservare dal materiale presente sul loro blog si può apprezzare il tratto pulito e simpatico di Virginia, su cui si innestano perfettamente le battute taglienti di Umberto. I personaggi principali dell’opera sono due bambini, simili per età ma che formano una curiosa dicotomia, creata appositamente per alterare i classici stereotipi razziali. La prima è Giò, una bambina bianca, vivace e allegra, campagnola di origine e dotata di una allegra zazzera arancione (che non si vede perché il fumetto è in bianco e nero ma fidatevi). Diretta, poco curata nel vestiario e grossolana, tradisce con ogni suo gesto le sue origini rurali. Al suo fianco compare Yannick, un bambino di colore proveniente dall’alta società, studioso, rigoroso e sempre ordinato in tutto, abbigliamento compreso. Il contrasto visivo tra questi i due viene accentuato dai loro caratteri così differenti, che li portano ad una continua e perpetua controversia verbale sui piccoli e grandi problemi della vita quotidiana. Si passa da situazioni che hanno origine e svolgimento all’interno dell’ambiente casalingo (come l’importanza dell’ordine in cui fare i lavori domestici, da non sottovalutare) a temi ben più spinosi come quello dei centocinquant’anni dell’unità d’Italia.

Differenti vedute su una corretta scaletta della propria giornata

Recentemente hanno rallentato ulteriormente il loro ritmo di pubblicazione (già blando per motivi di lavoro), per poter realizzare le illustrazioni per un interessante libro di Educazione Civica, Vademecum per le Istituzioni, scritto da Saulle Panizza e Elettra Stradella, professori di diritto dell’Università di Pisa, che si apre con una Prefazione scritta da Gianfranco Fini, Presidente della Camera dei deputati. In un serissimo volume pensato per gli studenti delle scuole medie, incentrato sul funzionamento dei fondamenti della nostra Repubblica e soprattutto sulla Costituzione, i due autori propongono un set di vignette e strisce originali e brillanti (oltre che giuridicamente ineccepibili), che riescono nella difficile impresa di catturare l’attenzione anche di uno studente distratto e svogliato (oltre alla mia, dato che sto sfogliando il volume invece di finire la recensione). Giò e Yannick accompagnano il lettore durante tutta l’opera, discutendo con il loro inconfondibile stile diretto di argomenti normalmente considerati noiosi (non me ne vogliano i giuristi, io accetto di sentirmi dire che certe materie scientifiche tipo la matematica non siano il top per loro), e riuscendo a renderli interessanti.

Puntate precedenti della rubrica

(Ricordo che chi conosce dei webcomics e vuole vederli recensiti basta che me li comunichi in un commento e provvederò a inserirli in lista)

webcomics 00 - introduzione

webcomics 01 - eriadan

webcomics 02 - MoStrip

webcomics 03 - Wulffmorgenthaler

webcomics 04 - Mulholland Dave

webcomics 05 - Singloids

webcomics 06 - InkSpinster

webcomics 07 - The Sparker

webcomics 08 – Dilbert

Bleach - Fine della saga del Sostituto Shinigami Scomparso

2012-04-05T08:00:00.000+02:00

L'immagine non c'entra nulla con il
contenuto del post ma
almeno non contiene spoiler

Ho finito di vedere ieri le ultime tre puntate dell’anime di Bleach, momentaneamente sospeso fino a data da destinarsi per mancanza di materiale, e ho deciso di pubblicare un bel post riassuntivo su quest’ultima saga. Per chi si fosse perso qualcosa avevo già parlato della saga degli Arrancar, fino alla fine della Winter War. Per chi stesse seguendo il manga in italiano avviso, quindi, che ci saranno tantissimi spoiler (lì la saga dei Fullbring è circa a metà) mentre chiedo a chi legge le scan di NON raccontarmi cosa succede nel nuovo arco narrativo. Grazie infinite per la collaborazione. Ora, senza ulteriori indugi, andiamo a vedere cosa contiene questa saga del Sostituto Shinigami Scomparso.

TRAMA CORTA - Alla fine non è che succeda poi molto

Ichigo si ritrova senza poteri a seguito dello scontro con Aizen e decide di seguire ciecamente Kūgo Ginjō, il primo squilibrato che gli promette di restituirglieli, attivando un Fullbring. Viene fuori che in realtà non è esattamente uno stinco di santo e che il suo obiettivo è quello di rubare i poteri da Fullbringer di Ichigo insieme al suo compare Tsukishima e ai membri dell’Xcution (altri Fullbringer). Il loro piano va a buon fine ma sul più bello arrivano un manipolo di Shinigami che restituiscono a Ichigo i suoi veri poteri e fanno una strage di Fullbringer.

TRAMA LUNGA - Epurata, però, di tutte le pare mentale che Ichigo si spara durante la serie

L'uomo che approccia Ichigo. Nella realtà
avrebbe vinto una denuncia per stalking

Ichigo Kurosaki ha perso i suoi poteri da Shingami (e da Hollow) per rilasciare Mugetsu, l’ultimo colpo del Getsuga Tensho Finale e sconfiggere Aizen, al termine della feroce guerra tra Shinigami e Arrancar. Al suo ritorno a Karakura passa diciassette mesi come un comune studente delle superiori, quando, improvvisamente, nella sua vita entra Kūgo Ginjō, un tipo strano (l’ennesimo), che si presenta come capo dell’Xcution. I membri di questa organizzazione sono tutti Fullbringer, ovvero degli essere umani dotati dei poteri spirituali, avuti in seguito di un attacco da parte di un hollow che le loro madri hanno subito durante la gravidanza. Il loro desiderio è quello di perdere i rispettivi poteri, donandoli ad un Sostituto Shinigami. Dato che Ichigo è però senza forza spirituale alcuna, è assolutamente inutile al gruppo (sai la novità spaziale) ma, facendogli sviluppare un proprio autonomo Fullbring è possibile che riacquisti la sua antica reiatsu.

L'allenamento di Ichigo, fatto tramite i poteri di Riruka, Dollhouse

Comincia quindi una noiosissima ed estenuante sessione di allenamento dove il nostro fragoloso protagonista affronta, in ordine: un mafioso innestato in un maiale di peluche, la più scarsa della banda e il caposquadra.

L'entrata in scena di Tukishima, solo a me
ricorda Kuchiki Byakuya?

Durante la procedura di allenamento fa la sua comparsa anche Shūkurō Tsukishima, un nemico dell’organizzazione dotato di strani poteri, intenzionato ad ostacolare Ichigo in ogni modo. Questo prima attacca Ishida (che finisce in ospedale con un braccio a pezzi, ma a nessuno frega nulla), poi Orihime e infine Sado, senza però lasciare loro alcuna ferita. Dalle reazioni di questi ultimi due emerge che il potere di Tsukishima, Book of the end, è in grado di trapiantare nella memoria di una persona dei ricordi fasulli, in cui lui diventa una sorta di benefattore della vittima. Con questa strategia il manigoldo plagia i già labili cervelli di tutti gli amici e i parenti di Ichigo, spingendoli a trattare il povero protagonista come un deficiente emarginato. Ichigo reagisce da vero uomo (see, quando mai), sfoggiando una delle migliori crisi isteriche di sempre e fuggendo con Ginjō, l’unico a non aver ancora subito l’attacco di Tsukishima.

L'arrivo di Ishida, bad-ass come al solito

Poco dopo sopraggiunge anche Ishida (l’unico sano di mente del vecchio cast) che svela al povero fesso che il suo aggressore in realtà è stato Ginjō stesso (cosa anche facilmente comprensibile, dato che la sua ferita non era in alcun modo compatibile con quelle inferte da Book of the end ma perfetto per quelle di Cross of Stafford) e i Fullbring rivelano il loro vero piano. Infatti, sono tutti nella stessa fazione e si erano fatti manipolare volontariamente la memoria da Tsukishima per meglio ingannare Ichigo (no, questi sforzi non sono serviti a nulla, il ragazzo è così scemo che li avrebbe seguiti anche senza fare sto casino infernale) e rubargli il suo nuovo potere da Fullbringer, cosa che puntualmente avviene. Tutto sembra perduto quando improvvisamente arriva la cavalleria, nelle persone di Urahara Kisuke, Kurosaki Isshin e Kuchiki Rukia che, non solo ridanno a Ichigo dei poteri da Shinigami, ma sono anche l’avanscoperta di una nutrita truppa di ufficiali dei Gotei 13 (non nel senso che ce ne sono tanti, ma che sono potenti) che spande figaggine da ogni poro.

Heilà Ichigo, indovina un po' chi è venuto a salvarti le fragolose chiappe?

Giungono sul luogo, infatti, Zaraki Kenpachi (con un nuovo taglio di capelli e una nuova benda), Kuchiki Byakuya (con un look totalmente rimodernato), Abarai Renji (con la sua solita ananas in testa), Ikkaku Madarame (il caro vecchio tamarro doc dell’undicesima compagnia) e Hitsugaya Toshiro (sempre tappo come prima, ma con una sciarpina in più intorno al collo).

Ichigo con i suoi nuovi uber poteri
da Shinigami

In pratica tre capitani, più due ufficiali in grado di rilasciare il Bankai e Rukia (inutile come suo solito ma pazienza), quindi Urahara e Isshin ne approfittano per togliere il disturbo e lasciano la scena ai colleghi graduati. Finalmente è ora di menare le mani (specie quelle di Kenpachi che prudevano da un po’) e i Fullbring si dividono (molto astutamente), sfruttando i poteri di Yukio, capace di creare delle stanze in cui le varie coppie possono picchiarsi senza disturbare gli altri. Seguono alcuni degli scontri più inutili e noiosi di sempre che portano ad una totale e irrimediabile disfatta dell’Xcution che, alla fine della saga, conta tre morti, tre feriti e un prigioniero (poi rilasciato). L’unico colpo di scena dell’intera serie è quando Ginjō, durante lo scontro finale, rivela a Ichigo di essere il precedente Sostituto Shinigami (quindi il titolo della serie si riferiva a lui) e che il reale funzionamento del suo badge ha un paio di funzioni segrete di cui Ukitake non gli aveva parlato al momento della consegna. Giusto due cosine.

L'opinione di Kenpachi su questa saga

In pratica il distintivo serve a controllare i movimenti del suo possessore e a sopprimerlo in caso di tradimento. Ginjō non ha preso bene queste limitazioni (che invece io ritengo abbastanza sagge, visto che il Gotei 13 sta lasciando uno armato e pericoloso a piede libero, ma che, a quanto pare, non funzionano poi benissimo, visto che l’amico Ginjō è vivo, vegeto e ricercato) e vuole vendicarsi del capitano della tredicesima compagnia, coinvolgendo a questo punto anche Ichigo. Per una volta la stupidità del protagonista ne è anche la salvezza, dato che lo spinge ad ammettere di essere sicuramente meno intelligente di Ukitake (uno che, ricordiamo, è uno dei personaggi più brillanti della saga) e a fidarsi di lui. Tutto è bene quel che finisce bene: Ichigo ha di nuovo i suoi poteri, Kensei, Hirako e Rose hanno riottenuto il posto da capitani (gli altri Vizard sono non pervenuti, ma, insomma, le posizioni libere erano solo tre, quindi gli altri prego circolare, qui non c’è nulla da vedere), Ukitake si riconferma bravo ragazzo (vedere paragrafo sotto per dettagli) e i Fullbringer scompaiono nella nebbia così come erano comparsi.

Tutti i power-up di Ichigo Kurosaki dall'inizio della storia fino alla saga in questione. Mancano solo il suo Fullbring (ma tanto dura pochissimo) e la versione shinigami-potenziata

PERSONAGGI – visto che degli altri ho in mente di parlare in degli appositi post qui dedicherò spazio solo a quei poveri terremotati dei Fullbringer

Come si può dubitare di un tipo con delle così buone intenzioni?

Kūgo Ginjō

Il capo banda, l’ex Sostituto Shinigami, quello miracolosamente sfuggito alla lunga mano della Soul Society anche se tiene abitualmente il badge che dovrebbe controllarne i movimenti sempre in tasca. Circuisce Ichigo raccontandogli delle storielle su Urahara e su suo padre (su cui tra l’altro non si avrà alcuna spiegazione) e lo allena solo per fregargli allegramente i poteri. Bravo Ichigo, continua a fidarti degli sconosciuti, ti è andata bene due volte (con Urahara e i Vizard) e tu continui imperterrito, prima o poi ti troveranno in un fosso senza un rene! In ogni caso Ginjō è il cattivo principale, si scontra contro il protagonista e perde ridicolmente. Non si capisce bene perché ma, nonostante sia un Sostituto Shinigami (lo si vede anche in divisa), possiede un Fullbring che si chiama Cross of Scaffolds, che è anche in grado di fondere con i suoi vecchi poteri da Shinigami. Questa forma evoluta della sua arma è una sorta di Shikai a cui segue un Bankai di chiara influenza hollow (ha anche un inutilissimo cero).

Tsukishima ammette il suo punto debole. Solo a me ricorda la storia di Stark?

Shūkurō Tsukishima

Finto cattivo principale della serie, amico del cuore di Ginjō e maestro di Shihigawara, si batte con Kuchiki Byakuya che lo affetta senza tante remore, nonostante gli abbia impiantato dei falsi ricordi con il suo Fullbring Book of the end. Tra tutti gli scontri della saga questo è forse il più interessante (dura più di dieci secondi e prevede solo un mini flashback), anche se non capisco proprio come possa essere considerato migliore (da Byakuya) rispetto a quello con Zommari o con Yammi (anche se lì il capitano della sesta compagnia sembrava più interessato a picchiare Kenpachi).

Riruka in tutta la sua estrema dolcezza e gentilezza

Riruka Dokugamine

La bimbaminkia del gruppo. Perché a quanto pare non ce n’erano abbastanza a Soul Society di cretine ritardate e, secondo Kubo, ne serviva una nuova di pacca. Isterica, insopportabilmente irritabile e irritante, ama tutto ciò che considera “carino” e, grazie ai suoi poteri chiamati Dollhouse, è capace di rinchiuderci all’interno degli essere umani vivi (spesso miniaturizzati). È rimasta traumatizzata dal fatto che, avendo rapito e messo in una scatola un tipo che le piaceva, questo, invece di amarla follemente, la considerasse pazza e pericolosa (come non capirlo, una spostata con i capelli fuxia lo teneva prigioniero in una scatola piena di lustrini). Si batte contro Rukia in uno degli scontri più inutili di sempre dato che, avendola sconfitta (o meglio Rukia si fa fuori da sola, in una scena da LOL che di solito spetta a Renji), decide di lasciarla andare liberamente. Si fa ferire volontariamente da Tsukushima per proteggere Ichigo (per non chiariti motivi), quando il buon fragolo era capacissimo di proteggersi da solo da uno con mezzo petto gentilmente asportato da Byakuya. Fa amicizia con quell’altra mentalmente instabile di Orihime e alla fine della saga, dopo essere stata curata da Urahara, sparisce nel nulla.

Yukio in un momento di estrema umiltà

Yukio Hans Vorarlberna

Se c’è una bimbaminkia non può mancare il moccioso saccente della banda. Yukio è un ragazzetto biondo con gli occhi verdi, cinico, perfettino e pieno di soldi. Passa il suo tempo a lamentarsi di qualcosa (o di qualcuno, specialmente di Riruka) o a giocare con una console portatile (nel manga un Nintendo 3DS, mentre nell’anime una PSP) che è anche il veicolo per i suoi poteri. Il suo Fullbring si chiama Invaders must die e prevede di trasportare i “giocatori” in un mondo virtuale con delle regole totalmente inventate da lui. Ama anche definirsi Dio (deliri di onnipotenza da bambino stupido). Si batte con Hitsugaya che lo cattura e lo porta fuori dal gioco impacchettato in una pratica confezione di ghiaccio. Alla fine della serie se ne va via con Jackie.

Jackie intenta a mostrare la sua inesistente abilità in combattimento

Jackie Tristan

Una tipa di colore scostante e dall’aria da dura. In realtà è la solita incompresa con un trauma alle spalle (che Kubo si premunisce di non raccontare, sia mai che lo spettatore provi un po’ di empatia per il personaggio) che se la tira ad oltranza per poi prendere un fracco di botte prima da un Ichigo ancora in fase di addestramento e poi da quella schiappa siderale di Renji (quello che, ricordo, neppure insieme a Ishida è riuscito a sconfiggere Syzel Aporro, l’espada che per sua stessa dichiarazione era incapace in combattimento). Visto che Yukio aveva deciso di distruggere la stanza virtuale dove combattevano perché Renji non si decideva ad ucciderla, dopo averla brutalmente sopraffatta, si fa esplodere per salvarlo, ma nel finale si vede andar via priva di poteri insieme al ragazzino. Il suo Fullbring si chiama Dirty Boots ed è un po’ un plagio dei Dark Boots di Linalee Lee di D.Gray-Man, solo che va sporcizia. Ovvero, quanto più i suoi stivali sono luridi e più forte lei diventa. Alla fine è un personaggio che non ha neanche una briciola infinitesimale del fascino e della potenza distruttiva di Yoruichi (di cui ha lo stile di combattimento e il colore della pelle).

Giriko si rende utile come può al suo gruppo

Giriko Kutsuzawa

Viene presentato come una specie di maggiordomo con una benda sull’occhio destro. Serio, elegante, compassato e dall’aria pericolosa sembra uno dei più forti dell’Xcution. Il suo Fullbring si chiama Time Tells no Lies ed è in grado di manipolare il tempo. Se determinate condizioni che lui stesso pone non vengono rispettate distrugge qualunque cosa grazie alle implacabili fiamme del tempo. Si scontra con Zaraki Kenpachi (com’è che i tizi con una benda sull’occhio toccano sempre a Ken-chan?) e qui mi aspettavo un combattimento spessissimo dove il violento capitano dell’undicesima compagnia fosse messo in difficoltà dalle tecniche sofisticate delle leggi temporali di Giriko. In pratica una battaglia tra una specie di troll di montagna che carica a testa bassa urlando e sbavando e un intelligente stratega che lo mette alle strette con fini trappole. E invece Giriko cosa mi combina? Il deficiente si trasforma anche lui in un troll di montagna e carica Kenpachi. Il risultato è che lo scontro dura tre secondo netti: quelli che servono al nerboruto capitano di lamentarsi che è stata una battaglia noiosa (come non capirlo!).

Il peggior sgherro che si possa scegliere. Il suo unico pregio è quello di essere fedele

Moe Shishigawara

Una specie di tamarro teppista alle dirette dipendenze di Tsukishima. Non fa parte ufficialmente dell’Xcusion e Ginjō lo vorrebbe morto prima della fine della serie perché lo considera pericoloso. Il suo potere, Jackpot Knuckle, gli consente di ottimizzare il danno che fa colpendo qualunque cosa con un pugno. Combatte con quell’altro tamarro pazzesco fissato con la fortuna di Ikkaku Madarame e ben presto la lotta diventa una sfida a chi ha la testa più dura (letteralmente). Ovviamente vince Ikkaku, che viene anche rimproverato dal suo capitano per essersi fermato a fare la paternale al suo avversario (brutto difetto di molti Shinigami), invece di finirlo in fretta. Alla fine si allontana dal luogo degli scontri portando via uno Tsukishima moribondo. Pur essendo un tirapiedi imbranatissimo (credo che in tutta la serie non porti a compimento neppure un ordine del suo capo) ci mette l'anima in quello che fa ed è fedelissimo a Tsukishima.

UKITAKE - Parentesi dove analizzo il personaggio e faccio un paio di considerazioni sulla trollosità di Tite Kubo - Per chi non fosse interessato a conoscere la mia Inner Fangirl: salti pure al seguito senza remore

Questo paragrafo è scritto in collaborazione con la mia Inner Fangirl (la Fangirl Interiore, un’aspetto della propria personalità da non sottovalutare, per i maschietti disponibile come Inner Fanboy. Ognuno ne ha una/o), che chiameremo AIF (Acalia’s Inner Fangirl), Pina per gli amici. Normalmente riesco a tenerla abbastanza sotto controllo grazie al Buon Senso ma quando si parla di alcuni personaggi in particolare Pina diventa incontenibile, uscendo autonomamente allo scoperto (E vorrei ben vedere! Quando si parla dei miei beniamini nessuno mi può fermare!) ~~e facendomi scrivere certe boiate che mi faranno perdere tutti i lettori~~. Come si può osservare qua sopra Pina lascerà i suoi ~~adorabili~~ commenti in viola per tutta questa sezione della recensione (in verde le mie risposte dirette a lei). Ignoratela, grazie. (Col cavolo!) Diciamo che quando c’è qualche personaggio che solletica la fantasia perversa di Pina (per fortuna sono veramente pochi) sono disposta a leggermi volumi e volumi di cavolate su gente che fa l’emo-tamarro solo per avere mezza vignetta con il soggetto che apprezzo particolarmente (mai che ci affezioniamo ai protagonisti? eh?) (Senti, Pina, non cominciare a farmi la paternale adesso, sei tu che scegli i personaggio che ti piacciono) (Giusto! Potere alle Inner Fangirl!)

Tornando a noi, il prescelto questa volta è Ukitake Jūshirō, uno dei capitani che meno compare in tutta l’opera ma che presenta alcune caratteristiche fondamentali per piacere a Pina (Ha i capelli bianchi e il volto giovane! Ho il fetish per i personaggi giovani con la chioma candida!). Appunto,tutti motivi molto razionali e intelligenti. (Non rompere e inizia con la descrizione, per dire è uno che prende un gazzilione di punti al nostro famoso Test di Figaggine™).

Sulla schiena ha il numero tredici,
quello della sua compagnia

Ukitake Jūshirō (浮竹十四郎 ) è il capitano della tredicesima compagnia Shinigami di Bleach ed è anche uno dei quattro ufficiali più longevi dell’intero Gotei 13. Insieme a Kyōraku Shunsui (anche lui mi piace!), suo compare e vecchio amico, nonché capitano dell’ottava compagnia, formano il duo dei primi comandanti usciti dall’accademia di Yamamoto e sono stati anche addestrati dal vecchio generale in persona. Ukitake ha una malattia debilitante e incurabile ai polmoni (Kubo sei un bastardo! Perchè, maledizione, spiegami il perchè! Che ti ha fatto di male?) che, sin da quando era piccolo lo costringe a passare molto tempo a letto (ed è anche causa dei suoi capelli candidi, diventati così in soli tre giorni in occasione della sua prima crisi).

Ukitake affetto da una crisi

Questa patologia manifesta i suoi sintomi con maggior efficacia quando il (bel) dio della morte è agitato o quando combatte per lungo tempo, motivo per cui spesso è tenuto lontano dal campo di battaglia. Nonostante tutto è uno Shinigami che siede nel seggio da capitano da più di duemila anni (duemila, mica bruscolini, quando ha iniziato la sua carriera faceva il Konso agli Antichi Romani!), mentre i suoi colleghi hanno una tendenza a morire molto più giovani (Non sono all’altezza!). (Pina non farti prendere la mano please, che siamo solo all’inizio e mi fai scappare i lettori).

Figlio maggiore di una famiglia della piccola nobiltà del Seiretei mantiene con il suo stipendio da capitano ben cinque fratelli e due sorelle (più i genitori e svariati parenti) ed è diventato una sorta di figura paterna per tutto il Gotei 13, dato che non nega a nessuno una buona parola o un sorriso (è molto intelligente e sensibile, per cui è estremamente abile a giudicare al volo le persone, specialmente se c’è qualcuno che ha bisogno di una mano o di una spalla su cui piangere). A volte fa dei regali apparentemente senza motivo ad altri Shinigami. Molti degli ufficiali suoi colleghi vanno da lui per un consiglio (o delle caramelle, che porta sempre all’interno del suo haori).

Tranquillo, pacato, gentile, amante dei bonsai, anche se dotato di scarso senso artistico nella potatura (chi se ne importa, qualche difetto glielo si può anche concedere) , dei koi (le carpe giapponesi) e della buona cucina, è anche l’unico capitano a partecipare all’associazione Uomini Shinigami (e probabilmente l’unico motivo per cui quel gruppo ha ancora un minimo di amor proprio) ed è stato eletto dalla potentissima associazione Donne Shinigami come miglior scapolo dell’intero Seiretei.
(Una sua raccolta di foto a petto nudo, chiamata Sickbed e realizzata con la forza da Soi Fon e Kyone è andata letteralmente a ruba nella Soul Society! E quando Soi Fon chiede alla collega se deve togliergli anche i pantaloni con i suoi kunai tutte le fangirl del mondo erano con lei!) (Pina, ti prego, un minimo di decoro)
Nel tempo libero scrive una ormai lunghissima serie di racconti per il giornale locale chiamata "Rifiuto dei Pesci Gemelli!" (Sōgyō no Okotowari!), adorata da tutti i bambini dei Seiretei. Il protagonista è Sōgyō, un ragazzo che combatte il male e salva gli innocenti abitanti del villaggio.

In realtà, pur essendo un comandate potentissimo e rispettatissimo da tutti partecipa a tutte le attività possibili organizzate dai Seiretei (condizioni di salute permettendo), per cui si troverà in tutti i siparietti e le side story varie. Dalla gara di castelli di sabbia (in qualità di arbitro) allo scontro a palle di neve, non si tira mai indietro, trovando sempre un po’ di tempo da dedicare ai suoi sottoposti (e ai membri delle altre compagnie!). È il capitano di quella piattola di Kuchiki Rukia (che non si capisce bene in base a quali meriti ne diventa anche il nuovo tenente) ed è stato il maestro di figure del calibro di Kuchiki Byakuya.

Lo shikai di Ukitake

Al momento dell’azione si dimostra un soldato serissimo e preparatissimo. Esperto di Kido (le arti magiche degli Shinigami) e di Shunpo (il passo lampo), possiede una delle due sole zampakuto (anche la sua arma è più figa della media!) a doppia lama dell’intero Aldilà: Sōgyo no Kotowari (双魚の理, Logica dei Pesci Gemelli). Il comando per rilasciare lo Shikai è il seguente:

Che tutte le onde siano il mio scudo. Che tutti i fulmini siano la mia lama

波悉く我が盾となれ雷悉く我が刃となれ

nami kotogotoku waga tate to nare, ikazuchi kotogotoku waga yaiba to nare

Ha il potere di deflettere e modificare gli attacchi avversari e il Bankai per ora è ancora avvolto nel più stretto riserbo.

Leale, corretto e dotato di una grande integrità morale affronta con rispetto ogni battaglia, rifiutandosi però categoricamente di battersi con dei bambini (che adora, pur non potendone avere di suoi per via della malattia), anche se si tratta di arrancar. Il suo senso di giustizia è molto radicato ed è pronto a sfidare il suo maestro pur di seguirlo (Bello, bravo e forte. Cosa si può volere di più dalla vita? Una voce sexy! Che ha! Ha lo stesso seiyuu di Itachi Uchiha di Naruto). Ha una sua filosofia molto particolare sul combattimento, sviluppata durante i suoi millenni di servizio:

Ci sono due tipi di battaglie. Finché continueremo a combattere dovremo sempre sapere di quale si tratti. C'è una battaglia per proteggere la vita e una battaglia per proteggere il nostro onore

(a Rukia durante lo scontro con Kaien Shiba hollowizzato)

Dopo questa pappardella (con cui spero di aver interessato della altre colleghe Inner Fangirl) di introduzione sul personaggio, che incarna un po’ la figura del vero samurai, passiamo a vedere il modo in cui Tite Kubo (il suo autore) lo tratta (male!). Nella prima saga (anche se ne passa metà a letto), gli va relativamente bene. Insieme al suo compagno di avventure Kyōraku salva le chiappe di Ichigo dal barbecue più grande che abbia mai visto distruggendo il Sokyoku e poi si batte con Yamamato per una differenza di vedute sul concetto di giustizia.

Ok, so che è una fanart ma è perfetta per
mostrare come l'autore ha descritto il
personaggio*

(Maledetto Kubo! Perchè non hai disegnato quello scontro! E poi il vecchio non aveva argomenti, passa ad uno combattimento fisico perchè schiacciato su quello verbale!) C’è anche un flashback su come Rukia, che non obbedisce a morire agli ordini, abbia dovuto uccidere Kaien Shiba (il suo ex-tenente) perchè hollowizzato. Ovviamente, per permettere alla tappa di avere tutti i sensi di colpa del mondo, in quel momento Ukitake viene colpito da una crisi della sua malattia cronica, che gli impedisce di combattere al meglio (Ma non di non preoccuparsi ad oltranza dello stato di salute della piattola!).Pace fatta con il suo maestro si occupa di supportare un po’ tutti quelli che hanno accusato il tradimento di Aizen, indaga sugli Arrancar e spedisce Rukia a cazzeggiare nuovamente nel mondo terreno, così per farle cambiare un po’ aria che male non le fa. Durante lo scontro finale contro gli Espada viene abbattuto in modo a dir poco ridicolo da quel decelebrato di Wonderweiss Margera (E qui Kubo comincia a trollare pesante!) . Lo ritroviamo a fine saga vivo e vegeto (Temevo seriamente fosse morto. Ed ero pronta a fare una spedizione punitiva a casa di Kubo!) ad origliare mentre Yamamoto striglia Byakuya, Kenpachi e Kyōraku (rei di aver perso l’haori da capitano), mentre pare molto preoccupato per il futuro della Soul Society.

Nel manga ha gli occhi verdi, mentre nell'anime
sono marroni

Ma il massimo della trollitudine possibile (si può dire trollitudine? No? Bhe, pazienza) Kubo la raggiunge alla fine della saga del Sostituto Shinigami Scomparso (quella di cui stiamo parlando insomma – quindi fin qui questa sezione della recensione era una sorta di introduzione, oltre che un modo per far contenta Pina), in cui Ginjō asserisce che il buon capitano della tredicesima compagnia è un personaggio malvagio, facendo intendere per un paio di capitoli che potrebbe anche essere il cattivo finale della serie (ripetendo, tra l’altro, l’effetto di “End of Hypnosis” in cui Aizen rivelava la sua vera natura). L’effetto immediato è che internet si è riempito di spoiler su un presunto “Evil Ukitake”, (Seguiti da una notevole salva di improperi e da scene di pubblica disperazione) (ora, cara Pina, non mettiamola così tragica, anche se molto a grandi linee questa è stata la reazione dei fan del personaggio), e poco dopo Kubo ha fatto una rapidissima retromarcia riposizionadolo come personaggio buono e affidabile. Ma tipo una cosa del genere “Ragazzi, dai scherzavo, si vedeva che Ginjō la stava facendo troppo lunga. Tutto bene, Ukitake non lo tocco più!”. (E, per farsi perdonare, regala ai lettori incattiviti una pagina che pare l’incipit di una fanfiction yaoi ShunXUki) (Pina non volare troppo di fantasia, grazie) (ma è vero quest’immagine – qua sotto – è perfetta per quello scopo). Con questo ultimo colpo di mano Kubo dimostra che questa saga era assolutamente campata in aria a studiata pochissimo, dato che l’unico apparente colpo di scena su cui era montata si squaglia come neve al sole.

La pagina finale di cui si parlava poco prima

*i due bambini sono la materializzazione di Sōgyo no Kotowari, tratti dal filler sulle Zampakuto.

CONCLUSIONI - E anche questa volta siamo riusciti a vedere la luce in fondo al tunnel (Pina è tornata sotto controllo)

Ichigo tiene il badge e alla fine tutto rimane ...

In definitiva si può dire che questa saga di Bleach è stata fondamentalmente utile solo a far tornare i poteri a Ichigo e giustificarne un ulteriore e non meglio chiarito power-up (sono tutti bravi a diventare più forti se tutti gli ufficiali del Gotei 13, più qualche altro Shinigami di spicco, ti donano parte dei loro poteri). Ai fini della trama generale non cambia assolutamente nulla da prima e tutti i personaggi che sono stati introdotti o sono totalmente insignificanti (come Unagiya, la datrice di lavoro di Ichigo) o scompaiono a fine serie, lasciano il cast principale assolutamente invariato. Gli scontri interessanti, ovvero quelli che coinvolgono gli Shinigami (onestamente non me ne fregava nulla vedere svariati episodi dedicati a Ichigo che si allena con un porcellino gigante) sono talmente brevi da essere infinitesimali e da lasciare lo spettatore con un gran senso di insoddisfazione.

... esattamente come prima

Per non parlare poi di quando Kubo si diverte a trollare i suoi lettori. L’unico colpo di scena di tutta la serie è una brutale finta ed è anche assolutamente inconcepibile. Spero onestamente che questa serie (che mi è parsa assimilabile ad un qualunque filler banale) sia stata solo uno scivolone e che la nuova saga (di cui non so ancora nulla, niente spoiler please) sia molto più interessante ed articolata. Bleach è partito come un bel manga, pieno di personaggi carismatici ma, purtroppo, tra la fine della saga degli Arrancar e questa serie ha decisamente perso un po’ di smalto. Incrocio le dita per il futuro! Anche perchè a me Bleach piace e mi dispiace doverne parlare male!

Sigla della serie

L’attacco dei giganti - Uno shōnen crudo e violento

2012-04-03T08:30:00.000+02:00

Cover originale del primo volume

Finalmente riesco a scrivere la recensione del manga L’attacco dei giganti (Shingeki no Kyojin, 進撃の巨人) che avevo visto due settimane fa a Cartoomics ma che ancora non era arrivato al mio fumettaro di fiducia (ogni tanto si perde dei pezzi). Si tratta di un manga di genere shōnen horror, scritto e disegnata dal magaka emergente Hajime Isayama. Creato nel 2009, attualmente in prosecuzione, nel 2011 ha vinto il prestigioso premio giapponese Kodansha Manga Adward e attualmente conta in madrepatria sei volumi. Il primo è stato stampato in Italia da Planet Manga in una classica edizione bimestrale a 3.90 € da edicola, senza pagine a colori e senza sovraccoperta. Nel 2013 verrà anche realizzato un film live action basato sui fatti narrati in questa serie. Ultimamente sta ricevendo grande attenzione dal pubblico internazionale (e quindi una grande pubblicità dalle case editrici), per il suo stile e il suo contenuto particolare. Pur essendo uno shōnen, può sembrare ad uno sguardo disattento un vero e proprio seinen.

L'inviolabile Wall Maria viene violato

La razza umana vive rinchiusa dentro a città protette da poderose mura da quando, un centinaio di anni prima, sono improvvisamente comparsi sulla terra i famigerati giganti. Questi sono delle creature enormi, alte fino a quindici metri, orribili, violente e voraci di carne umana. Hanno compiuto in pochissimo tempo immense stragi, costringendo i pochi supertesti a cercare un minimo di sicurezza dietro a delle spesse mura in pietra. Purtroppo, un brutto giorno, fa la sua comparsa un gigante veramente colossale che riesce a superare e ad abbattere il Wall Maria, alto ben cinquanta metri, permettendo ai suoi compagni di penetrare nella città e di compiere ulteriori massacri. Tra le vittime c’è anche la madre di Eren e Mikasa, che viene letteralmente divorata davanti ai propri figli. Il piccolo Eren, shockato da questo episodio, giura di distruggere i giganti e di vendicare tutti gli esseri umani periti per mano (o per bocca) loro, e si iscrive, insieme a Mikasa e a Armin (un amico d’infanzia), al corso per diventare guardie. Proprio il giorno della loro promozione a soldati effettivi scatta un terzo attacco dei giganti, portato in avanscoperta proprio da quel mostro colossale che aveva aperto la via la prima volta, che costringe i giovani cadetti ad ingaggiare subito in una sanguinosa e disperata battaglia.

Il tre protagonisti, da sinistra Mikasa, Eren e Armin

I personaggi presentati sono abbastanza pochi e, per adesso, sufficientemente abbozzati. Se da una parte c’è Eren, quello che si vuole comportare come un vero eroe, temerario e molto determinato, desideroso di una libertà che gli è stata negata dai giganti, dall’altra c’è la gelida ma letale Mikasa, che non si capisce mai bene cosa stia pensando, accompagnati dal piccolo e dall’aria indifesa Armin. Quest’ultimo segue i suoi compagni fin nella più cruda delle battaglie ma non è affatto il tipo da azioni spericolate, quanto più uno che ha decisamente l’aria del topo da biblioteca (qualità che in un’ambientazione del genere non fanno ben presupporre per la sua sopravvivenza. Vengono inseriti anche un po’ di altre reclute random, come il solito guastafeste, la ragazza dall’aria tenera (mi ricorda un po’ Unohana di Bleach) e il bonaccione della compagnia. In ogni caso è meglio non affezionarsi troppo a loro, dato che nella prima battaglia molti muoiono.

Il gigante colossale fa capolino dalle mura

Il discorso degli scontri con i giganti è uno dei punti cardine di questo manga. Innanzitutto bisogna osservare che il livello di violenza e di crudezza di questi combattimenti è molto più elevato del solito e anche se, come spesso succede negli shōnen, i protagonisti non possiedono organi interni (puoi strapparli e trapassarli ma non si vedrà mai un centimetro di frattaglia, come se dentro fossero fatti di un unico blocco), qui i giganti si sbizzarriscono a masticare e dilaniare tutti quelli su cui riescono a mettere le mani. In tutto questo, per poter affrontare degli avversari così grossi, gli umani sono costretti a sviluppare delle tecniche di combattimento particolari, che prevedono l’uso di una speciale attrezzatura che gli permetta una sorta di camminata nell’aria (con un sistema di corde e aria compressa) e delle speciali spade che possano scalfire la durissima pelle dei giganti. Tutti gli scontri avvengono in squadra (cosa che apprezzo particolarmente, perché far coordinare parecchi personaggi è sempre difficile, vedi Bleach, che in più di cinquanta volumi non è riuscito a far vedere un bello scontro di gruppo completo) e sono definitivamente la cosa più interessante del volume.

Eren si sposta con il sistema di
movimento tridimensionale

Il disegno è particolare e molto diverso da quelli che ormai sono diventati i canoni del genere shōnen. Sporco, grezzo e abbozzato, da il meglio di se stesso proprio durante i già citati dinamici combattimenti, dove accompagna perfettamente l’azione, mentre latita un po’ nelle scene statiche, dove offre dei personaggi non sempre proporzionatissimi, uniti a degli sfondi un po' rigidi. In generale si può osservare che, mentre negli esseri umani ci sono parecchie imperfezioni (spero migliorabili con l’avanzare dei volumi), spesso riconducibili a teste troppo grandi poste su corpicini esili, i giganti sono un vero colpo d’occhio. Brutti, cattivi e volutamente sgraziati sono esattamente quello che il lettore si aspetta di vedere in scena.

In definitiva L’attacco dei giganti è un manga shōnen decisamente interessante, che da adesso andrà ad arricchire il mio parco acquisti mensili. Lo consiglio a tutti quelli che sono un po’ stufi dei soliti shōnen preconfezionati e desiderano provare qualcosa di nuovo, a patto che apprezzino un disegno non necessariamente pulito e preciso.

Un altro premio - My Beautiful Lipstick

2012-04-01T11:51:00.001+02:00

Questa volta arriva dalla gentilissima e bravissima clacina che ringrazio per il pensiero. Grazie mille! Edit 11/04/12: Ho ricevuto lo stesso premio anche da Sara Durantini

In realtà penso che in origine questo premio fosse dedicato alle fashion blogger (cosa che evidentemente io non sono) ma, ormai, di passaggio in passaggio, arriva anche a tenutari di blog completamente diversi. In ogni caso prendo per buona la definizione che ne dà clacina, ovvero che sia dedicato ai blog che sono una figata, lo accetto volentieri e mi sento padrona di un blog figo!

Dopo il salto i dettagli e i blog premiati

Anche questo premio prevede di scrivere sette cose di me stessa che non ho ancora rivelato e di premiare quindici altri blogger. Visto che nel post dedicato al premio The Versatile Blogger avevo scritto sette cose riguardo ai manga, questa volta parlerò di me e degli anime (giusto per rimanere nel tema del blog).

Detesto attendere la messa in onda dell’episodio successivo a quello che ho appena finito di vedere, quindi, di norma, aspetto che una serie sia finita prima di cominciare a guardarla. L’unica eccezione a questa regola è data da Bleach, che seguo con regolarità di settimana in settimana.
Se sono indecisa sul recuperare o meno una serie manga, specie se molto lunga, di solito guardo qualche puntata dell’anime corrispondente per valutare il prodotto.
Se un manga mi piace alla follia poi cerco anche l’anime (qualora disponibile), per vedere i personaggi animati e sentirne le voci.
Ho delle difficoltà a guardare gli anime molto datati, specie se doppiati in italiano. Tutte le volte che ne comincio la visione, armata delle migliori intenzioni, poi finisce che li abbandono dopo poco. Si salvano solo alcuni film d’animazione particolarmente belli.
Detesto cordialmente le persone che mi chiedono come mai alla mia età io guardi ancora i cartoni animati (e ce ne sono davvero troppe). Ultimamente non sto neanche più a spiegargli che non ci sono solo prodotti per bambini.
Sono una fanatica maniaca del doppiaggio originale. Trovo che la versione italiana tolga sempre qualcosa alla serie e quando mi capita di vedere in televisione qualche episodio che avevo già visto in giapponese ci rimango sempre male per come hanno reso le voci.
Quando vidi per caso in televisione qualche episodio di One Piece lo bollai come noiosissimo (era la parte dove viene presentato Usop, con tutte le sue bugie). Anni dopo presi in mano il primo volume del manga e me ne innamorai.

Ed ora la parte più complessa, ovvero premiare altri quindici blogger.

Aigoo Aigoo Blog (Cinema, musica e altro, ma soprattutto sottotitoli);
Beyond The Crimson Walls (Ogni post è un piacere da leggere);
Componente instabile (Molto vario ma sempre interessante);
Corsi e ricorsi (Un blog dedicato all’arte: bellissimo)
DAISUKI (Tutto quello avreste sempre voluto sapere su dorama e attori);
Friday Morning Sun (Le avventure di Nora);
Ishiyama Street (Relativamente nuovo, dedicato ad anime e manga);
La vita puzza (Da non perdere l’unconventional wedding);
La Leggivendola (Non solo libri, c’è anche molto altro);
Mirage Dream (Film, musica e curiosità);
Nihon: almost a love story (Molto bello, su film, musica e tutto un po’);
Ore-sama (molto interessante e molto vario);
Sakura Kiss (Anime, manga e altro);
Stylebunny (L’unico vero fashion blog che seguo);
Un mondo a fumetti (Tutte le notizie sul mondo degli anime e manga);

Ho finito! Sono riuscita (non so bene come) a selezionare ben quindici blog da premiare. Non ne abbiano male blogger uomini se non li ho inseriti in lista ma questo mi sembra veramente un premio per ragazze.

The Walking Dead - La seconda noiosissima serie a base di zombie

2012-03-27T08:00:00.000+02:00

La locandina della seconda serie
di The Walkong Dead

Torno a parlare di The Walking Dead a distanza di quasi un anno dalla recensione della prima serie. La seconda stagione si compone di tredici episodi e riesce nella difficile impresa di essere ancora più noiosa della precedente (composta da soli sei puntata). Ritroviamo i personaggi noti, alle prese con l’altrettanto nota apocalisse zombie, da cui viene il noto titolo. Il telefilm è tratto dall’omonimo e famosissimo fumetto che, purtroppo, non ho ancora avuto modo di leggere ma che, prima o poi, riuscirò ad avere e a recensire come si deve, anche per fare un confronto con la sua trasposizione in live, ed è prodotto e distribuito dall’emittente americana AMC. Prima di procedere con la recensione avviso che sarà pienissima di spoiler e che darò per scontato il contenuto della prima stagione. Ho cercato di evitare le immagini troppo trucide per non disturbare le persone più sensibili ma ricordo che si tratta comunque sempre di una serie di zombie.

TRAMA CORTA - per chi ha fretta che mica si può perdere mezza giornata dietro una recensione su una serie di zombie

Shopia si perde nei boschi, le ricerche sono infruttuose e Carl si becca una fucilata da uno sconosciuto. Per curare il ragazzino il gruppo si sposta a casa di Herschel, un bravo medico, si arroga il diritto di rimanerci ad oltranza e di uccidere gli zombie che il padrone di casa tiene nel fienile (sono i suoi parenti, che spera di curare). In mezzo a loro c’è anche la piccola Sophia, trovata per caso dal tipo che ha sparato per sbaglio a Carl. Shane si rompe della leadership di Rick e cerca di farlo fuori una volta per tutte, fallendo miseramente e finendo a sua volta stecchito. Il gruppo (con l’aggiunta di Herschel e delle sue due figlie) è costretto a lasciare la fattoria per via di un grosso gruppo di zombie in transito e si trova nuovamente sulla strada.

TRAMA LUNGA - per chi ha tempo libero

Il gruppo si sparpaglia

La serie ricomincia esattamente da dove avevamo lasciato i nostri eroi (insomma, si fa per dire, ho un’altra idea di eroe io) alla fine della prima stagione. Il CDC si è rivelato una trappola mortale e i sopravvissuti all’esplosione sono alla ricerca di un posto dove stabilirsi. Ad un certo punto raggiungono un ingorgo di macchine abbandonate e, invece di fare marcia indietro e di cercare una via più praticabile, provano ad addentrarsi nel mucchio di carcasse di automobili, con il risultato che quello scassone del camper cede (per qualcosa come la millesima volta) e parte la solita ricerca dei pezzi di ricambio.

Sophia, subito prima di attirare due zombie

Tutti smontano tranquillamente dai mezzi e si mettono a razziare con tutta calma le auto abbandonate (sono l’unica che sente puzza di pericolo lontano un miglio? Davvero?). Ovviamente i bambini (Sophia e Carl) vengono lasciati il più lontano possibile dai genitori, in modo che possano essere attaccati con calma da eventuali zombie. Che, come da manuale, non si fanno attendere. Il risultato è che la piccola Sophia scappa in preda al panico e si perde nei boschi. Appena sorge nuovamente il sole la ricerca continua alacremente, portata avanti da tutti i membri del gruppo tranne T-Dog (il povero nero della compagnia, stranamente ancora vivo ma con un braccio ferito) e Dale (il vecchio, padrone del camper), che vengono lasciati a fare le riparazioni.

Rick guida la ricerca della bambina: dieci persone
tutte insieme, in modo da setacciare la minor area possibile

L’ideona geniale di Rick Grimers (il capo gruppo, per chi non se lo ricordasse) è quella di portarsi dietro nelle operazioni di ricerca anche quell’insopportabile moccioso viziato di suo figlio Carl che, come da manuale, finisce per farsi molto male. Mentre cerca di adescare un cervo finisce impallinato da Otis, un omone che viene da una fattoria lì vicino. Disperato, Rick porta il bambino correndo fino da Herschel, padrone della tenuta e medico provetto, che lo stabilizza ma, ovviamente, servono delle attrezzature mediche per effettuare l’operazione di estrazione del proiettile.

L'intervento di Carl

Per la prima missione suicida della serie (ce ne saranno un’infinità) vengono selezionati Shane Walsh e Otis, mentre Grace, una figlia di Herschel, va a prelevare Lori (la moglie di Rick) a cavallo. Cala la sera e l’allegro gruppo di debosciati si sposta in blocco alla fattoria, (lasciando un messaggio alla piccola Sophia, se mai dovesse tornare) e Shane torna con la roba ma senza Otis (grande classico, ah, tra l’altro l’ha ammazzato lui, in modo che facesse da esca ad un nutrito gruppo di zombie che lo stavano attaccando).

Glenn amichevolmente usato come esca viva

Nel quarto episodio (~~già il quarto? la trama è ridicola~~) non succede nulla di rilevante se non che Carl si risveglia (ma in questa serie la gente ha il gene della super guarigione come Wolverine, si ripigliano dalle peggiori ferite in pochissimo), continuano le ricerche di Sophia (anche se l’unico che pare prendere la cosa sul serio è Daryl), mentre in uno dei pozzi della proprietà viene trovato uno zombie. Segue squallida scena in cui Glenn (il ragazzo asiatico) viene calato nel pozzo per attirare il mostro e sua seguente eliminazione a colpi di piccone. Ma dico io, a chi verrebbe in mente di calare un amico sano in un pozzo dove c’è uno zombie vivo? A qualcuno che gli vuole molto ma molto male! Per fortuna durante una gita in città (una delle solite missioni suicide, una così noiosa da non prevedere neppure la comparsa degli zombie) il povero Glenn ha trovato ~~una partner sessuale~~ “compassione umana” in Maggie, una delle figlie di Herschel.

Daryl che si da del cretino da solo per come si è messo
nei guai cadendo da cavallo

Se questo episodio è stato inutile, con il quinto si riesce a fare di peggio, dato che in quaranta minuti avviene solo un incidente a Daryl, che si ferisce da solo con una delle sue frecce, e Lori (la stronza del villaggio, ma approfondisco dopo questo personaggio) si da un gran da fare a cucinare una cena con la famiglia di Herschel. Herschel, invece, si è un po’ rotto le scatole di loro e freme per buttarli fuori a calci dalla sua proprietà (come non capirlo, con Shane, Andrea e Rick che vanno in giro armati fino ai denti, con tutta l’intenzione di dettar legge), ma Lori non vuole, a lei il posto piace e decide che si fermerà lì (l’ho detto che è stronza, beh, tra poco lo ribadisco). In realtà in una situazione del genere la scelta di Herschel sarebbe la più saggia, dato che più piccola è la propria comunità e più facile è sfamarla, controllarla ed evitare che vi venga portato dentro il contagio.

Un rave party nel fienile? No, è solo la collezione di
zombie di Herschel

Purtroppo Glenn scopre che l’allegra famigliola di Herschel tiene confinata nel fienile una dozzina di zombie vivi (motivo per cui, tra l’altro, volevano i nostri fuori dalle scatole il prima possibile). Sono i loro parenti (moglie e un figlio, più qualche vicino) e sperano che in qualche modo venga trovata una cura che li faccia tornare normali. Seguono ulteriori ricerche di Sophia (con il metodo scientifico “alla cazzo di cane”), Andrea si fa dare una ripassatina da Shane e quest’ultimo continua ad essere insofferente a come viene gestita la leadership del gruppo dal suo amicone del cuore Rick.

Lori: "Caro devo dirti una cosa"
Rick: "Cosa, che ti sei fatta il mio migliore amico?"
Lori: "No, un'altra. Sono incinta"

Lori scopre anche di essere incinta (passando dal ruolo di “stronza del gruppo” a quello di “super stronza ma io sono incinta e voi no, quindi tutti zitti e si fa come dico io”) e lo dice a Rick che tiene un pippone contro l’aborto ~~(questa parte pare più una telenovelas sudamericana che un telefilm horror)~~. Facendo due conti sulle tempistiche della serie, basandomi su questa timeline qui (che non mi sembra correttissima sui tempi di permanenza di Rick all’ospedale ma soprassiedo), Lori ha riabbracciato suo marito da meno di dieci giorni (nove per l’esattezza) quando scopre di essere incinta, un lasso di tempo troppo breve perchè il test di gravidanza funzioni se il bambino fosse veramente del consorte. In pratica lei ha in grembo un piccolo Shane.

Il ritorno di Sophia, credo il miglior zombie di tutta la serie

Segue un altro episodio (il settimo) totalmente inutile (~~sai la novità~~), che ribadisce solo i concetti già visti in precedenza (Lori è stronza, Shane si fa i filmini mentali, Dale è un vecchio rompicoglioni, Rick è un uomo inutile, Carl meriterebbe due schiaffi per essere il degno figlio di sua madre, Daryl è l’unico motivo per guardare la serie), se non per il fatto che Shane sbotta, apre il fienile a forza e mostra a Herschel come gli zombie non siano proprio più esattamente umani. Segue strage di non morti finchè non esce l’ultimo dei mostri prigionieri: è la piccola Sophia (un applauso per quello che è praticamente l’unico colpo di scena della serie intera). Probabilmente Otis l’aveva trovata nei boschi e rinchiusa prima di morire. Ora, le tempistiche sono un po’ relative in questo telefilm, ma vuol dire che il giorno stesso che si è persa è stata zombificata e Otis l’ha trovata e piazzata nel fienile: veramente poco credibile! I veri uomini del gruppo si incazzano a morte con Herschel che li ha mandati in giro nei boschi a rischiare la pelle, mentre sapeva che la bambina era lì, ma lui nega di sapere, dicendo che degli zombie se ne occupava il buon Otis. Fatto sta che da lì a dieci minuti il discorso cade e non se ne parlerà mai più.

Una tranquilla gita al bar a sbronzarsi diventa
improvvisamente una sparatoria stile far-west

A questo punto c’è l’immancabile scena di funerale (seppelliscono i loro cari e bruciano tutti gli altri, lasciandone poi, molto umanamente, gli scheletri carbonizzati all’aria) e Herschel, preso dallo sconforto del dover accettare il fatto che la moglie e il figlio siano morti, prende e va in città ad ubriacarsi. Segue una doppia missione suicida per recuperarlo. Vanno in prima battuta Glenn e Rick (due esperti in materia) ma, dato che tardano a rientrare, quella stronza di Lori prende una macchina senza dire niente a nessuno e li segue, con la conseguenza di finire fuori strada con due zombie alle calcagna (ovviamente se la cava e Shane va a riprenderla, perchè negli horror le stronze non muoiono mai, specialmente se sono le mogli/ragazze del protagonista).

Randall che chiede a Rick perchè diavolo l'abbia salvato

In città i nostri vengono attaccati da altri umani vivi e, nel momento in cui si intravvedono i primi zombie decenti da un sacco di tempo (che quelli nel fienile non facevano paura a nessuno), questi fuggono, lasciandosi dietro un ragazzo ferito. Quel gran genio di Rick decide di salvarlo e curarlo, per poi abbandonarlo da solo e disarmato appena sarà in grado di camminare. Ovviamente per farlo servirà un’altra missione suicida (se uno va a ben vedere in questa serie ci sono solo maledette e inutili missioni suicide o scene del tutto irrilevanti) in cui Rick e Shane quasi ci rimettono le penne e da cui, tra l’altro, tornano ancora insieme al ragazzo.

Shane porta Rick nella foresta (di notte) per farlo fuori

Alla fine il gruppo decide (dopo un episodio intero passato a parlarne) di uccidere il giovane (tale Randall), perchè troppo pericoloso. Infatti, sa dove si trova la fattoria e potrebbe portare con sé i trenta uomini del suo gruppo che non cercano altro che un bel posto pieno di cibo da saccheggiare e di belle ragazze da violentare (sempre per il discorso di tenere la comunità la più piccola possibile). Shane però ha un piano in mente (una roba da Batiatus per quanto è scemo): fa finta di essere stato attaccato da Randall (lasciando evidenti tracce che Daryl sgama in mezzo minuto) e porta Rick lontano dal campo, in modo da cercare di ucciderlo.

La fine di Shale

Come va a finire non devo neanche dirvelo vero? Rick si salva e Shane diventa un’amabile e puzzolente zombie, abbattuto da Carl-io-sono-un-piccolo-stronzo in persona. In un momento padre-figlio da lacrimuccia arriva però un’intera orda di zombie incazzati e affamati che, per non meglio chiariti motivi, ha deciso di transumare per la proprietà di Herschel. Il gruppo, che tra l'altro si è appena reso conto di essere composto da un manipolo di tiratori scelti, fugge con le macchine, perdendo però Dale (morto già il giorno prima), alcuni parenti di Herschel e Andrea. Lei sarà l’unica di questi a sopravvivere (in modo assolutamente fantasioso), per poi essere salvata da una tizia misterioso che non c’entra una beneamata ceppa con l’ambientazione (sembra uscita da un film fantasy). Il gruppo finisce a fare capeggio in una casa diroccata, con Rick che si fa prendere la mano dal suo ruolo di leader, mentre alle loro spalle si intravvede una fortezza, che, immagino, sarà la metà della prossima serie.

La configurazione del gruppo a fine serie

PERSONAGGI - Uno più insopportabile dell’altro

Famiglia Grimes - Il protagonista, la sua donna e lo stronzetto loro erede*

Il trio di personaggi più insopportabili della serie: Rick, il padre finto-buono e pirla, che vorrebbe essere un leader ma è carismatico come un cetriolo ammuffito, Lori,la madre stronza come pochi sono riusciti ad essere nella storia della finzione (al suo pari credo ci sia solo Olivia Oil, quella di Braccio di Ferro), e Carl, il piccolo moccioso saccente ed irritante, interpretato da un attore espressivo come uno scaldabagno (tipo che quando è in coma ha la stessa faccia di quando scappa in preda al panico o di quando scopre che sta aspettando un fratellino/sorellina). Lori se ne sbatte dei problemi di chiunque e si preoccupa solo che il suo nucleo famigliare ne esca al meglio, a costo di fare ammazzare tutti gli altri. Si impone come presenza in casa Greene, spronando suo marito a trattare allo sfinimento con Herschel (o meglio se ne esce con un “tanto noi non ce ne andiamo, me ne sbatto se non ci vuole”), si comporta come la regina del gruppo, perde continuamente il figlio (un’altra piattola senza senso, stupido moccioso stai con i tuoi genitori, invece, di cercare di farti del male in giro. Non ti basta esserti preso un proiettile? Non ricordi quegli zombie che pascolano felici là fuori?) e tratta malissimo chiunque le capiti a tiro. Il piccolo Carl è un marmocchio viziato e supponente (tutto sua madre), che fa ogni cosa che vuole e, le rare volte che qualcuno osa dirgli di no, va da Shane a piangere per ottenerla allo stesso. Ho sperato tutta la serie che venissero morsi ma nulla, alla fine si salvano tutti e tre, anche se ho buone speranze per la prossima stagione: una donna isterica e un bimbominkia sono due delle cose che massimizzano le probabilità di morire durante un'apocalisse zombie.

Daryl, Carol e Sophia - L’abile cacciatore e un po’ di carne da zombie*

Sophia ha una sola scena da viva in tutta la serie ma bisogna dire che si fa sgamare un po’ da cretina da quegli zombie, uscendo dal nascondiglio prima di essere sicura che la strada fosse sgombra. Carol e Daryl sono, invece, la mia coppia preferita della serie. Non nel senso che facciano coppia fissa ma mi è piaciuto il modo in cui viene caratterizzato il loro rapporto nella ricerca disperata della bambina e nella conseguente perdita. Daryl è l’unico che si sbatte seriamente per Sophia e Carol lo sa, trattandolo quasi come un altro figlio (oppure no'? In realtà non si capisce se lei una botta gliela vorrebbe dare). Daryl è un bel personaggio, l’unico dotato di un po’ di carisma (anche se si ferisce da solo come un cretino cadendo da cavallo) ed è anche l’unico che pare ragionare un minimo in quel gruppo di stronzoni apocalittici. Riesce persino a capire che con il suo comportamento da vero duro (molte delle missioni pericolose sono sue) potrebbe ferire una persona a cui in fondo tiene e quindi cerca di allontanarla. Carol è una donna afflitta, ha perso il marito (che la picchiava) e la sua adorata figlia e trova nella figura di Daryl una valvola di sfogo per la sua carenza d’affetto. In ogni caso sono fighissimi in moto nella scena finale.

Shane e Andrea - I due che remano contro il gruppo*

I due fuori dalle righe del gruppo (fanno coppietta). Lui ha preso molto seriamente la cosa del “Il mondo è finito, per cui niente più regole”, è uno dal grilletto facile, dalla vendetta immediata e dal temperamento focoso. Ne combina una dietro l’altra, arrivando a farsi insulsi filmini mentali su quella donna odiosa di Lori, eliminando Otis e cercando di uccidere Rick. Sostiene che la guida del gruppo del suo amico sia inadatta (condivido) e che li porterà tutti ad una precoce morte (e ri-condivido), ma i suoi metodi sono veramente eccessivi, motivo per cui Rick lo farà fuori senza remore (unito alla sua raccomandazione da protagonista, che non poteva vederlo morto così). Insieme a lui c’è l’altra outsider del gruppo, Andrea, ovvero l’unica donna della compagnia che non passa il suo tempo a lavare i piatti e a fare il bucato (cosa per cui viene ripresa in malo modo da Lori) e si occupa della sicurezza del campo con gli uomini. Impiega mezza serie a lamentarsi che Dale non le ha permesso di suicidarsi e che nessuno le lascia maneggiare un’arma e l’altra metà a sparare agli zombie. Quello stronzo di Rick la abbandona a zombilandia mentre fugge dalla fattoria assediata e lei si fa strada a colpi di pistola finchè non le rimane addosso che un non-morto, ucciso da un personaggio misterioso.

Glenn, Dale e T-Dog - Tutta futura (e in parte passata) carne da zombie*

Dale è il vecchio bonaccioso della compagina (perchè ci vuole sempre un vecchio che faccia la morale), bravissimo a parole ma inutile quando si tratta di sparare. Viaggia con un fucile sempre in spalla ma vorrebbe che gli altri si disarmassero (my name is incoerence), tratta Andrea come una bambina (e lei lo manda a stendere) e cerca la lite aperta con Shane, che però non deve neanche fare la fatica di ucciderlo, dato che ci pensa uno zombie di passaggio che gli apre la pancia come se fosse un’anguria. Glenn è invece il galoppino del gruppo, viene utilizzato per tutte le missioni pericolose (ad altro tasso di mortalità, tipo calarsi in un pozzo con uno zombie) e tutti gli vanno a raccontare i loro peggiori segreti. Ben sapendo che non è capace di mentire. Che dire, si riconfermano dei geni! In ogni caso trova la donna della sua vita (per ora) in Meggie Greene, la figlia maggiore di Herschel che, al grido di “che ragazzo carino”, gli si spoglia davanti, lasciandolo anche un pelino scioccato. T-Dog è il ragazzo di colore della compagnia, nel primo episodio si ferisce accidentalmente ad un braccio e non fa più nulla per tutta la serie, se non qualche lavoro di facchinaggio.

Famiglia Greene - Tutta futura carne da zombie*

Una famiglia cristiana per bene di quelle di un tempo. Padre anziano (Herschel), medico veterinario (ovviamente Lori ha da ridire sul fatto che un veterinario operi suo figlio ma Rick le fa notare che non hanno chirurghi a disposizione, con l’Apocalisse in corso) e due figlie giovani (Maggie e Beth). Herschel spera di salvare i contagiati (tra cui la sua seconda moglie e il suo ultimo figlio) ma Shane gli apre gli occhi a colpi di pistola, facendogli venire un attimo di depressione. Le sue figlie sono Maggie, una tosta che ha una liaison con Glenn ed è anche l’unica a chiamare Lori con il suo vero nome (stronza), e Beth, la piccola innocente che tenta il suicidio quando capisce che la sua mamma è morta. Diciamo che la visita di Rick e banda allegra gli ha portato un sacco di sfiga: Otis (un loro amico) muore in missione (sacrificato da Shane), il ragazzo di Beth e la moglie di Otis diventano carne da zombie, perdono la fattoria (un posto con terra coltivata e animali) e si trovano in mezzo al nulla con un gruppo di scriteriati.

* A queste coordinate si può trovare il post dedicato all’analisi dei classici elementi degli horror

Il cast della serie, ad esclusione della famiglia di Herschel

COSA NON MI E’ PIACIUTO PER NULLA - Mettetevi comodi che ho un po’ di cose su cui recriminare

Oltre alla trama penosa e ai personaggi odiosi bisogna osservare che questa serie ha alcuni evidenti difetti di fondo. Innanzitutto è di una noia mortale (come per altro già la prima). Ore e ore di discorsi inutili, ripetuti fino allo sfinimento (tipo che Shane avrà rivangato tra le cento e duecento volte che Rick non è in grado di proteggere Lori e Carl e che solo lui sa come si fa), fino ad arrivare alla totale putrefazione delle balle dello spettatore. Per di più gli argomenti che trattano sono di scarsissimo o nullo interesse, in modo da non caratterizzare i personaggi, ma da produrre solo tanta noia! Noia, noia e ancora noia! Ho già detto noia?

Dale discute con Lori della sua gravidanza ~~segreta~~

In tutto questo bisogna sommare le scelte di una rara deficienza dei vari personaggi. Tralasciando il discorso su Randall che ho già trattano nella trama (cioè, lo prendono, lo curano e poi vogliono abbandonarlo appiedato e disarmato. Non paghi cambiano idea e decidono di ucciderlo. Non facevano prima a lasciarlo dov’era?) vorrei soffermarsi su due particolari che mi hanno fatto veramente venire i due minuti. Il primo è la gravidanza di Lori. La stronza sonica manda prima Glenn a prenderle un test di gravidanza, suppongo preallertata dalla mancanza del ciclo, e poi lo rispedisce a cercare delle pillole del giorno dopo per abortire (ovviamente senza dire nulla all’amato marito). Le prende e poi le vomita, cambiando idea.

Rick sgama la cosa trovando le confezioni delle pillole del
giorno dopo sul tavolo

Ora, il messaggio sbagliatissimo che passa da quella scena è che a una distanza di svariate settimane dal concepimento si possa abortire con una semplice pillola del giorno dopo. No! Se il test è positivo bisogna ricorrere ad altre tecniche (tipo la pillola abortiva vera e propria o il raschiamento), la pillola del giorno dopo serve solo ad evitare il rilascio dell’ovulo dall’ovario, quindi, va presa subito dopo l’atto sessuale, al massimo entro le prime settantadue ore. Anche se ne avesse inghiottite di venti scatole non sarebbe comunque successo niente! La pillola del giorno dopo è un maledetto contracettivo, non un farmaco per interrompere la gravidanza!

Tra l’altro, rimanendo su questo argomento, secondo me era cosa buona e giusta evitare un bebè (piangente e strillante) con tutti quegli zombie in giro che vengono attirati dai rumori molesti. Forse, prima di cercare di allargare la famiglia, sarebbe meglio trovare un posto sicuro dove vivere! Ma ovviamente Rick-io-sono-un-vero-uomo-americano non manca alla possibilità di fare un bel sermone sul fatto che sia importante avere una nuova vita e tanti saluti alla sicurezza (e io torno a dire che su questo punto sono con Shane). Una morale del genere viene poi ripetuta anche sull’argomento suicidio, altrettanto spinoso, ma comunque non così folle in una situazione del genere.

Ohibò, e questo zombie da dove arriva?

L’altro fatto che denota la totale deficienza mentale dei personaggi è proprio l’argomento zombie (che qui si chiamano walkers, ovvero erranti, ma io continuerò a definirli zombie. Non ho mai capito come mai spesso li ribattezzino con nomi random). Ordunque, i nostri eroi sono in una landa sperduta, circondati da paludi e boschi pullulanti di non morti, sono già stati attaccati ben due volte da un branco in migrazione e i geni del male si proteggono con uno steccatino di legno? E si sentono pure sicuri! Ma diamine, dopo l’attacco all’accampamento (non fatemi ricordare le tende in cui continuano a dormire garruli e felici) non vi è venuto in mente che forse dovreste fare qualcosa per il perimetro di sicurezza? Non so, terrapieni (gli zombie sono scarsi a risalire le pendenze), muri in mattoni, trappole per bloccarli, buche con pali appuntiti? No? ~~Solo io ho un piano anti-zombie?~~ No, loro stanno lì ad aspettare la prossima invasione e se ne meravigliano pure. E dicono anche: Ci hanno presi di sorpresa. Ma dai, erano tanti? Non lo sapevano che c’erano? La prima serie se la sono scordata?

Il classico incarnato grigio degli zombie

Rimanendo in argomento zombie bisogna, tra le altre cose, dire che, oltre ad essere rari come dei panda (ohhh, un telefilm di zombie dove gli zombie praticamente non ci sono, che ideona!), sono anche truccati malissimo. Il bello di un non morto classico è che gli altri personaggi ci devono mettere un attimo a capire se è un vivo o meno, qui no. Tre secondi dopo che uno è zombificato assume un colorito grigio tortora inconfondibile e gli si decompone la faccia (il resto no, tanto che mesi dopo la morte continua a camminare allegro e felice), facendogli assumere il classico aspetto da zombie stagionato ma non troppo.

E tutti questi da dove spuntano?

Inoltre, la regia riesce a regalare degli zombie con delle movenze talmente poco zombie da far capire chiaramente che è solo uno stupido attore truccato. Cioè, non fanno paura, magari un po’ di schifo perchè hanno la bocca decomposta (con poi tra l’altro una bellissima lingua perfettamente intatta) ma paura proprio no. Tanto che i personaggi non si fanno problemi ad affrontarli a mani nude, uscendone sempre indenni, e il piccolo odioso Carl in una scena ne prende anche uno a sassate. Cioè, se non sono intimoriti loro che sentono la puzza del loro alito marcio perchè dovrebbe esserlo lo spettatore? E qui, in my opinion, si spiega tutto il successo di questa serie. Chi non è in grado di vedere un vero film di zombie può guardare senza timore The Walking Dead perchè non fa paura! Al massimo annoia, ma paura proprio no!

Come distruggere la sospensione dell'incredulità
in due semplici mosse

Parliamo ancora un attimo degli zombie (~~cosa dite? Non ne potete più di sentir parlare di zombie? Pazienza un attimo, ho quasi finito~~), nel senso proprio della creatura. Ora, sono morti che si risvegliano e continuano a muoversi finchè hanno un pezzetto di carne attaccate alle ossa, cercando di mangiarsi tutti i vivi che incontrano (nei film classici sono pitocchi e amano degustare solo gli umani, qui di bocca buona e si accontentano di qualunque essere, purchè si muova). In uno dei primi episodi Rick e Daryl hanno la geniale idea di fare l’autopsia (non sto scherzando, è una scena da LOL) a uno di questi non morti, gli aprono lo stomaco e ne analizzano il contenuto, per vedere se ha fatto colazione con Sophia.

Ok, non c'entra nulla con il discorso sugli zombie
ma Maggie e Glenn insieme sono troppo carini

Ora, una scena di questo genere mi ammazza la sospensione dell’incredulità a colpi di piccone perchè comincio a pensare a cose del genere: Ma se lo zombie è morto, con tutti gli organi interni putrefatti, come fa a digerire? E quando ha finito fa la cacca? ~~Ora mi sto immaginando uno zombie con tutti i vestiti pieni di cacca~~. E se non ha lo stomaco? Che cavolo si mette a cacciare i vivi se poi non può mangiarli? Sta cosa degli zombie non funziona! Ok, non funziona per mille altri motivi, a cominciare dall’assenza di ossigeno (gli zombie non respirano) e dalla circolazione sanguigna (dovrebbero avere tutto il sangue nei piedi, che diventerebbero praticamente delle zampogne), entrambe cosette necessarie per far muovere i muscoli, ma così è proprio voler a tutti costi che lo spettatore pensi: Che cavolata!

Hei Andrea, cosa ci fai con gli uomini? Fila in cucina,
ci sono i piatti da lavare!

Chiudo il discorso con una nota negativa (sarà la centesima, nota più, nota meno) sull’incredibile aura di maschilismo che pervade tutta la serie. Le donne devono lavare e pulire, le donne devo starsene in cucina e non rompere, le donne devono farsi proteggere dagli uomini. Ma non scherziamo! Siamo tornati nell’ottocento? L’unica del gruppo a mostrare un po’ di carattere (no, non le palle, non le volgiamo le palle, il carattere, quello sì, grazie) è quella poveraccia di Andrea (anche se è antipatica). Prima deve far capire a Dale (che due schiaffi anche a lui male non facevano) di non essere una bambina e di non aver bisogno di un baby-sitter e poi nessuno vuole darle in mano un’arma (tra l’altro di sua proprietà), mentre a Carl (un bambino idiota ma maschio) una pistola non gliela nega nessuno! Le altre anche non scherzano: Carol non ha mai opinioni, Lori ha solo quelle dell’uomo di turno che le ha parlato e le sorelle Greene fanno tutto quello che dice il padre. Shane e Rick arrivano a considerare Lori una proprietà, come un oggetto! Ma non scherziamo! *inizio sfogo* LE DONNE NON SONO PROPRIETA’ DEGLI UOMINI. Punto! Stanno con chi pare a loro e sono fino a quando pare a loro. Punto! *fine dello sfogo*.

Un po' ci avevo sperato che morisse tra atroci tormenti

COSA INVECE MI E’ PIACIUTO - Troppo poco

Daryl. È l’unico motivo per guardare la serie. Fine
Un po’ anche Glenn, ma Daryl è decisamente meglio.

CONCLUSIONI - C’è ancora qualcuno che legge?

In conclusione questa serie, pur avendo a disposizione un sacco di tempo (tredici episodi da quarantacinque minuti non sono bruscolini, se si va a vedere sono quasi dieci ore di telefilm) lo spreca in modo imbarazzante, imbastendo delle “avventure” noiose e ripetitive. I personaggi sono quasi tutti ben oltre il limite della non sopportabilità e si comportano come una mandria di egocentrici idioti che agiscono in modo così stupido da mettere in dubbio più volte il fatto che desiderino salvarsi veramente. Oltre al fatto che probabilmente gli sceneggiatori sono convinti che i loro spettatori siano una manica di celebrolesi, altrimenti non si spiega perchè i concetti più basilari vengano ripetuti fino allo sfinimento morale. In definitiva è una serie di una noia mortale con zombie che più che far veramente paura si limitano a far un po’ schifo (o al massimo ridere, come quello nel pozzo, sembrava “Cicciobello”). Secondo me si poteva allegramente saltare dalla fine della prima (che anche quella era un bel concentrato di noia ma almeno succedeva qualcosa) verso la terza, tanto la situazione del gruppo (in mezzo alla strada) è praticamente identica, con la sola differenza che la famiglia Greene ha sostituito il trio Sophia, Dale e Shane e Rick ha deciso di mutare da idiota dal cuore d’oro a bastardo dentro.

È incredibile che siate riusciti a sopravvivere così a lungo

Herschel a Rick poco dopo il suo arrivo alla fattoria - La battuta più azzeccata di tutta la serie

Trailer della seconda serie di The Walking Dead

Nodame Cantabile - Quando la musica classica diventa divertente

2012-03-23T08:00:00.000+01:00

I due protagonisti della storia

Nodame Cantabile (のだめカンタービレ Nodame Kantābire) è un anime josei composto da tre serie (Nodame Cantabile, Nodame cantabile Paris-Hen e Nodame Cantabile Finale) più tre OAV, per un totale di quarantasette episodi, andati in onda in Giappone tra il 2007 e il 2010. È la trasposizione animata dell’omonimo manga, realizzato da Tomoyo Ninomiya per la Kodansha, e tratta di un argomento abbastanza insolito, dato che tutti i personaggi sono dei musicisti che lavorano e si applicano nell’ambiente della musica classica. Per una volta, quindi, non si avranno dei ragazzini sgallettati che cercano di sfondare nel mondo del pop, ma degli studenti preparati che aspirano a suonare in delle orchestre sinfoniche, dedicando anima e corpo al perseguimento i loro scopi. Faranno parte di un mondo molto competitivo, dove c'è spazio solo per chi ha del vero talento.

Chiaki intento ad essere figo

Chiaki Shin’ichi è uno studente d’elite del prestigioso conservatorio di Momogaoka. Saccente, perfettino e fighissimo si sente una spanna abbondate sopra tutti gli altri per il suo incredibile talento. Pur essendo un abilissimo pianista e un ottimo violinista desidera anche diventare un direttore d’orchestra, per rincontrare il suo idolo, Viera-sensei, ma ha un grosso problema che lo blocca. Purtroppo da bambino ha subito due traumi (un brusco atterraggio in aereo e un rischio di annegamento) che gli hanno lasciato una tremenda fobia per il volo e per il mare, rendendogli di fatto impossibile lasciare il Giappone. Essendo nell’ambiente della musica classica per lui sarebbe molto importante riuscire ad andare in Europa (dove tra l’altro vive il suo mitico maestro) ma le sue paure lo bloccano irrimediabilmente in madrepatria. Un giorno, con la luna più storta del solito, litiga con il suo docente di piano che, stufo del suo comportamento, lo rifila al collega a cui sono destinati gli studenti falliti.

Chiaki si sveglia nella discarica abusiva di Nodame

Quella sera il giovane torna a casa ubriaco e si addormenta fuori dalla porta. Quando si sveglia si trova nell’appartamento di Noda Megumi, la sua vicina di casa e anch'essa studentessa del conservatorio, una tipa completamente fuori come un balcone, che suona la musica classica in modo da adattarla ad essere “cantabile” (da cui il titolo della serie). La casa di Nodame (questo è il soprannome della ragazza) è una specie di discarica puzzolente, piena di spazzatura e lerciume storico, e viene ben presto anche fuori che la giovane è una specie di maniaca (l’ho detto che era fuori di testa) che si innamora follemente del bel Chiaki e comincia a tormentarlo. Questo inzialmente fugge a gambe levate ma, nonostante tutto, la ragazza mostra subito un notevole talento per il pianoforte che ne attira irrimediabilmente l'attenzione.

Il rinomato metodo educativo di Chiaki

Il nuovo insegnante di piano del poveretto è lo stesso di Nodame e lo spinge a fare un duetto con lei. Ormai quasi spinto sull'orlo della disperazione inizia, pian piano, a conoscere e ad accettare la giovane compagna, facendole innanzitutto le pulizie nell’appartamento (con il fare allegro e spensierato di un gerarca nazista - ricorda un po' Riuji Takasu) e arriva persino a motivarla a suonare seriamente (sempre con lo stesso atteggiamento di prima). In questo modo i due cominciano un percorso che li porterà a crescere, grazie anche all’aiuto di molti altri personaggi, tra cui il celebre direttore d’orchestra Franz von Stresemann (un amante delle belle donne e del cazzeggio libero) e un sacco di altri musicisti con cui incroceranno le loro strade.

Franz von Streseman impegnato nella sua attività preferita

I personaggi sono uno dei punti forti della serie, a partire dai due protagonisti, carismatici ma molto diversi tra di loro, passando per figure cardine della trama, come il fantastico Franz Von Stressman e Elise, la sua sadica assistente, per arrivare ai singoli musicisti che compongono le varie orchestre con cui i nostri eroi avranno a che fare. In generale, nonostante il cast subisca diverse importanti variazioni (tra la prima e la seconda serie, per esempio, cambia praticamente in blocco), si riesce sempre a ricreare una perfetta alchimia tra le figure messe in scena. Quasi tutti i personaggi hanno un loro opposto con cui confrontarsi e con cui arrivare (in qualche modo) a patti.

Nodame in azione, quell'espressione è sinonimo
di guai (per Chiaki)

Se lo studente perfetto, precisino maniacale e cuoco provetto, Chiaki avrà a che fare con una disordinata cronica incapace di fare un uovo al padellino come Nodame, Stresemann troverà nella severissima e rigidissima Elise la sua nemesi e il povero Yasunori Kuroki (uno dei miei preferiti), un suonatore di oboe giapponese, pacato e timido, avrà che fare con l’esplosiva russa Tatiana Vishneva. Questo porterà a un susseguirsi di situazioni brillanti e molto divertenti, che trascineranno i personaggi in un susseguirsi di spassose avventure a sfondo musicale.

Un'orchestra al lavoro (stavo per scrivere all'opera ma
poi mi è sembrata una battuta troppo squallida)

La musica abbandona il ruolo di semplice colonna sonora e diventa quindi una parte integrale della trama, essendo di fatto l’argomento principale della serie. Ogni episodio sarà ricco di splendide musiche, suonate dagli stessi personaggi in scena e spiegate da una voce fuori campo (normalmente quella di Chiaki), che completeranno ottimamente il quadro narrativo (fin un briciolo esagerate come minuti di sola musica alla fine della prima serie). Dal punto di vista del disegno si può osservare un character design semplice ed essenziale, unito ad un’animazione abbastanza fluida e a una CGI che invece stona nell’insieme. Tutte le scene in cui ci sono dei musicisti in azione sono realizzate in grafica digitare con un effetto purtroppo molto innaturale e rigido. Per dire, tutte le volte che c’è un direttore d’orchestra all’opera, le sue braccia sembrano delle zampe di ragno (e fanno onestamente un po’ senso).

Nodame sta nuovamente per far saltare i già fragili nervi
di Chiaki

Per fortuna non è sulla potenza visiva che si basa un’opera di questo genere, che fa della sua forza trainante una trama semplice ma coinvolgente, dei personaggi spumeggianti e un’ottima colonna sonora. Vedere solo qualche immagine allegata a qualche recensione non fa assolutamente giustizia a questo gioiellino dell’animazione nipponica, che merita decisamente di essere visto. A chiunque si sia anche solo un po’ incuriosito dopo aver letto questa recensione consiglio di cominciare a guardare il primo episodio e, in men che non si dica, si troverà sicuramente ad aver finito la serie. Episodio dopo episodio, lo spettatore si troverà sempre più coinvolto nelle vicende dei personaggi e desidererà sempre di più sapere come andranno a finire le cose. Nodame riuscirà a conquistare Chiaki? Gli farà venire un esaurimento nervoso? Il poveretto riuscirà finalmente a partire per l’Europa? Franz von Stressman è veramente un famoso direttore d’orchestra o è un’impostore? Viera-sensei si ricorderà ancora di Chiaki? Lo scoprirete solo guardando la serie!

La prima sigla della serie